Nancy Graves mapping

Louise Bourgeois constitue une monographie sans équivalent en France. Ecrit par l'un des meilleurs spécialistes de l'artiste, l'ouvrage somme propose une vision transversale et complète de son oeuvre grâce à une structure originale qui dresse à la fois un portrait intime de la femme et déploie un examen approfondi de l'oeuvre à travers plus de 900 illustrations. Louise Bourgeois (1911-2010), sculptrice et plasticienne française naturalisée américaine, est une des artistes majeures de la fin du xxe et du début du xxie siècle. Arrivée à New York en 1938, elle croise le surréalisme, importé par les artistes européens en exil, puis les grands courants de l'art américain d'après-guerre, créant un oeuvre basé sur la mémoire et l'intimité des émotions. Entièrement autobiographique, son langage personnel intègre tous les matériaux et toutes les formes, touchant aux pratiques les plus contemporaines. Après des périodes successives de succès et de retraits, Louise Bourgeois accède à la notoriété en 1982 lors de sa rétrospective au Museum of Modern Art. Tout au long d'une carrière de près de soixante-dix ans, elle a créé un corpus d'oeuvres riche et toujours innovateur. Bien que la peinture, le dessin, la gravure et la performance aient aussi leur place dans son oeuvre, l'artiste est surtout connue pour ses sculptures, qu'elles soient intimes (Femme-maison, Fillette) ou monumentales (Maman, Spider). Aujourd'hui collectionnée dans les plus grands musées du monde, l'oeuvre complexe et protéiforme de Louise Bourgeois continue de fasciner la jeune génération d'artistes et la critique.

Louise Bourgeois - Géométries intimes

À l'occasion de la recréation du bosquet du Théâtre d'Eau, les Éditions Dilecta publient en coédition avec la galerie Perrotin un ouvrage retraçant la création des Belles Danses de l'artiste français jean-michel othoniel, première installation contemporaine pérenne dans les jardins du château de versailles depuis 300 ans.


Redessiné par le paysagiste Louis Benech, le bosquet du Théâtre d'Eau accueille trois sculptures-fontaines de Jean-Michel Othoniel, posées à fleur d'eau dans les bassins. Composées d'entrelacs et d'arabesques en perles de verre, elles évoquent le corps en mouvement et sont directement inspirées des ballets donnés par Louis XIV et de L'Art de décrire la danse, de Raoul-Auger Feuillet (1701). Véritables calligraphies issues d'une réécriture de la notation des pas de danse, ces sculptures redonnent vie à L'Entrée d'Apollon, au Rigaudon de la Paix et à la Bourrée d'Achille. Robert Storr, critique d'art et curateur américain, analyse ces réalisations exceptionnelles de Jean-Michel Othoniel à Versailles, au regard de l'art contemporain. Les nombreux échos évoqués entre le siècle du Roi Soleil et l'oeuvre de Jean-Michel Othoniel éclairent ainsi subtilement la poétique de l'artiste, ouvrant ainsi la frontière entre les arts, et révélant les riches références qui émanent de ces sculptures intemporelles. Dans Les Belles Danses, Jean-Michel Othoniel présente également la genèse de son travail à travers croquis, aquarelles, dessins techniques et autres documents. Composé comme un ballet baroque, ce livre illustré de nombreuses photographies montre Les Belles Danses évoluer au fil des saisons, confrontées aux éléments et aux lumières changeantes du ciel de Versailles. L'ouvrage dévoile ainsi les différentes étapes de leur création, rassemblant images d'archive, références de l'artiste et notes dévoilant les secrets de la conception de ces oeuvres.

Les belles danses, Versailles

Désarmante et dérangeante depuis les prémices de sa production, au début des années 1980, jusqu'au Bouquet de tulipes offert à la Ville de Paris en 2017, en passant par Jeff and llona : Made in Heaven, l'ceuvre de Jeff Koons suscite la controverse. Pour se repérer dans l'univers et les propos quelquefois contradictoires de l'artiste, et comprendre l'ambiguïté d'une personnalité tour à tour candide ou cynique, ce volume reprend un long entretien daté de 1990, dans lequel il précise ses idées sur la fonction de son art, dans le contexte économique euphorique ("le marché est sain", explique-t-il dans un autre entretien) et post-reaganien des Etats-Unis. Trois essais récents (datés de 2008 à 2018) complètent cet ouvrage, apportant un éclairage indispensable à l'oeuvre la plus médiatisée de notre époque.

