Daniel Schlier - Project Room IV

Pierre Moignard est né en 1961 à Tébessa, en Algérie. Des collages peints sans ciseaux, voilà comment les tableaux de Pierre Moignard pourraient être décrits. Allant au-delà de l'hommage et de la citation, il réalise des emprunts aux tableaux de grands noms de l'histoire de l'art, tels que Manet, Goya, De Kooning ou encore Picasso. Il dit bénéficier du travail des autres, et ses toiles réinventent ainsi l'intrication entre la chose faite (peinte) et la chose empruntée (déjà peinte). C'est cet ajustement contre nature qui s'invente en peinture et la renouvelle. Il pousse cette pratique encore plus loin avec ses films Who Chooseth Me, Notes for the Merchant of Vegas (2009) et Holyland Experience (2013), réalisés aux Etats-Unis. Pierre Moignard a été exposé récemment à la galerie anne barrault (Paris, 2018), au Centre culturel Cesson-Sévigné et au MAMCO (Genève, 2010). Il a également participé à la Nouvelle présentation des collections permanentes du Musée d'art moderne de la ville de Paris en 2017.

Pierre Moignard

Oeuvre Venu tard à la peinture, ennemi particulièrement prolixe par son oeuvre et ses écrits de la culture et de l'art des musées, Dubuffet, un des artistes les plus surprenant du XXe siècle, est l'inventeur par excellence de langages plastiques nouveaux. Cet essai a deux mains décrit avec une exceptionnelle clarté une carrière de dynamiteur partagée en deux parties égales. La première est l'apprentissage de la seconde qui, de 1942 à 1985, n'est qu'un labeur extraordinaire de fécondité et de régularité à la recherche de la libération de toute contrainte. Cette voie subversive à l'encontre de toute norme établie le fait voisiner avec l'art de l'enfance et de la folie auquel il redonne ses lettres de noblesse (L'Art brut). Elle l'incline à des formes outrancières, aux méandres et aux signes expressifs des graffiti, à l'exploration de matériaux, le charbon, le bitume, le sable, les fibres végétales, dont le mélange assigne une place majeure à Dubuffet parmi les artistes matiéristes jusqu'à son orientation vers les grandes séries mentales de l'Hourloupe (1962-1974), prélude au graphisme gestuel des Mires (1983). Anarchiste, athée, antimilitariste, antipatriotique, ennemi de toutes les catégories (« il n'y a pas d'art abstrait ou bien l'art l'est toujours »), il appartient au petit monde de créateurs qui ont modifié notre vision de l'art, voire le cadre de notre vie urbaine. On ne peut plus regarder le sol, le bitume, les silhouettes des passants, les visages où s'interpénètrent organiquement les chairs, le végétal ou le minéral, la hiérarchie entre les choses et les personnes, après avoir contemplé son oeuvre. Ecrits : Ecrivain prolifique (il est allé jusqu'à inventer un langage), polémiste, parfois cruel, il a laissé des témoignages irremplaçables sur sa vision de l'art dans Prospectus aux amateurs de tout genre (1946), Biographie au pas de Course ; il a consacré aussi de nombreux textes à l'Art brut. Sont reproduits ici : Positions anticulturelles (1951-1963) ; Place à l'incivisme (février 1961) ; Entretien radiophonique avec Georges Ribemont-Dessaigne (mars 1958).

Jean dubuffet

Giorgio de Chirico - la fabrique des rèves

Ce livre reprend les textes du catalogue de l'exposition "Eugène Leroy - Peindre" édité par Paris Musées. Il est enrichi d'une chronologie retraçant la vie de l'artiste et d'un cahier d'images en couleur.

Eugène Leroy - Peindre

Cet ouvrage se compose de deux parties. Dans la première, Norman C. Abramovic se penche sur les premières découvertes de l'" art nègre ". Des voyageurs, des ethnologues et des collectionneurs ont recueilli en Afrique et en Océanie des sculptures et des masques choisis pour leurs qualités esthétiques. L'auteur fait le récit de cette quête, l'illustrant largement au moyen de documents de l'époque. Il évoque les peintres fixés à Paris tels que Maurice de Vlaminck, André Derain, Pablo Picasso ou Juan Gris, qui vont se passionner pour les solutions plastiques inventées par les sculpteurs africains. Dans la seconde partie, Fabrice Hergott fait revivre l'histoire du ballet "La Création du monde", fondé sur de pseudo-mythes africains inventés par Blaise Cendrars. Cette aventure réunit Rolf de Maré, directeur des ballets suédois installés au théâtre des Champs-Elysées, le compositeur Darius Milhaud, le chorégraphe et danseur Jean Börlin et, bien sûr, Fernand Léger, qui créa les décors et les costumes.

