" Je ne repeins pas Manet avec la vidéo, elle me permet de déployer dans le temps les gestes qui sont suspendus ou absents dans la peinture. (...) Je tente de reconstituer, par exemple, cet espace réduit, clos sur lui-même, et si impressionnant dans Le Balcon. J'essaie de traiter l'espace comme un espace plat, comme une surface. Mais la peinture résiste, elle ne se laisse pas copier ou recopier. " (Anne Sauser-Hall, septembre 2006) A l'invitation du musée d'Orsay, des artistes d'aujourd'hui dialoguent avec les collections en choisissant l'œuvre de laquelle ils se sentent proches. Naît ainsi la double possibilité de voir les collections sous un nouveau jour et de faire résonner autrement leur modernité toujours active. Anne Sauser-Hall, artiste suisse, a fortement été marquée par la théâtralité des œuvres de Manet. Sans reprendre la réalité des tableaux, elle en extrait des mouvements, un moment, avec une rare subtilité et une poétique singulière. Pour ces " Correspondances ", elle a choisi Le Balcon de Manet comme point de départ d'un travail vidéo inédit.

Anne Sauser-Hall / Edouard Manet

COPENHAGUE, 2 MARS-4 JUIN 2006 PARIS, MUSCE D'ORSAY, 27 JUIN-17 SEPTEMBRE 2006Personnalité originale, Willumsem s’intéresse aussi bien à la peinture qu’à la sculpture, la gravure, la photographie ou la céramique. L’exposition traite de l’ensemble des techniques abordées par l’artiste.L’exposition couvre l’intégralité de sa production, au-delà même des limites chronologiques du musée d’Orsay puisque Willumsen s’éteint en 1958, au Cannet, à l’âge de 95 ans.Willumsen a passé une grande partie de sa vie en France et a pratiqué aussi bien la peinture que la sculpture, la gravure, la photographie ou la céramique. D’abord marqué par le naturalisme de Raffaëlli, Willumsen entre en contact avec les cercles avant-gardistes parisiens des années 1890 et sa peinture, influencée par Gauguin et les Nabis – tout particulièrement par Vallotton – adhère dès lors au cloisonnisme et au synthétisme. Cependant, l’artiste prend rapidement ses distances avec le symbolisme français pour se tourner vers style plus expressionniste, marqué par la découverte en 1900 de l’immensité des espaces du Nouveau-Monde. Ses grandes toiles ayant pour thèmes la montagne et la mer évoquent irrésistiblement Munch et Hodler.

Willumsen un artiste danois 1863-1958 : Du Symbolisme à l'Expressionnisme

Créé à Bâle en 1966 par Marie-Thérèse Vacossin et Marcel Mazar, l'Atelier Fanal s'affirme d'abord comme un lieu pédagogique dispensant un enseignement artistique exigeant. Sous l'influence de l'artiste Jean Gorin, Fanal devient peu à peu l'un des grands ateliers de gravure de l'abstraction géométrique, œuvrant à la promotion de l'art concret ou construit. Héritier du Bauhaus, ce mode d'expression précis et rigoureux repose sur une intense réflexion théorique et s'exprime dans l'architecture, la musique, la peinture la typographie ou la poésie. André Schweizer, membre de l'Atelier Fanal dès les origines, participe au développement des activités éditoriales de Fanal et côtoie ainsi les principaux représentants de l'art contruit tels Gottfried Honegger, François Morellet ou Aurélie Nemours. Séduit par la politique artistique menée à Valenciennes en faveur de l'abstraction géométrique, il décide de donner à la ville les estampes, livres et portfolios réservés à l'éditeur qu'il possède. Plus de 500 œuvres originales sur papier, datées de 1978 à 2013, sont venues enrichir les collections de la bibliothèque de Valenciennes. Catalogue raisonné de la collection, cet ouvrage évoque l'aventure d'une maison d'édition qui a produit des sérigraphies d'une qualité exceptionnelle et mis pour la première fois la gravure au service de l'art abstrait géométrique. Subtils contrastes de couleurs, effets cinétiques, radicalité formelle ou jeux graphiques sont autant d'expression différentes d'un art non dénué d'humour et de sensibilité, qui ne cesse de se renouveler.

