Cette étude reconstitue le «modèle musical» des principaux écrivains et philosophes mélomanes européens depuis le xviie siècle. Elle met également en lumière la rémanence d'un schème qui parcourt tout l'imaginaire européen: la succession d'un âge d'or, d'une décadence, et d'une régénération.

Age d'or, décadence, régénération - Modèle fondateur pour l'imaginaire musical européen

L'objet de ce livre original en tout point est de traiter en même temps de Giuseppe Verdi et de Richard Wagner, à l'occasion du bicentenaire de leurs naissances, d'étudier le devenir de cette comparaison, l'une des plus décisives pour l'imaginaire de l'opéra, et la culture européenne dans son ensemble. Il s'agit ainsi de dégager les principaux stéréotypes et lieux communs, les principales valeurs et contre-valeurs qui, dans les discours et la mémoire collective, se sont peu à peu imposés sur leur compte.

Verdi-Wagner ; imaginaire de l'opéra et identités nationales

Bien qu'ils soient d'usage courant, les termes artifice et artificiel ont un sens peu précis en général, et dans les lettres et les arts en particulier. C'est à ces notions qui semblent aller de soi mais qui prennent des significations multiples et des formes plurielles que l'axe transversal « littérature et arts » du CELLAM (Centre d'études des langues et littératures anciennes et modernes de l'université Rennes 2) a consacré son premier programme de recherche. Les études, qui couvrent une longue période (de la Grèce antique à nos jours) et concernent divers genres littéraires (récit, théâtre, poésie, essai, portrait, mémoires, roman, critique d'art), de nombreux arts (peinture, opéra, danse, musique, photographie, cinéma) et des domaines variés (rhétorique, esthétique, technologie, tactique militaire, pornographie), abordent l'artifice selon quatre questions. La première est celle des origines : pour expliquer l'artifice à sa naissance, on a imaginé des fables ; mais les fonctions qu'elles remplissent ont été mises en cause, en particulier quand elles traitent du corps à une époque récente. La deuxième concerne la relation dialectique que l'artifice entretient avec la nature : s'instaurant en contre-nature, ce dernier détermine une seconde nature, qui fonde l'Homme dans son environnement. L'usage de l'artifice dans les arts, quels qu'ils soient, pose la question de la spécificité des beaux-arts non seulement en bousculant les classements et les systèmes, mais encore en obligeant à prendre en considération la techné. De ce troisième volet découle le dernier : envisager l'artifice dans les arts et les lettres conduit à déplacer son attention vers ce qui relève en eux de la fabrication. Or il est patent que d'un art à l'autre, ou d'un art aux lettres, les artifices circulent et que leur usage constitue un sujet que la littérature traite depuis longtemps. C'est donc à une meilleure compréhension lexicologique, axiologique et généalogique de la notion d'artifice que ce volume souhaite apporter sa contribution.

L'artifice dans les lettres et les arts

Benoit Jacquot est le grand homme discret du cinéma français. Après avoir travaillé avec Marguerite Duras, cet héritier de la Nouvelle Vague commence à tourner en 1975, avant d'enchaîner des films jugés parfois austères, mais tout de suite fortement soutenus par la critique (Les Ailes de la colombe, 1981, Les Mendiants, 1988) ; il rencontre un peu plus tard le succès public avec des films aux séductions plus immédiates : La Désenchantée (1990), La Fille seule (1995). Sa production se signale par une grande diversité : documentaires, longs métrages de fiction, films " de théâtre ". film " d'opéra ", téléfilms. Mais à travers cette diversité, on perçoit vite que ce travail est centré sur certains seuils ou intersections fascinants de l'expérience humaine : la naissance de l'amour, les jeux du langage, la vérité des rencontres, le déclin des sentiments. Le département des lettres de l'Université Rennes 2 lui a consacré une rétrospective et des rencontres à l'automne 2006. Les entretiens enregistrés ont été complétés d'une discussion sur un beau film étrange, que nous publions dans ce livre : Les Mendiants (1988).