Jeff Koons

L'abstraction gestuelle qui recouvre entièrement une surface est une peinture américaine par excellence. L'affirmation pourrait induire une certaine gêne, ou même un état d'alerte, à notre époque, sans doute la plus chauviniste depuis des décennies dans l'histoire de notre nation - sauf que l'artiste dont je vais parler est né à Ceylan et a grandi en Grande-Bretagne. Il n'en est pas moins new-yorkais depuis 1972, ce qui fait de la biographie de Julian Lethbridge une histoire d'immigration typiquement américaine - et donc celle d'une immigration réussie. À l'exception des populations indigènes d'Amé rique en effet, « nous » sommes tous venus de quelque part pour les raisons les plus diverses aux époques les plus diverses et avons merveilleusement tissé, diversifié et marbré la culture de ce pays. En règle générale, la « peinture all over de type américain » recouvre un large spectre de l'art après 1950 - certainement plus large que ne le voulait Clement Greenberg, le créateur du concept - qui va de Jackson Pollock, Philip Guston et Willem de Kooning à Jasper Johns et Cy Twombly. Le dénominateur commun en est le principe de travail selon lequel l'amalgame de signes qui évoque une représentation plus ou moins figurative ou poétique - voire, comme chez Johns, une représen tation parfaitement prosaïque - constitue en soi un tableau. (...) La densité visuelle et tactile du plus grand de ces (récents) tableaux ne ressemble en rien à ce que donnaient à voir des oeuvres plus anciennes de Lethbridge.
Ils marquent peut-être un tournant dans son oeuvre dont la transformation a jusqu'à présent été con tinuelle et progressive.
Pour le moment cependant, je me contente de prendre les derniers tableaux de Lethbridge pour ce qu'ils sont au lieu de les voir comme les signes avant-coureurs de ce qui va venir.
Expression d'une sensibilité in stinc - tivement réservée, aussi réfléchie que disciplinée, mais résolument hédoniste, ses toiles éblouissent et séduisent avec un raf finement qui, tout en restant facile d'accès, exerce une fascination sur tous ceux qui possèdent la dose requise de patience et de désir. Dans l'ensemble et à long terme, ces tableaux sont des machines perpétuellement en mouvement dont le dynamisme bourdonnant dénonce que la peinture all over de type américain constitue une parenthèse encore loin d'être re - fermée dans l'histoire de l'art moderne - un travail qui attend en permanence d'être effectué.

Julian Lethbridge

Du 15 mars au 14 juin 2015, la Fondation Cartier pour l'art contemporain présente une grande exposition consacrée à Bruce Nauman. Reconnu comme l'un des créateurs les plus influents de sa génération, cet artiste américain développe depuis la fin des années 1960 une œuvre mêlant sculpture, vidéo, installation et performance. Conçu en étroite collaboration avec l'artiste, le livre publié à cette occasion présentera cette exposition exceptionnelle à travers des photographies, des notes et des croquis et permettra d'approfondir la connaissance de l'œuvre de cet artiste inclassable, à mi-chemin entre art conceptuel et art minimal.

Bruce Nauman

Entretien. Paulo Herkenhoff est conservateur au Museum of Modern Art de New York et ancien directeur artistique de la Biennale de Sao Paulo. Critique d'art, il a publié de nombreux essais sur des artistes sud-américains, parmi lesquels Lygia Clark, Cildo Meireles et Helio Oiticica. Essai. Robert Storr occupe la chair d'art moderne Rosalie Solow à l'institut des beaux-arts de New York University. Ancien conservateur en chef du Museum of Modern Art de New York, il est commissaire de la Ve Biennale de Santa Fe, au Nouveau-Mexique (2004). Parmi les nombreuses monographies d'artistes contemporains auxquelles il a contribué, citons : Louise Bourgeois (1995), Raymond Pettibon (2001) et Robert Mangold (2000). Focu. Allan Schwartzman est critique d'art indépendant, fondateur et conservateur du New Museum of Contemporary Art de New York. Ses articles sur la culture et l'art contemporain paraissent dans le New York Time et Artforum. Choix d'artiste. Françoise Sagan, romancière et essayiste, née en 1935, a publié son premier roman le best-seller Bonjour tristesse (1954), à l'âge de 19 ans. Analysant la réaction d'une jeune fille au nouvel amour de son père, Bonjour tristesse aborde l'un des thèmes récurrents de l'œuvre de Louise Bourgeois : la jalousie. Ecrits de l'artiste. Louise Bourgeois, artiste américaine d'origine française, sculpteur, peintre et graveur, est aujourd'hui considérée comme l'un des artistes majeurs du XXe siècle. Le Museum of Modern Art de New York (en 1982), la fondation Guggenhein de Bilbao (en 2001-2002), parmi un nombre incalculable d'autres musées, lui ont consacré une exposition personnelle ; en 1993, elle représentait les Etats-Unis à la Biennale de Venise. Louise Bourgeois est également connue pour ses écrits, et le long chapitre Ecrits de l'artiste présente un choix de textes qui témoigne de l'ampleur de son parcours, des années 1940 à aujourd'hui. Ensemble, ils relatent en détail le fascinant roman d'une vie qui a nourri l'essentiel de son œuvre.