Fernand Leger Et L'Art Africain. Exposition La Creation Du Monde Dans Les Collections Barbier-Mueller, Exposition Presentee Au Musee D'Art Et D'Histoire De Geneve Du 25 Octobre 2000 Au 25 Fevrier 2001

Guillaume Dégé, né en 1967, fait sans conteste partie de la constellation des artistes graphiques qui participent d'une tendance spécifique du dessin contemporain. Du domaine de l'illustration, il a conservé le principe d'économie de la page et du dessin. La clarté de la pensée et la propreté du geste ressortent immédiatement sur le papier. Il n'y a cependant plus de texte. "En tant qu'artiste, je ne sais pas raconter les histoires et je ne crois pas au storytelling. Je crois à la manière. " Aucune page à tourner non plus. Le dessin de Dégé peut enfin être seul, en majesté sur son support. Inventions fantasmées à partir d'images prélevées dans le réel, ses dessins forment des sortes d'extensions oniriques à des images issues de la culture populaire. L'artiste dispose d'une vaste bibliothèque d'images qui nourrit sa pratique du dessin et s'invite sur le papier par le biais du collage. La gravure ancienne s'unit au crayon de couleur pour former des cadavres exquis surréalisants : cheval au corps de fleur, religieux fécondés par l'aquarelle, oiseaux affublés de nez ou de sexe. Ses oeuvres sont des vandalismes proférés au nom de l'imaginaire par une couleur tendre, capables de changer les rochers en vagues ou en flammes. Illustrateur avant d'être artiste, Guillaume Dégé a été un collaborateur régulier du journal Le Monde dans les années 1990-2000. Enseignant à la HEAR de Strasbourg durant de nombreuses années, nommé en 2019 à l'Ecole des arts décoratifs de Paris, il est également le co-fondateur, avec Daniel Vincent, de la maison d'édition Les 4 mers. Alors que Guillaume Dégé a publié de nombreux albums et livres d'artistes - près de trente ! - au Seuil ou chez Gallimard entre autres, il n'a jamais bénéficié d'une monographie solide et sérieuse. Trilingue français, anglais et chinois, et accompagnée des contributions d'historiens de l'art reconnus, cette publication entend combler cette lacune et brosser un large panorama de la pratique artistique de Guillaume Dégé.

Guillaumé Dégé - Un grain de moutarde

Michel Würthle a fondé en 1972 le restaurant EXIL à Berlin/ Kreuzberg avec ses amis Ingrid et Oswald Wiener. Par je ne sais quelle aptitude, peut-être tout simplement parce que son patron fréquentait les artistes et les respectait, l'EXIL est rapidement devenu le lieu le plus important de la scène berlinoise. En 1978, il vend l'EXIL pour acheter avec Reinald Nohal le PARIS BAR, plus central, qui devient immédiatement le lieu mythique qu'il est toujours.
La personnalité de Michel Wu¨rthle agit comme un aimant. Les meilleurs artistes, comme avant, continuent d'échanger boissons et repas contre des oeuvres qui viennent orner la salle du sol au plafond. On vient aussi pour voir cette nouvelle caverne d'Ali Baba, admirer ce café qui reprend le principe de la Colombe d'Or de Saint-Paul de Vence ou de la Kronenhalle de Zuurich avec la dérision et l'autodérision du vaste mouvement punk qui a submergé la planète mais qui ne se retirera jamais complètement du PARIS BAR.
Cette persévérance est une énigme. On la doit à la personnalité de Michel Wu¨rthle. C'est qu'il n'est pas seulement un professionnel jusqu'au bout des ongles, il est aussi, caché sous une pudeur et un sourire sincèrement gêné, un artiste.

Michel Würthle : le cinéma de la vie

Le Musée national d'art moderne - Peintures et sculptures

Xavier Veilhan - Le Plein emploi, édition bilingue français-anglais

Enfant, Danh Vo fuit le Vietnam avec sa famille et, recueilli par un cargo danois, entame une nouvelle vie à Copenhague. Depuis, l'artiste s'interroge sur la notion de frontières dans l'histoire et notre société contemporaine. Valeurs, oppositions, identités, repères sont des éléments mis en corrélation dans son oeuvre, très marquée par sa biographie. Son histoire personnelle prend alors place dans l'histoire collective. Go Mo Ni Ma Da présente les travaux récents de Danh Vo dont, entre autres, une série d'oeuvres autour du missionnaire martyr de la guerre du Vietnam Théophane Vénard ; une série d'oeuvres autour de la figure de Robert S. McNamara, secrétaire de la Défense du président Kennedy pendant la guerre du Vietnam ; les trois chandeliers du salon de l'Hôtel Majestic où furent signés les Accords de Paris, scellant la fin de la guerre entre les Etats-Unis et le Vietnam ou encore une reproduction de fragments de la statue de la Liberté à l'échelle, We The People, projet phare de l'artiste.