Détours et métissages : le cinéma de Benoît Jacquot

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale: il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage  les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

La valeur de l'émotion musicale

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale : il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

Quelles sont les principales théories et conceptions de la critique musicale au xxe siècle ? Quels sont ses acteurs types et quels genres et formes pratiquent-ils ? Enfin : quelles sont les spécificités propres à tel pays et telle aire culturelle considérés ? Cet ouvrage se veut la première synthèse d'envergure consacrée aux principaux aspects de la critique musicale au xxe siècle – époque qui voit la musique entrer dans un processus de mondialisation mais aussi son unité remise en question, tout en reflétant les évolutions socioéconomiques et les fluctuations idéologiques et politiques du temps. La multiplicité des visages que revêt la musique – classique, jazz, rock, chanson, musiques actuelles –, de même que les formes diverses que prend la critique musicale spécialisée ou généraliste dans les espaces francophone, anglophone, germanophone, italien, hispanophone ou lusophone, jusqu'à sa dématérialisation avec l'essor des nouvelles technologies, sont examinés en détail.

La critique musicale au XXe siècle

Que peut le théâtre ? Qu'est-ce que l'individu et la communauté sont en droit d'en attendre ? Rien moins que sauver des êtres, des âmes, des vies, répond, au-delà de tout prosélytisme, l'actuel directeur du Festival d'Avignon, le dramaturge et metteur en scène Olivier Py. Cet essai, à la fois biographique et analytique, se propose donc de voir comment le théâtre, au sens le plus extensif que peut prendre ce terme - une façon d'être au monde répondant à une manière d'être du monde lui-même -, a pu cirer le poète d'une angoisse mortifère procurée par le spectre de l'insignifiance en lui donnant un destin ; et comment il peut à son tour l'offrir comme viatique aux hommes et femmes d'aujourd'hui, confrontés à une spectaculaire absence de sens qui semble avoir pris des traits d'apocalypse. Ce dont il retourne alors n'est pas tout à fait une religion, encore moins une politique - tout en ayant éminemment à voir avec elles -, il s'agit plutôt d'une éthique de vie tout entière consacrée à la scène et à l'art, fondée sur l'éblouissement esthétique et les assurances qu'il donne, et mise en oeuvre au moyen d'une poétique faisant du théâtre total, somme et synthèse de tous les théâtres, un rempart contre le sentiment de déréliction - au risque assumé de la démesure.

Olivier Py, planches de salut

Depuis Charles Baudelaire, qui lui écrit : "Je vous dois la plus grande jouissance musicale que j'aie jamais éprouvée", jusqu'à Pascal Quignard, qui avance que "la cour du tribunal de Nuremberg aurait dû demander de faire battre en effigie la figure de Richard Wagner, une fois l'an, dans toutes les rues des cités allemandes", aucun compositeur n'a suscité autant d'engouements ni autant de réticences que celui de L'Anneau du Nibelung, de Tristan et Isolde ou de ParsifaL Aucun, non plus, n'a exercé une telle influence, ni été à l'origine de tels accaparements - au point que son nom ait été dérivé en mouvement, le "wagnérisme", qui rend compte à la fois de la somme des propositions formulées par lui dans les domaines les plus divers, mais aussi, via la réussite éclatante de son oeuvre, des échos multiples que son nom et ses créations ont pu provoquer à travers le monde entier. Montrer à quel point, pour reprendre le mot visionnaire de Nietzsche, "Wagner résume à lui seul la modernité", tant dans ses composantes les plus légères que dans ses manifestations les plus graves, tel est le projet de ce Dictionnaire encyclopédique Wagner, dans lequel les auteurs ont également souhaité, autant que possible, mettre en oeuvre le précepte de Thomas Mann : "La passion est lucide ou, sinon, ne mérite pas son nom." Cet ouvrage, d'une ampleur et d'une ambition inédites, réunit une trentaine des meilleurs spécialistes de Wagner et du wagnérisme, et présente l'homme, l'oeuvre et sa postérité en quelque mille quatre cents entrées.

Age d'or, décadence, régénération - Modèle fondateur pour l'imaginaire musical européen

Résumé

Plus de livres de Timothée Picard

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques