Découvrez Le nuage rouge - Essais sur la poétique - édition revue et corrigée, le livre de Yves Bonnefoy

Le nuage rouge - essai sur la poetique

L'heure présente et autres textes

Cet ouvrage réalisé sous le signe de l'amitié du poète et du peintre présente un essai d'yves bonnefoy, une bibliographie de farhad ostovani, et quelques-unes des estampes que celui-ci a conçues pour des livres de poésie.
 Il reprend ainsi et poursuit à nouveau le chemin ancien de 1' ut pictura poesis.  " qu'est-ce qui caractérise les livres de farhad ostovani ? depuis le premier d'entre eux, c'est donc qu'ils font preuve de sa sorte d'écoute des poèmes, très attentive, mais c'est aussi l'approfondissement qu'ils lui ont permis de son propre rapport à soi : tant il est vrai que ce que l'on est ne se découvre jamais si bien que lorsque l'on pense à ce qu'est ou veut être quelqu'un d'autre.
 [. ] je pense à la poésie en sa nature essentielle quand je vois les tableaux d'ostovani.  ".

Farhad Ostovani et le livre

Ce que j'ai voulu et tenté : poser la question de la poésie en témoin de sa propre époque ; analyser pour cela les voies de la création poétique dans de grandes oeuvres du passé - reconnues en leur différence grâce aux travaux historiques - mais en observant aussi et d'abord dans l'être qu'on est les circonstances et les démarches - hésitations, aspirations contradictoires, affirmations de valeurs là même où l'on veut que les faits prévalent - du travail auquel on se voue ; reconnaître ainsi, au point d'origine de l'intuition poétique, la parenté de l'entreprise des peintres, des musiciens, des poètes, cordes, chacun, d'une unique lyre ; et comprendre, au terme s'il en est un de l'enquête, la nature et le rôle de cette " fonction poétique " dont on voit bien qu'elle procure parfois assez de sens à la vie pour que celle-ci continue, malgré le peu de réponse qu'elle sait qu'elle doit attendre du lieu naturel renoncé dès l'institution du langage.
 Un grand projet ! mais si vaste, autant qu'ambitieux, qu'il en devenait raisonnable.  d'évidence, en effet, il ne pouvait s'agir sur un tel chantier que de relevés préliminaires.  [. ] il y a des esprits qui misent sur le langage, mais il en est d'autres qui sont sensibles d'emblée aux insuffisances et aux leurres de ce langage qu'ils n'en aiment pas moins pourtant - étant peut-être même de ceux qui l'affectionnent le plus, présence blessée, précaire.
 Et pour ma part je crois que c'est seulement quand on s'attache à lui, et à sa parole, de cette seconde façon, avec soupçon, sentiment de l'exil au sein des mots, et donc nostalgie, élan de tout l'être, exigence, que l'on accède à un sentiment de la finitude qui ouvre - et c'est alors la poésie même - à la mémoire de l'immédiat et à l'expérience de l'unité.  y.  b.

La librairie du xxie siecle lieux et destins de l'image - un cours de poetique au college de france

La contemplation du Carton de Londres de Léonard de Vinci, La Vierge et l'Enfant avec saint Jean-Baptiste et sainte Anne, incite l'analyste à rechercher ses effets inducteurs sur les fantasmes inconscients de qui le regarde. D'une exceptionnelle beauté, l'ouvre rappelle irrésistiblement La Vierge, sainte Anne et l'Enfant du Louvre, sujet de la célèbre étude de Freud, Un souvenir d'enfance de Léonard de Vinci. Ce fusain, qui ne donnera jamais naissance à une ouvre peinte, comporte des traces significatives d'inachèvement. A ce titre, il aurait dû retenir l'attention de Freud qui se proposait précisément d'éclairer les raisons des inhibitions tant artistiques que sexuelles de Léonard. Or l'examen du Carton sans postérité permet de penser que l'inhibition, en ce cas, s'expliquerait parce que l'ouvre en dirait trop sur les structures subjectives et, tout particulièrement, sexuelles, du peintre. Le Carton illustre ce que Freud expose sur les théories sexuelles infantiles ; le regard d'André Green restitue ici au fusain toute sa valeur esthétique et sa force symbolique. Freud est passé à côté de ce qui aurait pu servir sa démonstration, tandis qu'il devait gravement se compromettre par des erreurs incompréhensibles. Ainsi Léonard, en abandonnant le Carton inachevé, laisse penser qu'il a pu le désavouer ; et Freud, en se trompant sur le souvenir, donne à ceux qu'il veut convaincre des raisons de discréditer ses thèses sur Léonard et, par extension, de désavouer la psychanalyse. Tel est le risque pris par tous ceux qui approchent de trop près une vérité qui ne peut, même affirmée, qu'être suggérée : celui qui réussit à son insu à la représenter trop clairement se détourne de ce qu'il pressent avoir dévoilé, qui aurait dû rester recouvert, et celui qui, l'ayant découverte en pensée, la rencontre figurée, recule devant sa matérialisation comme devant une « réalisation hallucinatoire du désir », trop belle pour être crue.

