Représentée par Rodin sous la forme d'une jeune femme nue, à genoux sur le sol et le visage dissimulé par une longue chevelure, La Danaïde compte parmi les figures les plus touchantes de l'artiste. Une telle posture, propre à traduire l'abandon et le désespoir, invite en effet le contemplateur à une forte empathie. À travers un essai mêlant analyse du mythe, histoire des formes et esthétique, Aline Magnien offre un regard nouveau sur ce marbre qui rompt avec l'iconographie traditionnelle. Bénéficiant d'un modelé lumineux, sans ombres creusées, La Danaïde n'est pas sans évoquer ces mots de Gaston Bachelard : « La source est une naissance irrésistible, une naissance continue. »

La Danaïde

La nature et l'antique, la chair et le contour

"How can I describe this flesh that captivates me so much?" Auguste Rodin asked himself this very question all throughout his life and career.

In his sculptures as well as in his drawings, Rodin modeled or traced the outlines of what fascinated him: the human body. He explored endless variations of postures and stances, not so much to spark controversy but rather to apprehend the truth of desire. The shapes and forms he created testify to the sensuality and the intensity of his oeuvre. He carried to the extreme these two features in order to capture the manifestations of ecstasy, and sometimes the shadow of death.

Rodin never refrained from tackling subjects that were traditionally deemed obscene. In doing so, the sculptor pushed the boundaries of transgression, claiming a sense of modernity that proved to be seminal for generations of artists.

Rodin and Eroticism

Thesaurus Des Objets Mobiliers

« Comment décrire cette chair qui me rend si attentif ? » se demandait Rodin, question qui n'a cessé de le poursuivre tout au long de sa carrière.

Dans ses sculptures comme dans ses dessins, Rodin modèle ou trace les contours d'un corps humain qui le fascine. Il décline à l'infini postures et positions, non pas tant par souci de provocation que pour saisir la vérité du désir. Les formes qu'il transcrit témoignent d'une sensualité et d'une intensité qu'il pousse à l'extrême pour capter les manifestations de l'extase, et parfois l'ombre de la mort.

N'ayant jamais eu peur de s'attaquer à des thématiques traditionnellement considérées comme obscènes, Rodin repousse les limites de la transgression et affirme une modernité qui inspirera par la suite des générations d'artistes.

Rodin et l'érotisme

Rodin and eroticism

Représentée par Rodin sous la forme d'une jeune femme nue, à genoux sur le sol et le visage dissimulé par une longue chevelure, La Danaïde compte parmi les figures les plus touchantes de l'artiste. Une telle posture, propre à traduire l'abandon et le désespoir, invite en effet le contemplateur à une forte empathie. À travers un essai mêlant analyse du mythe, histoire des formes et esthétique, Aline Magnien offre un regard nouveau sur ce marbre qui rompt avec l'iconographie traditionnelle. Bénéficiant d'un modelé lumineux, sans ombres creusées, La Danaïde n'est pas sans évoquer ces mots de Gaston Bachelard : « La source est une naissance irrésistible, une naissance continue. »

La danaïde

Le laboratoire de recherche des monuments historiques - Un demi-siècle au service du patrimoine 1970-2020

"What is so poignant about Rodin's figures is that we find ourselves in them; we see our disenchantments reflected there; according to Stéphane Mallarmé's fine expression, 'they are our fellow sufferers'."

Depicted by Rodin as a young woman, naked and crouching forward on the ground, her long tresses cascading over her face, Danaïd is one of the artist's most touching figures. Onlookers will indeed strongly empathize with a pose conveying such abandonment and despair. In an essay that combines analysis of the myth with a history of form and aesthetics, Aline Magnien brings a fresh take on this marble sculpture that breaks away from traditional iconography. With luminous modelling and devoid of shadowy hollows, Danaïd recalls the words of Gaston Bachelard: "The spring is an irresistible birth, a continuous birth."