Danh Vo : Go Mo Ni Ma Da

Michael Werner(né en 1939) est une des plus importantes figures du monde de l'art de ces cinquante dernières années. Installée à Berlin, puis à Cologne, sa galerie contribue, dès 1962, à faire connaître de nombreux artistes allemands (Georg Baselitz, Markus Lûpertz, Sigmar Polke, Jôrg Immendorif, A. R. Penck, Joseph Beuys, Eugen Schônebeck...) ou d'autres nationalités (Marcel Broodthaers, James Lee Byars, Peter Doig, Per Kirkeby, Eugène Leroy...), autant d'artistes aujourd'hui internationalement reconnus. Acette vision de la peinture contemporaine européenne s'ajoute également, avec l'ouverture d'une deuxième galerie à New York, la présentation de plusieurs maîtres de l'art moderne, comme Jean Fautrier, André Derain, Henri Michaux, Francis Picabia ou encore Gaston Chaissac. Constituée dès les années soixante, la collection personnelle de Michael Werner témoigne d'une approche différente de la lecture conventionnelle de l'art de ces cinquante dernières années que proposent généralement les institutions muséales. Rassemblant des oeuvres très diverses et en apparence éloignées, elle fait naître des significations nouvelles et donne à voir les relations subtiles et inédites que les oeuvres peuvent alors tisser entre elles. Ce catalogue présente pour la première fois l'intégralité de cette incomparable collection: plus de huit cents oeuvres d'une quarantaine d'artistes qui permettent de porter un regard rétrospectif et non conformiste sur la production picturale du XXe siècle en Europe.

La Collection Michael Werner

Bien que Rouault soit l'un des peintres majeurs du XXe siècle, son œuvre a été peu montrée en France au cours de ces dernières années. La rétrospective du musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg vient combler cette lacune en rassemblant plus de 115 tableaux venus de France, d'Europe, du Japon et des Etats-Unis. Depuis les féroces sujets de société, "Filles", "Tribunaux" et "Banlieues", aux "Baigneuses", figures de cirque et intenses "Paysages bibliques" de la fin de sa vie, l'œuvre de Rouault est à redécouvrir. Elle a pour sujet l'harmonie de la forme et de la couleur, à un degré d'incandescence rarement atteint.

Georges Rouault - Forme, couleur, harmonie

Né à Paris en 1922, Bernard Dufour se destine tout d'abord à être ingénieur agronome mais en 1942, il est envoyé en  Allemagne pour faire son Service du Travail Obligatoire. Au cours de ce séjour, il fréquente l'Université de  Heidelberg où il redécouvre l'histoire de l'art. De retour en France, il copie les grands maîtres au Louvre et, dès 1948,  la Galerie Maeght lui consacre une exposition personnelle. 
Après avoir développé une oeuvre abstraite, Bernard Dufour se tourne, à partir des années soixante, vers une peinture  figurative. Se concentrant de plus en plus sur le nu, et prenant pour modèle son propre corps et celui de sa femme, il  explore le registre de l'intime et de l'érotisme. Son audace plaît ; il participe à diverses manifestations (la Documenta  à Kassel, 1959, la Biennale de Venise, 1964...) et de grandes expositions lui sont consacrées. Depuis 1962, il vit et  travaille à Foissac dans l'Aveyron. Première monographie sur l'oeuvre de Bernard Dufour. Une oeuvre qui explore  l'art du nu et de l'érotisme et qui, souvent, fit scandale.

Sa vie et son oeuvre ont inspiré Jacques Rivette pour La Belle Noiseuse (1991) avec Michel Piccoli,  dans le rôle du peintre, Jane Birkin, dans celui de sa femme. Les toiles qui composent l'atelier et la  peinture pour laquelle pose Emmanuelle Béart sont de Bernard Dufour.

Une salle Bernard Dufour a été inaugurée au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris en octobre 2008 : elle  contient une vingtaine de ses toiles dont la célèbre Holger Meins 75, où l'on voit le cadavre supplicié de l'un des  membres de la bande à Baader, Holger Meins, décédé d'une grève de la faim en prison, en 1975, et le corps nu d'une  femme au-dessus d'excréments.

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