Anna la nuit

Cette monographie, la première consacrée à Gilles Jonemann, nommé « Maître d'art » en 2004, révèle l'univers d'un créateur de bijoux et d'objets, parmi les plus innovants, les plus singuliers de la bijouterie contemporaine. Instaurant une réelle rupture dans l'histoire du bijou, il revendique l'utilisation de matériaux non précieux, tels l'acier, le verre, le caoutchouc, ou encore les coquillages et les matières végétales. 
Bien plus qu'une simple passion, l'artiste perçoit son travail comme une vocation. Son oeuvre hétéroclite a pour ambition de provoquer l'étonnement, l'émerveillement tout en piquant la curiosité du public. Ainsi, utilise-t-il des objets insolites, détournés de leur usage premier, afin de créer bagues, colliers ou autres bijoux uniques. L'omniprésence d'exotisme dans ses créations résulte d'un tropisme pour l'Afrique notamment, qui l'a conduit à une collaboration des plus créatives avec le couturier Issey Miyake. De ce fait, certaines pièces sont implicitement détournées d'objets, de sentiments vernaculaires, directement inspirés par les voyages, dont il ramène coquillages, graines, écailles de poisson, bois flottés ou encore galets.
Cet ouvrage donne l'occasion de pénétrer l'univers d'un artiste de l'altérité et de découvrir son atelier, aux allures de cabinet de curiosité.

Gilles Jonemann

Quarante ans de travail témoignent de la vitalité des réalisations de Jean-Michel Wilmotte et attestent une volonté qui d'emblée ne s'est pas cantonnée à la France mais au monde entier. En artiste complet, il s'est intéressé avec un même intérêt à l'architecture, la muséographie, la création de mobilier et l'urbanisme. L'ampleur des travaux de Wilmotte ne témoigne pas d'une insatiabilité, mais d'un sens de l'observation, d'un goût de la logique et d'un amour du paysage qui lui ont permis de créer de nouvelles modalités constructives tout en alimentant une agence qui comporte plus de deux cents collaborateurs. Autant dire que le travail d'équipe est au coeur de l'agence Wilmotte & Associés. Pour Jean-Michel Wilmotte, il n'y a pas de petits projets, tous sont dignes d'attention. En matière d'architecture, Wilmotte, dès les années 80, s'est imposé comme le leader de la réhabilitation d'édifices anciens, sachant avec justesse proposer des solutions équilibrées, entre respect du passé, nouveaux usages et réappropriation esthétique. Par ailleurs, il y a plus d'une vingtaine d'années, il a été l'un des premiers sinon le premier à repenser la scénographie des musées avec un vocabulaire et une grammaire qui lui sont propres : stricte structuration des flux de visiteurs, jeux de lumière, chromatisme apaisant, vitrines et mobiliers minimalistes, conception d'espaces de détente, de librairies selon le concept anglo-saxon du fun shopping, soit la conjonction idéale de la culture et de la distraction. L'urbanisme, la ville et ses ghettos sociaux, la figure anonyme de celui qui traverse les zones urbaines, l'absence de flâneurs… Un état d'esprit contre lequel Wilmotte s'insurge. Contre lequel il décide de lutter en introduisant davantage d'esthétisme mais aussi un surcroît de convivialité, de confort où peuvent fraterniser les hommes. Bref ! Ce livre tente de retracer à l'aide de remarquables photographies et dessins, l'apport de Wilmotte dans notre environnement par nombre de réalisations emblématiques telles : le stade de Nice, le centre de gestion sportive, Ferrari à Maranello, la tour Monte-Carlo View à Monaco, le pavillon des Sessions au musée du Louvres, le Rijksmuseum d'Amsterdam, le musée d'Art islamique de Doha, le chai Pédesclaux à Pauillac, les allées Jean Jaurès à Nîmes, les Champs-Elysées, la stratégie de développement du Grand Moscou… Un catalogue raisonné, par Valérie Valentin retrace en fin d'ouvrage la totalité de l'oeuvre architecturale et urbanistique de l'agence Wilmotte & Associés.

Jean-Michel Wilmotte

L'art de vivre à Marakech

Fils de cultivateurs alsaciens, Jean-Jacques Henner (1829-1905) a gravi tous les échelons qu'une carrière académique pouvait offrir à cet artiste singulier. Prix de Rome en 1858, il rapporte de son séjour à la villa Médicis de copies d'œuvres des maîtres et de lumineux petits paysages dans la ligné de Corot. Fidèle à ses racines, il peint, après la défaite de 1870, L'Alsace. Elle attend, toile emblématique de la perte de sa province natale. Dès les années 1870 Henner est applaudi au Salon, cumulant commandes de portraits et achats de l'Etat. A côté des nymphes rousses et des scènes idylliques qui consacrent célébrité, il brosse de puissants tableaux religieux. Sa facture renouvelle l'art du modelé, entre ombres et lumières. Contemporain des impressionnistes, Henner a su imposer avec éclat un autre chromatisme moderne. L'exposition, la première à Paris depuis un siècle, regroupe plus d'une centaine d'œuvres. Elle est organisée à partir des importantes collections du Musée national Jean-Jacques Henner, complétées du legs Jules Henner au Petit Palais et d'œuvres provenant du musée d'Orsay, des musées de Mulhouse Colmar et Amiens, ainsi que de l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts et de la maison de Victor Hugo à Paris.