Danaïd - Edition en langue anglaise

La cathédrale de Beauvais est l'un des "monstres sacrés" de l'art gothique : son choeur est le plus haut jamais érigé au XIIIe siècle, les arcs-boutants qui le soutiennent sont d'une hardiesse incroyable, un flot de lumière inonde son sanctuaire. Mais la réputation de ce gigantesque édifice tient aussi à ses malheurs : une partie des voûtes du choeur s'effondra en 1284, la tour-lanterne érigée au XVIe siècle sur la croisée du transept chuta à son tour en 1573, et la cathédrale ne fut finalement jamais terminée, malgré les efforts encore déployés au tout début du XVIIe siècle. Saint-Pierre de Beauvais demeure ainsi un joyau incomplet : l'élan vertigineux du choeur vient se briser sur un mur nu. Cet inachèvement a toutefois permis la survie de la "Basse-Oeuvre" (Xe- XIe siècles), l'une des rares cathédrales de l'an mil conservées en France, dont les premières travées subsistent à l'ouest de Saint-Pierre. Ecrasé par la puissante masse de la cathédrale gothique, ce vestige passe souvent inaperçu, alors que de longues campagnes de fouilles ont montré son intérêt. Les recherches récentes ont également apporté un nouvel éclairage sur le chef-d'oeuvre du mu' siècle, trop souvent réduit à l'image d'une tour de Babel frappée dans son orgueilleuse hauteur. Elles ont aussi mis en valeur le transept flamboyant élevé au XVIe siècle sur les plans de Martin Chambiges. La splendeur de cette architecture fait souvent oublier les oeuvres d'art qu'elle renferme : le décor mobilier de la cathédrale, ainsi. que son trésor, méritent amplement une redécouverte. La collection d'ornements liturgiques, en particulier, comporte des pièces d'une grande beauté, inaccessibles à l'heure actuelle, et que cette publication prend à coeur de faire apprécier.

La cathédrale Saint-Pierre de Beauvais - Architecture, mobilier et trésor

Considérée par certains comme la " Cluny carolingienne ", l'abbaye bénédictine de Saint-Riquier est fondée par Riquier, au VIIème siècle. Elle connaît son premier âge d'or lors de l'abbatiat d'Angilbert, homme d'église et lettré, protégé de Charlemagne. L'empereur favorise le développement de l'abbaye qui devient alors un centre important aux marches du royaume. Le chantier gothique qui se poursuit entre le XIIIème siècle et le début du XVIème siècle connaît de multiples difficultés. Saint-Riquier, aux frontières du royaume de France, est sur la ligne du front qui oppose le duc de Bourgogne et Louis XI et se trouve donc sans cesse en butte aux représailles des uns et des autres. La façade, vaste retable architectural que son programme sculpté transforme en dentelle de pierre blanche est révélatrice de la religiosité et des croyances de cette fin du Moyen Age. Le deuxième âge d'or de l'abbaye commence lorsqu'au XVIIème siècle la communauté adhère à la réforme de Saint-Maur. Les bâtiments sont rénovés et le chœur de l'abbatiale reçoit, à la fin du siècle, un décor, dit plus tard " à la grecque ", l'un des rares à subsister de cette époque. Les tableaux commandés par l'abbé d'Aligre, encore en place, de multiples éléments décoratifs témoignent des efforts consentis pour permettre à l'institution de rayonner de nouveau. Les péripéties du XVIIIème siècle, incendies dévastateurs, puis Révolution, ont altéré la physionomie de l'abbaye mais sa transformation en séminaire au XIXème siècle comme celle de l'abbatiale en église paroissiale ont permis de conserver l'essentiel. Les travaux conduits par le conseil général de la Somme, désormais propriétaire de l'abbaye, l'action de la mairie de Saint-Riquier et de l'État sur l'abbatiale ont préservé l'identité du lieu. Aucune étude complète sur le site n'a été publiée depuis les travaux de l'abbé Hénocque à la fin du XIXème siècle, puis de Georges Durand dans les premières années du XXème siècle. Les progrès de l'historiographie permettent aujourd'hui de proposer au public une synthèse renouvelée et en particulier de traiter de façon plus approfondie des aspects négligés, à l'époque, au profit du Moyen Age. L' Association des amis de Saint-Riquier en étroite collaboration avec le Centre culturel-musée départemental de l'abbaye, et avec l'aide du conseil général de la Somme, le conseil régional de Picardie, de la Drac-Picardie, de la communauté de communes du Haut-Clocher, de la commune de Saint-Riquier, et de mécènes privés comme la Sanef et le Crédit agricole, ont porté ce projet de publication et lui ont permis d'aboutir aujourd'hui.