Révélations de l'inachèvement - À propos du Carton de Londres de Léonard de Vinci

Des dessins, ces oeuvres de Magnelli : ce que produit une main tenant une plume pour donner
forme à un tracé peut-être déjà un peu pressenti. Et ce sont alors des figures qui ne prétendent
pas tout absorber des êtres ou des choses qu’elles évoquent, comme pourrait le vouloir un peintre,  pensons à van Eyck, à Vermeer, du temps que ce projet semblait avoir quelque sens, mais laissent volontairement bien visible, sur la page où elles paraissent, qu’il y a un dehors, un en plus de ce qu’elles disent, et cela au sein même de cette blancheur du papier qui ne cesse pas d’émettre son inquiétante lumière. Mais dessiner, pour autant, ce n’est pas dire moins que ce qui est, c’est dire ou vouloir dire autre chose. Par exemple : Je trace un cercle, rien de plus. Et ce blanc qui est au dehors du cercle et revient vers moi par son dedans, c’est tout de suite la réponse à une question qu’a posée mon tracé, sans que je m’en rende compte. Je suis, disait ma main dessinante, j’ai être. Et que dit la page, de par son fond, qui résiste : oui, mais il y a du non-être. Le moindre trait est une épiphanie que le fond dont il se détache met en question, obligeant qui dessine à avoir confiance, ou désespérer. Le dessin ouvre ainsi à la grande question, celle qui attend de nous la décision la plus radicale. Est-ce ce dilemme qu’a Magnelli en esprit quand il dessine ces « pierres » ? Oui, et même il s’apprête déjà à y faire face. Car, de façon irrépressible, on le voit bien, il fait de son trait d’encre moins une simple forme qu’une construction de volumes, avec suggestion de leur épaisseur, de leur profondeur, et même des ombres. Ce qu’il dessine, ce sont des sortes de blocs, et le dehors du tracé, dans cet espace, ce n’est pas la blancheur de la feuille mais le dedans de ces blocs, non la pensée du non-être mais celle d’une matière. Magnelli oppose l’idée d’un monde au vide vertigineux de la page blanche…

Pierres - Alberto Magnelli

Voici les monuments d'un art méconnu.
Autant les peintures romanes sont fameuses, autant celles qui leur ont succédé sur les murs de nos églises sont demeurées dans l'oubli. C'est qu'elles souffrent d'un jugement qui est vrai peut-être, au moins qu'on a répété. Au XIIIe siècle, a-t-on dit, la peinture murale est tombée en décadence. L'étroitesse des parois que lui réserve l'édifice gothique, les prestiges du vitrail qui parvient à mêler couleur et lumière, ont affaibli cet art si considérable jadis.
Où de grands cycles, responsables du dogme, se déroulaient sur les berceaux lisses et le nu des murs, la trouée des verrières et le réseau des arcs et des nerfs ne permettent plus désormais que des compositions très petites, ou le jeu simple de l'ornement. Terrible jugement, qui prive un art de la grandeur de son siècle. Car il conclut aussitôt de la diminution des moyens à la véritable décadence, celle qui s'établit dans le style.
Comme si la liberté ou la force n'étaient pas séparables de la fonction, il les refuse à la nouvelle peinture, que l'église gothique a privée d'une vraie fonction. Elle n'est plus seulement un art négligé, elle devient un art mineur. Elle n'est pas seulement chassée de l'église. Imitant tour à tour la sculpture ou la miniature, la tapisserie, le vitrail, elle apparaît soumise dans son propre domaine aux lois plus fortes des autres arts.

Peintures murales de la france gothique

Cette centaine de vers écrits d’un seul élan, en 1964, Yves Bonnefoy y revenait souvent, à travers les années, car ils étaient pour lui une énigme. Par exemple, "L’écharpe rouge" exposait, non sans précision, une "idée de récit". Mais pourquoi celle-ci venait-elle buter sur un événement au-delà duquel rien n’était plus concevable ? Un jour pourtant, dans l’après-coup d’un autre récit, de beaucoup plus tard, "Deux scènes", l’auteur étonné de "L’écharpe rouge" découvrit la clef qui lui permit de comprendre ce qui réclamait l’attention mais aussi se refusait dans ces quelques pages : autrement dit quelles inquiétudes, quelles émotions, quels remords avaient décidé, très en profondeur, de ses années d’enfance, d’adolescence, de jeune adulte.L’écrit d’à présent, autobiographique, découvre dans les strates d’un texte qu’avait dicté l’inconscient comment le regard d’un fils sur ses parents, sur leurs frustrations, leurs silences, décida de sa vocation à la poésie, cette parole qui se veut la réparation du mal que fait à la vie le langage.

L'écharpe rouge / Deux scènes et notes jointes (COLLECTION FOLIO)

«Je dédie ce livre à l'improbable, c'est-à-dire à ce qui est.À un esprit de veille. Aux théologies négatives. À une poésie désirée, de pluies, d'attente et de vent.À un grand réalisme, qui aggrave au lieu de résoudre, qui désigne l'obscur, qui tienne les clartés pour nuées toujours déchirables. Qui ait souci d'une haute et impraticable clarté.»Yves Bonnefoy.

Le nuage rouge - essai sur la poetique

Résumé

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