Art construit - Donation André Schweizer

Artiste autodidacte n'ayant fàmais quitté la Frah e. Henri Rousseau, dit •• Le Douanier", a puisé ses sources d'inspiration dans l'imagerie populaire, les albums et les récits de voyage, les photographies anciennes, les cartes postales, les images du Jardin des Plantes ou du Muséum d'histoire .	naturelle, un répertoire de motifs magistralement assemblés dans de mystérieuses toiles éclatantes de couleurs. Combats de fauves et de bêtes sauvages, jungles effrayantes à la végétation envahissante contrastent avec des toiles paisibles mettant en scène des singes, facétieux substituts des humains. La peinture de Rousseau pose en fait la question de l'autre, du sauvage par rapport au civilisé mais aussi de l'autodidacte face au peintre académique. Père de la peinture naïve et précurseur du primitivisme au même titre que Gauguin, cet employé de l'octroi de Paris, qui trouvait dans la peinture une évasion salutaire, apparaît aujourd'hui, comme une des figures de proue de l'art du XXe siècle,	Apollinaire, Jarry, Picasso Delaunay et Kandinsky, ses amis,	à
ne s'y trompèrent pas.

Le Douanier Rousseau - Jungles à Paris

Stampfli

Grand amateur de l'art du XIXe siècle, qu'il collectionnait, Jacques Thuillier lui a consacré de nombreuses études. II a oeuvré en pionnier à la redécouverte d'un pan immense de l'histoire de la peinture et de la sculpture, sauvant de l'oubli des artistes méconnus, voire méprisés. Ce nouveau volume des "Ecrits" met ainsi en lumière non seulement des figures majeures comme Gericault ou Delacroix mais aussi des artistes injustement éclipsés par une vision étroite de la production artistique du XIXe siècle, trop centrée sur l'impressionnisme et les courants post-impressionnistes. Un regard riche et fécond sur l'Académie des beaux-arts, les peintres dits "pompiers", le romantisme ou les foyers provinciaux s'affirme ainsi à travers ces textes, formant au fil des pages un étonnant "dictionnaire amoureux" de l'art au XIXe siècle, foisonnant, éclectique et sensible, dont l'illustration abondante fera découvrir au lecteur des régions nouvelles de la peinture et de la sculpture.

L'art du XIXe siècle, un nouveau regard

Vues D'Architectures. Photographies Des Xixeme Et Xxeme Siecles

L'esprit nouveau : le purisme a paris 1918-1925. amedee ozenfant, jeanneret

Docteur d'Etat ès lettres et sciences humaines, Serge Lemoine enseigne depuis 1968; il a été notamment le premier titulaire de la chaire d'histoire de l'art du XXe siècle à l'école du Louvre, qu'il a occupée de 1981 à 1987.
Depuis 1989, il est professeur à la Sorbonne. A partir de 1986, il a dirigé le musée de la ville de Grenoble dont il a assuré également la construction du nouveau bâtiment. Son action à la tête de cet établissement a été saluée en 1996 par l'attribution du grand prix national des Musées. C'est en 2001 qu'il a quitté cette institution à laquelle il aura donné une envergure internationale et un rayonnement nouveau, pour être nommé à la direction puis à la présidence du musée d'Orsay à Paris.
Depuis 1970, Serge Lemoine a réalisé de très nombreuses expositions en France et à l'étranger pour promouvoir l'art du XIXe et du XXe siècle, notamment "Paris-Berlin" en 1978 (en collaboration) et "Kurt Schwitters" en 1995 au Centre Georges-Pompidou à Paris, plus récemment "Vers l'art moderne: de Puvis de Chavannes à Matisse et Picasso", au Palazzo Grassi à Venise en 2002, "Aux origines de l'Abstraction ", présentée en 2003 et "Le Néoimpressionisme de Seurat à Paul Klee" en 2005, au musée d'Orsay, "Trésors impressionnistes des collections nationales françaises" montrée à Pékin, à Shanghai et à Hong Kong en 2004 et 2005; ou encore "Vienne 1900: Klimt, Schiele, Moser, Kokoschka", au Grand Palais à Paris en 2005, "L'art de Monet et sa postérité" en 2007 à Tokyo.
Serge Lemoine a publié de très nombreux articles et ouvrages dédiés à l'histoire de l'art de la fin du XIXe et du XXe siècle, ainsi qu'à l'art contemporain.

