Questions de goût

Anachronique, hors mode, la très riche oeuvre de Daniel Hourdé, polymorphe et polysémique, tout à la fois tragique et ludique, s'inscrit éthiquement dans le lignage du christianisme, et formellement dans celui du maniérisme.
Dessins, installations, sculptures : l'oeuvre est multiple, mais c'est sans nul doute la sculpture qui se situe au coeur de son travail.
 
Géants sublimes dont les corps athlétiques et nerveux évoquent la tradition des « écorchés », motifs récurrents de la Croix et de la couronne d'épines, de la Chute et de la Rédemption, squelettes, tout semble inviter à une méditation sur la Vanité du monde.
 
Pourtant, cette mélancolie qui irrigue l'oeuvre se voit sans cesse remise en cause par l'insertion de motifs ludiques, de titres drolatiques et d'emprunts à la culture Pop.
L'orange, couleur fétiche de l'artiste, dynamise une oeuvre complexe qui célèbre tout à la fois le tragique et la farce, l'effondrement et le rire.
 
Et, comme l'art et la vie ne font qu'un chez Daniel Hourdé, c'est dans un vaste atelier éminemment théâtral, tout à la fois cabinet de curiosités, cocon, lieu magique et mortifère, palais baroque, bunker - que vit et oeuvre l'artiste, tel le dandy de Huysmans.
« Ma maison, c'est un peu mon laboratoire intime où je garde, un peu prisonniers c'est vrai, tous les égarements de mon imagination ».

Daniel Hourde

Il est des artistes dont l'oeuvre, au-delà de ses multiples variations, est indissociable d'un matériau de prédilection. Le ciment sera la marque de fabrique et, bien plus encore, "l'amour" de la sculptrice Claude de Soria. Ne dit-elle pas "Je suis ciment". A partir de 1968, et sa rencontre avec l'oeuvre de Simon Hantaï, elle rejettera avec force toute figuration pour se consacrer à l'abstraction pure de formes intemporelles. L'artiste après avoir expérimenter la terre et le plomb qui suscite chez elle des mots aussi forts que "dégoût ou nausée" pense tout abandonner. C'est le hasard qui présida à la découverte du ciment et à son appropriation par de Soria. Le ciment qui contribue largement à la radicalité de l'oeuvre. Que des formes simples, élémentaires originelles même, sans aucune adjonction superfétatoire : cercle, boule, rectangle, tige.

Claude de Soria

On reconnaît immédiatement une photographie d'Helmut Newton. Comme s'il avait inventé un monde, le sien, à nul autre pareil, et une écriture photographique singulière, totalement maîtrisée, apollinienne, presque froide. Et, de Newton, l'imaginaire collectif a retenu une iconographie triomphante, solaire, faite de femmes en gloire, athlétiques, puissantes et désirantes, d'un érotisme glacé, de piscines californiennes à la David Hockney, de palaces fastueux, de fourrures et de bijoux. Bref, le monde des riches. Mais on sait moins le versant obscur, dionysiaque de l'oeuvre : la satire des riches et des puissants, l'élaboration d'un érotisme des ténèbres, où se jouent rituels SM, minerves, prothèses, enserrements du corps, et qui ouvre l'apollinisme apparent des images à la blessure dionysiaque. Jusqu'à la mise en scène des " doubles " à l'inquiétante étrangeté freudienne, des " écorchés ", des vrais-faux cadavres, des meurtres. Jusqu'à la cruelle lucidité, enfin, de son regard sur le vieillissement des corps - y compris le sien, qui fut confronté à la maladie. Surtout, et d'autant plus qu'il en a très peu parlé et s'est toujours refusé à en faire son fonds de commerce, on ignore que le jeune Helmut est d'abord un Juif berlinois rescapé de l'extermination nazie, dont la vie a sans cesse rejoué la figure mythique du Juif errant et qui trouva dans Paris, sa ville d'élection, le lieu où s'enraciner enfin, après Singapour, l'Australie, Londres et Los Angeles. Et c'est précisément à l'aune de cette judéité, jamais revendiquée comme telle mais douloureuse, que l'auteur a voulu réexaminer le corpus newtonien : en témoignent ces corps de femmes puissantes qui s'avèrent la réplique du corps aryen glorifié par le nazisme, le fétichisme des uniformes, du cuir et des casques, la présence obsédante des chiens, ou encore les portraits de Léni Riefensthal, l'égérie du Troisième Reich. Mais, de ce désastre " germanique ", Newton n'aura jamais fait la plainte amère ou rageuse : il a choisi, tout au contraire, de le magnifier. Premier essai consacré à l'oeuvre du photographe Helmut Newton.

