christoph willibald gluck (1714-1787) est l'un des plus grands compositeurs d'opéra de l'histoire de la musique, auteur, notamment, d'orphée et eurydice, d'alceste ou d'iphigénie en tauride.
 il reste cependant peu et mal connu.  avec cet essai, timothée picard apporte un nouvel éclairage passionnant sur l'opéra du xviiie siècle, son esthétique et sa destinée.  il vise deux buts principaux : d'une part tenter de montrer en quoi gluck est un "cas" particulièrement stimulant à travers lequel peuvent se lire et se comprendre la plupart des fantasmes et des querelles qui, à partir de l'art lyrique, ont façonné le visage artistique et culturel de l'europe ; d'autre part essayer d'analyser pourquoi le compositeur, victime de préjugés plus ou moins justifiés, ne possède pas, dans le grand répertoire, la place qui lui est due.

Gluck

L'enjeu du présent ouvrage est d'interroger les modalités d'articulation entre opéra et fantastique en diversifiant les modes d'approche de ce « monde à part » où la réalité semble être remise en question. Diverses contributions cherchent à dévoiler ce que le fantastique vient prendre en charge à l'opéra ou, inversement, ce que l'opéra en soi exprime ou fait valoir de fantastique. Puis un large panorama permet d'explorer les répertoires allemand, français, russe, américain, italien, anglais, aux XIXe et XXe siècles. Enfin, plusieurs contributions visent à élargir le propos à l'imaginaire lyrique en général, qu'il soit le fait de la littérature, de la peinture ou du cinéma. Des entretiens avec le compositeur Georges Aperghis et les metteurs en scène Daniel Dupont et Olivier Py complètent ce volume issu d'un colloque international et interdisciplinaire organisé en partenariat entre l'Opéra de Rennes et l'université Rennes 2.

Opéra et fantastique

Cinéaste, scénariste, écrivain pour les adultes et pour les enfants, auteur dramatique et metteur en scène, Christophe Honoré s'est inscrit dans le paysage culturel français à travers des modes d'intervention très divers qui n'ont pas empêché la singularité d'un regard de s'imposer. Au contraire il semble que, chez lui, la combinaison et le croisement soient à la source même d'une certaine façon de dire et de regarder le monde. A travers une rétrospective de ses films, des rencontres avec l'artiste et ses partenaires (Alex Beaupain, Diastème, Louis Garrel, Ludivine Sagnier, Gilles Taurand), mais aussi un colloque universitaire et un concert, la première édition des Transversales cinématographiques (Rennes 2011) s'est bâtie autour du travail de Christophe Honoré. Construit en champ - contrechamp, le présent livre fait trace de ces rencontres : dans un premier temps et de l'extérieur des chercheurs interrogent, dans une perspective pluridisciplinaire, cette oeuvre polymorphe. A cette approche scientifique répondent les échanges avec l'artiste et ses collaborateurs formulant, de l'intérieur, une interprétation polyphonique de l'oeuvre. A la frontière entre ces deux ensembles, Christophe Honoré présente une série de 8 polaroïds intitulée :Les écrivains.

Christophe Honoré : le cinéma nous inachève

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale : il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

La valeur de l'émotion musicale

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale: il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage  les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

A la fin du XIXe siècle, Thomas Edison prophétisait au sujet de son kinetograph : " Je crois que, dans les années à venir, des opéras pourront être donnés au Metropolitan de New York sans qu'ils diffèrent en rien de l'original, mais avec des artistes et des musiciens morts depuis longtemps. " Plus d'un siècle après, on peut s'amuser de l'approximation et de la pertinence de tels propos, alors que les représentations d'opéra les plus prestigieuses sont retransmises en direct dans les salles de cinéma du monde entier. Aujourd'hui, le cinéma reste aussi inséparable de l'opéra qu'il l'était à ses débuts, à travers des relations institutionnelles, techniques, esthétiques, génériques, formelles et humaines multiples. L'étude de ces interactions, qui se répètent et se réinventent constamment, est l'objet de ce livre, divisé en cinq parties : " Espaces de transition entre opéra et cinéma, des pionniers à l'époque du muet ", " L'opéra sous l'influence du cinéma ", " Filmer, capter et montrer l'opéra ", " La question de l'opératique au cinéma ", et " Interactions multiples et multiformes ". Les contributions sont complétées d'entretiens avec la compositrice Michèle Reverdy et les réalisateurs Philippe Béziat, Benoît Jacquot, Jacques Martineau et Olivier Simonnet.