L'art moderne et contemporain

Phillip King

Julio Le Parc

Le catalogue De Puvis de Chavannes à Matisse et Picasso, Vers l'art moderne présente une nouvelle histoire de l'art du XXe siècle, directement liée à celle de la fin du siècle précédent, ni en rupture avec cette période, ni découlant de l'impressionnisme et de Cézanne. Elle remet au premier plan l'art d'un peintre français, Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) qui a, dans ses peintures murales comme dans ses tableaux de chevalet, inventé un style plastique et poétique totalement nouveau et en même temps fondé sur la tradition. Ses compositions comme L'Espérance, Les Jeunes Filles au bord de la mer, Le Pauvre Pêcheur, ses décorations de la Sorbonne et du Panthéon à Paris, celles du musée de Lyon ont influencé profondément tous ses contemporains et les générations d'artistes qui ont suivi, au premier rang desquels se trouvent Georges Seurat, Paul Gauguin et même Paul Cézanne pour la série des Baigneuses. En même temps, la plupart des peintres symbolistes en Europe, de Munch à Hodler, lui sont redevables de leur art, comme ensuite les nabis, Bonnard, Vuillard, Vallotton et le sculpteur Maillol, Au XXe siècle, ses plus prestigieux disciples se nomment Matisse et Picasso, qui lui resteront fidèles toute leur vie. Des études par les meilleurs spécialistes actuels font le point sur l'art de Pierre Puvis de Chavannes et sur toutes ces filiations, dans un catalogue largement illustré et comportant une très importante documentation sur les quatre-vingt-neuf artistes représentés dans cette exposition.

De Puvis de Chavannes à Matisse et Picasso Vers l'art moderne

La chapelle de Frank Stella est une oeuvre d’art totale, confondant architecture, formes, sculptures et lieu de méditation. Invité par Bernar Venet dans sa Fondation, Frank Stella met en oeuvre sa première réalisation architecturale destinée à présenter en plein air les six reliefs de sa série Near East. Par son aspect, sa forme circulaire et ses proportions harmonieuses, ce pavillon évoque les «folies» qui ornaient les parcs au XVIIIe siècle et fait référence à des précédents prestigieux dans l’histoire de l’art contemporain, comme la chapelle Rothko au Texas. Les six sculptures monumentales présentées dans ce livre proviennent de la série Near East (1991) et sont considérées comme une création majeure de l’artiste. Ces hauts reliefs ont une charge évocatrice et une force considérables, entraînant le spectateur dans l’univers du tragique, au-delà de la fouille archéologique, celui des éléments ensevelis ou fondus : Tchernobyl, le World Trade Center.

Frank Stella - Chapel

Victor Vasarely was one of the most celebrated artists of the second half of the 20th century. His rich and varied pictorial oeuvre in the field of geometric abstraction is founded on fine and color, contrast and rhythm. His architectural works, from the Caracas university campus to the building for his Foundation in Aix-en-Provence, are testimony to his desire to integrate art into everyday life and the urban space. His theories on multiples, industrial reproduction and the social mission of art left their mark on his times. His investigation of forms and the experimental aspect of his practice developed into an interest in how the work of art is perceived and vision-related phenomena : this made him one of the leaders of kinetic art, which went on to become one of the most important artistic trends of the 1960s in Europe and in the world. The exhibition at the Musée d'Ixelles (Belgium), in partnership with the Museum Haus Konstruktiv in Zurich (Switzerland) and the EMMA - Espoo Museum of Modern Art (Finland), is the first exhibition in a long time to be exclusively devoted to Vasarely's paintings and highlights the originality of his creation. It comprises more than sixty impressive paintings from 1947 to 1979 which illustrate the two essential components of his oeuvre, his black and white and his color work, and the main compositional groupings and arrangements of forms which he adopted. The visual richness and undeniable beauty of the paintings exhibited reveal what a great painter Vasarely was.

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