Jean-Jacques Henner : Face à l'impressionnisme, Le dernier des romantiques 26 juin 2007-13 janvier 2008

Très proche du couple Helmut et June depuis plus de cinquante ans, j'entendis un soir June me dire : "Tu devrais écrire notre histoire, tu la connais si bien..." Mes souvenirs n'y ont pas suffi : il m'a fallu beaucoup de recherches et de lectures pour raconter la tragédie qui frappa le petit Helmut Neustaedter, juif berlinois, dont une grande partie de l'oeuvre magnifie le désastre ; ou encore les circonstances de sa rencontre à Melbourne avec June Dunbar, jeune comédienne australienne déjà reconnue, que leur installation à Paris contraignit à abandonner la scène. Ce qui m'a passionné, c'est précisément la vie d'un couple d'exception cimenté par la créativité. Un couple dont l'intelligence, la modernité, la liberté émerveillent, et interrogent sur la vérité d'une existence à deux... comme sur celle d'une époque. Car au fil du temps, le travail du photographe nous parle aussi de la réalité sociale et artistique des années 1960, 1970, 1980 et, dans une moindre mesure, 1990 : un monde qui n'était pas encore dominé par les réseaux sociaux et où les diktats pseudo-moraux n'avaient pas étouffé la liberté de créer. J. A.

Helmut & June - Portraits croisés

Philippe Pasqua s’est imposé au fil des ans comme l’un des principaux artistes de sa génération. Dès ses débuts, son art impressionne et surprend de nombreux acteurs de l’art, tel Pierre Restany, avec notamment ses œuvres empreintes des rites vaudou. Chez Pasqua, le monumental communie avec la part la plus vulnérable des êtres : le corps et le visage. Abordant parfois difformités et handicaps à travers des portraits de transsexuels, de trisomiques ou d’aveugles… il offre des œuvres d’une forte tension plastique. Puis son regard se tourne vers son entourage proche, s’immisçant dans les plis et les replis de l’intimité des individus, en en poussant avec tact les limites. Un autre aspect majeur du travail de Pasqua réside dans ses « vanités ». La technique employée évoque autant celle des orfèvres du Moyen-âge œuvrant à un reliquaire qu’à quelque rituel chamanique. Les crânes humains sont recouverts à la feuille d’or et d’argent, ou gainés de peaux qui sont ensuite tatoués. Vient enfin l’étape délicate où les crânes sont ornés de papillons naturalisés. Ailes déployées aux couleurs iridescentes : la lumière se diffracte à leurs surfaces en un poudroiement coloré ou bien s’abîme dans l’ombre profonde au creux des orbites. Depuis quelques années, l’artiste se rend souvent à Carrare où il sculpte à même le marbre des crânes de plusieurs tonnes à lourde charge tellurique. A la fonderie, il réalise d’imposantes fontes de bronze qui sont ensuite plongés dans des bains de chrome. Les dernières œuvres photographiques transcendent les crânes tatoués, en des vanités, ainsi, fétichisées.

Philippe Pasqua

« Elle était totalement déterminée. Allégorie d'une Espagne fière et rebelle, lèvres rouges, cheveux noirs noués en chignon dans une résille, revêtue d'un tailleur noir sur des bas également noirs, chaussée de noir enfin, elle s'assit, telle l'annonce de la mort, dans le fauteuil, dos à la fenêtre. La fin du cauchemar était proche. » Histoire d'amour, de trahison et de sang, Avec la mort en tenue de bataille nous plonge dans la guerre civile d'Espagne avec une puissance d'autant plus rare qu'elle est incarnée par un inoubliable personnage : Inès, mère et épouse respectable qui, lorsque le conflit éclate, se jette à corps perdu dans le maelstrôm de cette lutte fratricide dont elle découvre avec stupeur toutes les ambiguïtés.évocation historique d'une tragédie emblématique, le roman de José Alvarez est aussi le sublime portrait d'une femme qui symbolise l'âme suppliciée de l'Espagne, celui d'une mère combattante que l'horreur de la guerre révèle à elle-même.

Avec la mort en tenue de bataille

«Il n'y a que deux endroits au monde où l'on puisse vivre heureux: chez soi et à Paris», pensait Herningway. Qu'ils soient nés à Paris ou qu'ils aient choisi d'y vivre, les Parisiens sont amoureux de leur ville. Délaissant les itinéraires touristiques trop connus les gloires architecturales trop évidentes pour évoquer l'atmosphère particulière des rues, des places, des jardins, ce livre invite à une promenade amoureuse dans un Paris cultivé et sensible.

Anna la nuit

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