Opéra et cinéma

Fruit d'un colloque organisé en 2013 à l'occasion des célébrations du bicentenaire de la naissance de Giuseppe Verdi et Richard Wagner, ce livre se fonde sur une approche résolument interdisciplinaire développée au sein de trois équipes de recherche de l'université Rennes 2. Il propose une étude comparée des deux compositeurs à partir de différentes approches, qui se veulent complémentaires, et à partir de corpus divers. La démarche adoptée tout au long de ce volume fortement articulé permet de suivre les strates culturelles, intellectuelles et artistiques d'un triple croisement : premièrement, celui de deux créateurs, de leurs deux productions lyriques et, plus globalement, des deux univers qu'ils ont engendrés ; deuxièmement, celui des formes d'expression, puisque l'on basculera de l'opéra à la littérature, au cinéma et à la bande dessinée ; troisièmement, celui des points de vue : dramaturgie, interprétation, programmation, réception et postérité. Apparaît ainsi, d'une contribution à une autre, la façon dont l'opposition, supposée ou réelle, entre Verdi et Wagner a été utilisée ou instrumentalisée - du milieu du XIXe siècle jusqu'à nos jours - pour légitimer des choix esthétiques ou des discours de diverses natures, dans des contextes historiques et géographiques variés. L'étude du couple Verdi Wagner témoigne de l'incroyable capacité de l'opéra à sortir de son seul domaine pour infiltrer le monde des arts et participer de la vie des idées.

Verdi/Wagner : images croisées (1813-2013) - Musique, histoire des idées, littérature et arts

Cette étude reconstitue le «modèle musical» des principaux écrivains et philosophes mélomanes européens depuis le xviie siècle. Elle met également en lumière la rémanence d'un schème qui parcourt tout l'imaginaire européen: la succession d'un âge d'or, d'une décadence, et d'une régénération.

Age d'or, décadence, régénération - Modèle fondateur pour l'imaginaire musical européen

Wagner a fasciné pour sa théorie et sa pratique de la totalité : totalité des arts, totalité esthétique et politique, totalité métaphysique. " Fasciné " parce qu'il s'agit là d'une subjugation que l'on a considérée comme dangereuse sans pour autant parvenir à s'en soustraire. Ce que le désir de totalité peut receler de grandiose et de trouble à la fois, Wagner et le wagnérisme l'auraient en effet illustré de façon hyperbolique. Cette étude,
complémentaire de l'ouvrage Wagner, une question européenne (également paru aux Presses Universitaires de Rennes), répond à une triple visée : tout d'abord traiter des problèmes théoriques et pratiques soulevés par la question de l'œuvre d'art mixte depuis la naissance de l'opéra jusqu'à la création contemporaine ; montrer ensuite comment ce fantasme de l'Œuvre absolu, loin d'accomplir l'unité organique de l'art, s'est transformé au contraire en hantise européenne de la dégénérescence, enfin, elle tente plus largement
d'appréhender l'image d'une Europe qui, dans ses œuvres littéraires et artistiques, ne cesse de dénoncer et de désirer l'Œuvre-somme. Dès lors,
il s'agira de comprendre comment la littérature a dressé le procès de la totalité et comment, même sous sa forme ironique, celui-ci prend les accents d'un deuil douloureux.

L'art total - Grandeur et misère d'une utopie (autour de Wagner)