Helmut Newton - Magnifier le désastre

Parmi les photographes de l'entre-deux-guerres, Maurice Tabard occupe une place singulière. Théoricien, auteur de nombreux écrits où s'élabore une réflexion sur l'histoire de l'art, la philosophie des sciences - et notamment des mathématiques -, il demeure avant tout un « curieux », au sens classique du terme. En marge des dogmes et des mouvements constitués, Tabard est pourtant proche du Bauhaus, par son désir d'élaborer une pédagogie de l'art, et de rassembler autour de l'image une communauté de théoriciens et de plasticiens. Il a également des affinités avec le surréalisme. Mais ce qui fait aussi sa force, c'est sa conscience aiguë de la spécificité de l'ouvre photographique. Maurice Tabard prône une esthétique de la rigueur et de la lucidité : il refuse l'arbitraire et le spontanéisme, sans exclure toutefois le jeu et l'innovation. Tabard est ce photographe qui, dans les années trente, sut déjouer toute systématicité, cet insatiable expérimentateur d'images capable de conjoindre le plaisir du dilettantisme et la maîtrise du métier. Un esprit libre.

Maurice Tabard

En résonance avec La nature au galop, le thème choisi par Hermès en 2016, Actes Sud et Hermès publient un album consacré à l’œuvre de Robert Dallet (1923-2006).Peintre et illustrateur, Robert Dallet a dédié sa vie entière à l’étude et à la représentation de la faune sauvage et fut par-dessus tout fasciné par la beauté des félins.En présentant une sélection d’images inédites (aquarelles et croquis au fusain et crayon), cet ouvrage rend hommage au talent et à la sensibilité du naturaliste et peintre animalier avec lequel la maison Hermès a noué un lien profond. Ce témoignage, empreint d’une profonde empathie, constitue sans conteste un acte de résistance contre la disparition d’un monde menacé dans son admirable richesse et sa diversité.Le professeur Alan Rabinowitz, directeur de la Fondation Panthera aux États-Unis, jette sur l’œuvre de Robert Dallet le regard savant du zoologiste, tandis que Dominique Baqué, philosophe, spécialiste de l’esthétique et professeur à l’Université Paris VIII, interroge sa place dans l’histoire de la peinture animalière occidentale. Enfin, l’écrivaine Nadine Coleno évoque la rencontre et la collaboration entre l’artiste et Hermès, qui a donné lieu à la réalisation d’une vingtaine de carrés de soie.Ce livre accompagne l’exposition Féroces et fragiles, les félins dans l’œuvre de Robert Dallet produite par Hermès en collaboration avec la fondation Panthera et présentée pour la première fois du 10 janvier au 13 mars 2016, au Bruce Museum de Greenwich Connecticut, aux États-Unis, puis à Paris, Munich, Shanghai, Hong Kong et Bombay.