Louise Bourgeois

Personnalité de premier plan sur la scène de l'art contemporain international, Gerhard Richter est l'un des peintres majeurs de notre époque. Créé quelque quatre ans après l'événement, son tableau Septembre est une réaction longuement mûrie aux attentats qui ont abouti à la destruction du World Trade Center le 11 septembre 2001 à New York. Critique d'art et commissaire d'exposition, Robert Storr a longuement fréquenté le travail de Gerhard Richter. Il envisage ici le tableau à la fois en tant que tel, mais aussi en relation avec les événements du 11 Septembre tels qu'il les a personnellement vécus ce jour-là à New York. Par la description, la comparaison avec d'autres oeuvres et les références avec des précédents dans l'art et la littérature contemporains, mais aussi avec la guerre, Robert Storr analyse la signification profonde de ce tableau et la façon dont il s'inscrit dans un pan particulier de la carrière de Richter où le peintre questionne les moments traumatiques et controversés de notre histoire. Avant-propos de sir Brian Urquhart, ancien Secrétaire général adjoint des Nations-Unies.

Septembre - Une peinture d'histoire de Gerhard Richter

Alex Katz

Cet ouvrage propose une étude complète sur la vie et l'oeuvre du peintre visionnaire Philip Guston, de ses premières peintures murales socialistes à sa rencontre avec l'expressionnisme abstrait jusqu'au nouveau puissant langage figuratif développé dans les années 1970. S'appuyant sur plus de trente ans de recherche, le commissaire et critique d'art Robert Storr retrace toute la carrière de Guston en un volume complet qui à travers plus de 900 images fournit une analyse substantielle, accessible et révélatrice de son travail.

Philip Guston : a Life Spent Painting

Né en 1939 à San Francisco, Richard Serra vit à New York. Il est l'un des principaux représentants de la sculpture minimale. En 1965, grâce à une bourse d'étude, il séjourne à Paris - où il s'intéresse au travail de Brancusi. Dès le milieu des années 1960, il participe régulièrement à des expositions de groupe, notamment à celles consacrées à la sculpture américaine. Mais il est surtout connu pour ses sculptures monumentales, indissociables de l'espace pour lequel elles sont créées, dans lequel il déploie des plaques d'acier, souvent corrodées - son matériau de prédilection - posées sur les arêtes, soit contre un mur, soit les unes contre les autres en appui par leur sommet ou dans d'autres combinaisons, à la recherche du meilleur équilibre. Elles suscitent une curiosité et un intérêt tels qu'il reçoit de nombreuses commandes publiques, à Los Angeles, Saint Louis, Helsinki, Amsterdam, Paris, où il a conçu Clara-Clara pour le jardin des Tuileries, installée, de 1985 à 1990, dans le parc de Choisy, puis démontée. En 2008, dans le cadre du programme Monumenta, il reçoit la proposition d'installer une oeuvre sous la verrière du Grand Palais : ce sont cinq stèles disposées asymétriquement le long de l'axe central, hautes de 17 mètres et larges de 4 mètres, invitant le visiteur à une perception de l'espace inédite.

Richard Serra

Intimate geometries the art and life of Louise Bourgeois

The groundbreaking sculptor's most comprehensive monograph to date.

Jean-Michel Othoniel is an artist who creates sculptures that explore themes of fragility, transformation, and ephemerality. Using the repetition of such modular elements as bricks or beads, his work deploys various strategies that hint at loss and despair - cracks in his objects' perfect surfaces, negative spaces and, early in his career, transient materials such as sulfur. The most authoritative study of the artist's work to date, it includes intimate gallery pieces as well as monumental public commissions around the world.

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