Saint-Riquier - Une grande abbaye bénédictine

Le XIXe siècle a vu se multiplier les monuments civiques et décoratifs sur les places publiques au point que l'on a pu parler de " statuomanie ". agrandissement des villes, création de nouvelles places, en même temps que développement de la conscience nationale et volonté de rendre hommage aux " grands hommes " de la patrie sont les ferments d'u tel phénomène, particulièrement intense dans la seconde moitié du siècle. Fortement symboliques, ces œuvres procèdent de l'esthétique naturaliste de la IIIe République et suscitent de vifs débats. La " mobilisation " des monuments et des statues pour la récupération des métaux non ferreux décrétée par le maréchal Pétain va en éliminer une très grande partie. Quel rôle ont joué ces statues en France au XIXe siècle ? quelle idéologie ont-elles exprimée ? comment ont-elles été perçues au XXe siècle ? quelle réponse leur apportent les artistes contemporains ? a travers l'analyse de guides de voyage, de manuels scolaires, de carte postales, dont la fameuse collection Debuisson qui compte 20 000 cartes représentant des monuments, ou encore l'analyse de cas précis, ces questions et bien autres ont été ont été traité par des historiens, historiens de l'art, par le centre louis et Charles Blanc de l'université de Paris - X-Nanterre, en collaboration avec l'inventaire général et avec la participation du musée d'Orsay et de l'INHA. Cet ouvrage, qui en reprend les communications, constitue, par un état des lieux le plus complet possible, un outil unique pour tous ceux qui s'intéressent à la question.

La statuaire publique au XIXe siècle

L'Est de la Somme après la Grande Guerre : sur la carte tracée par le Bureau topographique de la Reconstruction foncière, cette zone, considérée comme irrécupérable, avait été marquée en rouge, d'où son nom de «Zone rouge».L'architecture de la première Reconstruction y constitue aujourd'hui un héritage d'exception ; sur un plan quantitatif, sa présence très forte sur le territoire a marqué de son empreinte l'image de la région et constitue un perpétuel memento de la déflagration qui a ravagé ces terres. Sur le plan qualitatif, formes et matériaux employés ont fait l'objet de grands soins. Toutefois, l'héritage de cette période tient surtout à ce que l'on désigne comme une « architecture ordinaire », en raison d'un conflit qui a détruit des milliers de foyers. Aussi, compte-t-on à côté d'édifices majeurs - églises, hôtels de ville... - une majorité de constructions banales, mais qui ne manquent pas d'intérêt pour autant et méritent d'être découvertes et comprises. C'est à cet exercice du regard que convie ce petit guide. Pour s'adapter à ces particularités, il ne propose pas de notices sur les édifices les plus représentatifs, mais une présentation générale et thématique de l'architecture de la Reconstruction dans la Zone rouge.

Architectures de la reconstruction dans l'est de la Somme

"Comment décrire cette chair qui me rend si attentif ?" se demandait Rodin, question qui n'a cessé de le poursuivre tout au long de sa carrière. Dans ses sculptures comme dans ses dessins, Rodin modèle ou trace les contours d'un corps humain qui le fascine. Il décline à l'infini  postures et positions, non pas tant par souci de provocation que pour saisir la vérité du désir. Les formes qu'il transcrit témoignent d'une sensualité et d'une intensité qu'il pousse à l'extrême pour capter les manifestations de l'extase, et parfois l'ombre de la mort. N'ayant jamais eu peur de s'attaquer à des thématiques traditionnellement considérées comme obscènes, Rodin repousse les limites de la transgression et affirme une modernité qui inspirera par la suite des générations d'artistes.

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