Féroces et fragiles: Les félins dans l'œuvre de Robert Dallet

Marcher, errer, dériver, s'expatrier mais aussi rêver, apprivoiser, rencontrer : point d'ici qui ne soit immédiatement hanté par l'ailleurs, et point d'ailleurs qui ne croise la question de l'altérité, - l'histoire de notre contemporanéité pouvant se lire, depuis la figure transhistorique du Juif errant, comme une difficile et féconde dialectique entre le Même et l'Autre. Que l'autre soit trop proche, et ce sont les mirages de la fusion qui menacent l'identité du sujet ; mais qu'il soit trop loin, et il se voit alors perçu comme altérité radicale, comme menace. C'est pourquoi l'on a souhaité rendre hommage aux penseurs et aux artistes de l'ailleurs, à ceux qui, respectant la juste distance, surent aussi respecter l'humanité de l'autre. Voyageurs, explorateurs, colonisateurs, hommes d'errance et femmes de déshérence, sans-papiers, sans emploi, SDF : parce qu'il appelle une polyphonie de figures, l'ailleurs suscite aussi une pluralité des discours et des approches : ainsi c'est à effectuer des traversées dans les époques - XIXe siècle, entre-deux-guerres,
années soixante, extrême contemporain -, dans les champs du savoir et les différents médias que l'auteure s'est plue à convier le lecteur : arts plastiques, photographie et cinéma, mais aussi anthropologie, philosophie, littérature ont ici été mobilisés, de même que parole a été donnée à des individus singuliers.

Histoires d'ailleurs - Artistes et penseurs de l'itinérance

Plus théorique, ayant valeur d'introduction aux quatre autres livres, le premier volume esquisse des histoires possibles de la photographie. Des historiens mettent en lumière des notions essentielles : Clément Chéroux, conservateur pour la photographie au Centre Pompidou, revient sur la photographie "vernaculaire" (la photographie amateur ou utilitaire) et son influence sur la création artistique, tandis que l'universitaire Michel Poivert insiste sur la "théâtralité", qu'il estime refoulée par une histoire de la photographie qui a toujours privilégié le modèle de la peinture. Aux historiens et critiques répondent les artistes. Les Canadiens Jeff Wall et Roy Arden échangent ainsi sur leurs admirations photographiques. Les préoccupations et les approches sont bien différentes de celles des historiens et des critiques. Elles sont parfois contradictoires, comme le montre une récente et polémique conversation entre Jan Dibbets, grande figure du photoconceptualisme, et Michel Poivert, à l'occasion de l'exposition la Boîte de Pandore au musée d'art moderne de la Ville de Paris.

La photographie - Tome 1, Des histoires

Si La Photographie plasticienne. Un art paradoxal se proposait d'examiner les conditions de possibilité de " l'entrée en art " de la photographie, autour des années soixante-dix, et constituait le medium photographique comme l'un des plus puissants opérateurs de déconstruction du modernisme, Photographie plasticienne, l'extrême contemporain se donne pour enjeu l'examen attentif des différents pôles photographiques, souvent contradictoires, de ce qui serait " l'après post-modernisme ", emblématisé par les années quatre-vingt-dix : les tropes du banal et de l'intime, la photographie érudite ; l'esthétique de l'idiotie, le sérieux de l'objectivisme issu de l'école de Düsseldorf ; les fictions prométhéennes du post-human, le renouveau de plus en plus affirmé d'une photographie documentaire qui ne doit plus rien à un photojournalisme frappé d'obsolescence, mais peut a contrario se comprendre en écho aux stratégies iconiques du retrait ". Dans un champ photographique éclaté, qu'il serait illusoire de vouloir unifier au détriment des différences et des fractures, l'auteure a conjointement mis en exergue les questionnements propres à l'extrême contemporain : soit l'impossibilité du paysage et la crise de l'urbanité, l'émergence de " non-lieux " et la tentative pour inventer des lieux où vivre, d'une part ; l'inquiétude du sujet vis-à-vis de lui-même, d'autre part, comme si le portrait, loin d'être une évidence, achoppait sur une identité toujours plus précaire, qui fut déjà soumise à l'implacable déconstruction structuraliste du sujet. Au terme du parcours, c'est à une lecture subjective - et revendiquée comme telle - des oeuvres que le lecteur sera convié : constituer l'admiration comme passion joyeuse, active, nietzschéenne enfin.

Questions de goût

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