David:  la terreur et la vertu

Aubrey Beardsley

Salvador Dali (1904-1989) - La conquête de l'irrationnel

" Vêtir l'Idée d'une forme sensible ", c'est ce que propose, en 1886, le poète Jean Moréas dans son " Manifeste du Symbolisme. " C'est en effet en France et en Belgique, berceaux du Symbolisme littéraire, que la peinture baptisée du même nom est née à son tour, s'engouffrant dans la brèche ouverte par les poésies de Baudelaire ou de Mallarmé, par les opéras de Wagner. Renonçant à représenter les apparences, les peintres symbolistes vont chercher à exprimer " l'Idée ", donnant une place importante à l'imaginaire. Le " Rêve " est leur seul credo. Leur haine fanatique, celle du naturalisme impressionniste, du réalisme, du scientisme. Le principe majeur du Symbolisme, celui des correspondances, est de parvenir à une harmonie entre tous les arts ou même de réaliser l'œuvre d'art totale (Gesamtkunstwerk) dont rêvait Richard Wagner. Ce que l'on redécouvre aujourd'hui, après un temps de désuétude, c'est que le mouvement symboliste est non seulement incontournable dit fait qu'il se répandit comme un feu à travers le monde, essaimant de la Russie à l'Amérique, du Nord au Midi. Mais qu'il est aussi et surtout à l'origine de toute une série de mutations sans lesquelles l'art moderne ne serait pas ce qu'il est devenu. En effet le Symbolisme est à la base de la mutation expressionniste, et l'on sait ce que les leaders du groupe " Die Brücke " ou les participants de " Der Blaue Reiter " doivent à Ensor, Munch, Hodler, Vallotton, Klimt ou Spilliaert, tout autant que les Fauves qui procèdent non moins de Sérusier que de Gauguin. La marque symboliste est très nette sur le Futurisme italien. Quant à Marcel Duchamp, qui allait bouleverser tout l'art moderne, il se montre au départ surtout sensible à l'exemple de Redon. C'est sous l'influence de Böcklin que De Chirico accèdera à une peinture onirique dans laquelle les Surréalistes allaient bientôt voir l'exemple même de ce qu'ils attendaient de la peinture et qu'ils avaient trouvé déjà chez certains phares du Symbolisme. On peut même parler de Symbolisme hyperréaliste si l'on se réfère aux ancêtres que sont au milieu du XIXe siècle les Préraphaélites qui n'hésitent pas à mettre au service de très nobles pensées une technique à l'exactitude quasi photographique. Enfin, la mutation qui s'opérera du Symbolisme à l'Abstraction est particulièrement spectaculaire, en particulier du fait qu'elle s'opère sous la bannière de représentants, symbolistes à l'origine, aussi célèbres que Kandinsky, Malevitch ou Mondrian. De sorte qu'il n'est pratiquement pas de courants de l'art du XXe siècle qui ne tirent leur origine des exemples du Symbolisme. De même qu'à la redécouverte des œuvres des symbolistes on s'aperçoit qu'aujourd'hui encore, nombre d'artistes contemporains descendent en ligne plus ou moins droite de ce mouvement. Par conséquent, une affaire à suivre...

Le Symbolisme

Depuis l'aube des temps, depuis Adam et Eve, les artistes de toutes les époques, qu'il s'agisse des Egyptiens, des Grecs ou des Romains de l'Antiquité, ou de grands noms plus proches de nous comme Rembrandt, Courbet, Degas ou Picasso, ont laissé s'exprimer leurs fantasmes, leurs obsessions et leur libido dans des oeuvres que les censeurs ont pris bien soin de cacher au public. Pour Erotica Universalis, nous avons quitté les royaumes souterrains des musées pour plonger dans l'univers de nos bibliothèques nationales ou privées. C'est là que l'on découvre que la plupart de nos grands auteurs, comme Ovide, Voltaire ou Maupassant, ont aussi composé des textes érotiques à la limite de l'indécence. Et les grands artistes comme Dali ou Matisse ne sont pas demeurés en reste pour proposer les illustrations idéales à ces livres coquins.

Erotica universalis

Kl Erotica Universalis

Sur la fin de sa prodigieuse carrière de peintre, sculpteur et lithographe, âgé et malade, Matisse ne pouvait plus tenir sur ses jambes ni garder un pinceau en main très longtemps. Au soir de sa vie, à près de 80 ans, il mit au point une technique consistant à «sculpter la couleur», créant d'audacieux découpages aux couleurs vives. Même si quelques critiques de l'époque y virent un signe de sénilité, ces gouaches découpées représentaient en réalité une révolution dans l'art moderne, en proposant un tout nouveau mode d'expression qui reformulait l'antagonisme traditionnel entre dessin et couleur.  Cette nouvelle édition du premier volume de notre ouvrage format XL d'origine, récompensé par la critique, retrace le contexte historique des gouaches découpées de Matisse, depuis leurs origines, lors du voyage à Tahiti de l'artiste en 1930, jusqu'aux dernières années de Matisse à Nice. Elle comprend de nombreuses photos de l'artiste, dont quelques images, très rares, signées Henri Cartier-Bresson ou du réalisateur F.W. Murnau, ainsi que des textes de Matisse, de l'éditeur E. Tériade, des poètes Louis Aragon, Henri Michaux et Pierre Reverdy, et du beau-fils de Matisse, Georges Duthuit.  À travers leur simplicité trompeuse, ces découpages ont à la fois atteint une qualité sculpturale et amorcé une forme d'abstraction minimaliste qui a profondément influencé des générations d'artistes ultérieures. Exubérantes, ces oeuvres aux mille nuances, souvent très grandes, forment un pilier de l'art du XXe siècle et s'avèrent, quand on les contemple aujourd'hui, tout aussi audacieuses et novatrices que du vivant de Matisse.

Matisse : les papiers découpés : dessiner avec des ciseaux

Tamara de Lempicka (1898-1980) a mené sa vie d'artiste à cent à l'heure. Attirée par le glamour et la célébrité autant que par la vie de bohème Rive Gauche, elle quitta sa Russie natale après la révolution bolchevique et se lança à la conquête de Paris. Son oeuvre prolifique et monumentale demeure l'un des témoignages visuels les plus vivants de l'Art déco des années 1920.
Le style de Tamara déploie une palette restreinte de couleurs froides, des formes post-cubistes pour une représentation à la fois néo-classique et voluptueuse. Ses sujets, souvent des nus, sont autant sensuels que distants et puissants. Rehaussés d'une lumière et de matières aguichantes, ils s'imposent à nous tout en détournant le regard de façon caractéristique, dans une superbe arrogance. De Lempicka a représenté aussi bien des personnages de la haute société que réalisé des portraits progressistes de femmes émancipées et homosexuelles, à l'instar du Portrait de Suzy Solidor. Dans le même temps, le célèbre Autoportrait dans la Bugatti verte fut commandée pour la couverture du magazine allemand Die Dame et devint l'incarnation de la vitesse, de la sophistication et de l'indépendance féminine.
À travers certains des plus beaux et plus fascinants portraits de De Lempicka, cette introduction explore le répertoire visuel unique de cette artiste et sa place privilégiée dans les annales de l'art de l'entre-deux-guerres, mais aussi dans l'histoire des artistes féminines et dans notre imaginaire collectif des Années folles.

David: la terreur et la vertu

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