L'opéra, fait de civilisation majeur dans nos sociétés, est étudié à travers le prisme de ce que Walter Benjamin a appelé l'« un des grands romans sur le xixe siècle » : Le Fantôme de l'Opéra de Gaston Leroux. De multiples adaptations cinématographiques mêlent grandioses réalisations de studios (Universal, Hammer) et films d'auteur cultes (Brian de Palma, Dario Argento), au risque du kitsch. La comédie musicale d'Andrew Lloyd Webber pulvérise tous les records d'audience et de longévité, parachevant un mythe.
 Quelles conceptions de l'opéra se fait-on et quelles représentations en donne-t-on quand on passe du roman à son illustration, du cinéma à la comédie musicale et du ballet à la fan fiction ? Mais aussi du grand répertoire lyrique au rock ou au heavy metal, de la féerie à l'horreur, des adultes aux adolescents, des hommes aux femmes, d'un siècle à l'autre ? Ou encore de la France aux États-Unis et à la Chine, et de la Grande-Bretagne à l'Italie et à l'Amérique du Sud ? Cet essai interroge le devenir du divertissement en Occident, de l'essor du spectaculaire romantique au triomphe de l'industrie culturelle mondialisée. Il montre que si l'opéra comme genre et pratique semble s'effacer peu à peu, son esprit perdure sous d'autres formes et par d'autres moyens : l'opéra et ses succédanés prennent en charge des aspirations dont l'homme ne peut se passer et dont eux seuls ont la clef.
Plus largement, cet ouvrage s'attache à ce que Nietzsche a nommé la « civilisation de l'opéra » et dont le Palais Garnier, quintessence de « Paris, capitale du xixe siècle » et de la culture bourgeoise à son âge d'or, apparaît comme la figure de proue. S'appuyant sur les sources les plus diverses, il parcourt tout l'édifice de son imaginaire pour identifier dans le couple formé par l'Opéra fabuleux et son Fantôme monstrueux l'allégorie d'une modernité équivoque. Il traite enfin de notre rapport à cette civilisation, fantôme étonnamment vivace des cultures et sociétés contemporaines. Timothée Picard est professeur de littérature générale et comparée à l'Université de Rennes et membre de l'Institut universitaire de France. Il est spécialiste des conceptions et représentations de la musique à travers la littérature, les arts et l'histoire des idées - domaine auquel il a consacré de nombreux ouvrages souvent récompensés.

La Civilisation de l'opéra

L'objet de ce livre original en tout point est de traiter en même temps de Giuseppe Verdi et de Richard Wagner, à l'occasion du bicentenaire de leurs naissances, d'étudier le devenir de cette comparaison, l'une des plus décisives pour l'imaginaire de l'opéra, et la culture européenne dans son ensemble. Il s'agit ainsi de dégager les principaux stéréotypes et lieux communs, les principales valeurs et contre-valeurs qui, dans les discours et la mémoire collective, se sont peu à peu imposés sur leur compte.

Verdi-Wagner ; imaginaire de l'opéra et identités nationales

Les études, qui couvrent une longue période (de la Grèce antique à nos jours) et concernent divers genres littéraires (récit, théâtre, poésie, essai, portrait, mémoires, roman, critique d’art), de nombreux arts (peinture, opéra, danse, musique, photographie, cinéma), et des domaines variés (rhétorique, esthétique, technologie, tactique militaire, pornographie), abordent l’artifice selon quatre questions. La première est celle des origines : pour expliquer l’artifice à sa naissance, on a imaginé des fables ; mais les fonctions qu’elles remplissent ont été mises en cause, en particulier quand elles traitent du corps à une époque récente. La deuxième concerne la relation dialectique que l’artifice entretient avec la nature : s’instaurant en contre-nature, ce dernier détermine une seconde nature, qui fonde l’Homme dans son environnement. L’usage de l’artifice dans les arts, quels qu’ils soient, pose la question de la spécificité des beaux-arts non seulement en bousculant les classements et les systèmes, mais encore en obligeant à prendre en considération la techné. De ce troisième volet découle le dernier : envisager l’artifice dans les arts et les lettres conduit à porter son attention sur ce qui relève en eux de la fabrication. Or il est patent que d’un art à l’autre, ou d’un art aux lettres, les artifices circulent, et que leur usage constitue un sujet que la littérature traite depuis longtemps. C’est donc à une meilleure compréhension lexicologique, axiologique et généalogique de la notion d’artifice que ce volume souhaite apporter sa contribution.

L'artifice dans les lettres et les arts

Quelles sont les principales théories et conceptions de la critique musicale au xxe siècle ? Quels sont ses acteurs types et quels genres et formes pratiquent-ils ? Enfin : quelles sont les spécificités propres à tel pays et telle aire culturelle considérés ? Cet ouvrage se veut la première synthèse d'envergure consacrée aux principaux aspects de la critique musicale au xxe siècle – époque qui voit la musique entrer dans un processus de mondialisation mais aussi son unité remise en question, tout en reflétant les évolutions socioéconomiques et les fluctuations idéologiques et politiques du temps. La multiplicité des visages que revêt la musique – classique, jazz, rock, chanson, musiques actuelles –, de même que les formes diverses que prend la critique musicale spécialisée ou généraliste dans les espaces francophone, anglophone, germanophone, italien, hispanophone ou lusophone, jusqu'à sa dématérialisation avec l'essor des nouvelles technologies, sont examinés en détail.

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