Le Musée national d'art moderne - Peintures et sculptures

Bien que Rouault soit l'un des peintres majeurs du XXe siècle, son œuvre a été peu montrée en France au cours de ces dernières années. La rétrospective du musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg vient combler cette lacune en rassemblant plus de 115 tableaux venus de France, d'Europe, du Japon et des Etats-Unis. Depuis les féroces sujets de société, "Filles", "Tribunaux" et "Banlieues", aux "Baigneuses", figures de cirque et intenses "Paysages bibliques" de la fin de sa vie, l'œuvre de Rouault est à redécouvrir. Elle a pour sujet l'harmonie de la forme et de la couleur, à un degré d'incandescence rarement atteint.

Georges Rouault - Forme, couleur, harmonie

Giorgio de Chirico - la fabrique des rèves

Michel Würthle a fondé en 1972 le restaurant EXIL à Berlin/ Kreuzberg avec ses amis Ingrid et Oswald Wiener. Par je ne sais quelle aptitude, peut-être tout simplement parce que son patron fréquentait les artistes et les respectait, l'EXIL est rapidement devenu le lieu le plus important de la scène berlinoise. En 1978, il vend l'EXIL pour acheter avec Reinald Nohal le PARIS BAR, plus central, qui devient immédiatement le lieu mythique qu'il est toujours.
La personnalité de Michel Wu¨rthle agit comme un aimant. Les meilleurs artistes, comme avant, continuent d'échanger boissons et repas contre des oeuvres qui viennent orner la salle du sol au plafond. On vient aussi pour voir cette nouvelle caverne d'Ali Baba, admirer ce café qui reprend le principe de la Colombe d'Or de Saint-Paul de Vence ou de la Kronenhalle de Zuurich avec la dérision et l'autodérision du vaste mouvement punk qui a submergé la planète mais qui ne se retirera jamais complètement du PARIS BAR.
Cette persévérance est une énigme. On la doit à la personnalité de Michel Wu¨rthle. C'est qu'il n'est pas seulement un professionnel jusqu'au bout des ongles, il est aussi, caché sous une pudeur et un sourire sincèrement gêné, un artiste.

Michel Würthle : le cinéma de la vie

Né à Paris en 1922, Bernard Dufour se destine tout d'abord à être ingénieur agronome mais en 1942, il est envoyé en  Allemagne pour faire son Service du Travail Obligatoire. Au cours de ce séjour, il fréquente l'Université de  Heidelberg où il redécouvre l'histoire de l'art. De retour en France, il copie les grands maîtres au Louvre et, dès 1948,  la Galerie Maeght lui consacre une exposition personnelle. 
Après avoir développé une oeuvre abstraite, Bernard Dufour se tourne, à partir des années soixante, vers une peinture  figurative. Se concentrant de plus en plus sur le nu, et prenant pour modèle son propre corps et celui de sa femme, il  explore le registre de l'intime et de l'érotisme. Son audace plaît ; il participe à diverses manifestations (la Documenta  à Kassel, 1959, la Biennale de Venise, 1964...) et de grandes expositions lui sont consacrées. Depuis 1962, il vit et  travaille à Foissac dans l'Aveyron. Première monographie sur l'oeuvre de Bernard Dufour. Une oeuvre qui explore  l'art du nu et de l'érotisme et qui, souvent, fit scandale.

Sa vie et son oeuvre ont inspiré Jacques Rivette pour La Belle Noiseuse (1991) avec Michel Piccoli,  dans le rôle du peintre, Jane Birkin, dans celui de sa femme. Les toiles qui composent l'atelier et la  peinture pour laquelle pose Emmanuelle Béart sont de Bernard Dufour.

Une salle Bernard Dufour a été inaugurée au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris en octobre 2008 : elle  contient une vingtaine de ses toiles dont la célèbre Holger Meins 75, où l'on voit le cadavre supplicié de l'un des  membres de la bande à Baader, Holger Meins, décédé d'une grève de la faim en prison, en 1975, et le corps nu d'une  femme au-dessus d'excréments.

Bernard Dufour

Daniel Schlier - Project Room IV

Oeuvre Venu tard à la peinture, ennemi particulièrement prolixe par son oeuvre et ses écrits de la culture et de l'art des musées, Dubuffet, un des artistes les plus surprenant du XXe siècle, est l'inventeur par excellence de langages plastiques nouveaux. Cet essai a deux mains décrit avec une exceptionnelle clarté une carrière de dynamiteur partagée en deux parties égales. La première est l'apprentissage de la seconde qui, de 1942 à 1985, n'est qu'un labeur extraordinaire de fécondité et de régularité à la recherche de la libération de toute contrainte. Cette voie subversive à l'encontre de toute norme établie le fait voisiner avec l'art de l'enfance et de la folie auquel il redonne ses lettres de noblesse (L'Art brut). Elle l'incline à des formes outrancières, aux méandres et aux signes expressifs des graffiti, à l'exploration de matériaux, le charbon, le bitume, le sable, les fibres végétales, dont le mélange assigne une place majeure à Dubuffet parmi les artistes matiéristes jusqu'à son orientation vers les grandes séries mentales de l'Hourloupe (1962-1974), prélude au graphisme gestuel des Mires (1983). Anarchiste, athée, antimilitariste, antipatriotique, ennemi de toutes les catégories (« il n'y a pas d'art abstrait ou bien l'art l'est toujours »), il appartient au petit monde de créateurs qui ont modifié notre vision de l'art, voire le cadre de notre vie urbaine. On ne peut plus regarder le sol, le bitume, les silhouettes des passants, les visages où s'interpénètrent organiquement les chairs, le végétal ou le minéral, la hiérarchie entre les choses et les personnes, après avoir contemplé son oeuvre. Ecrits : Ecrivain prolifique (il est allé jusqu'à inventer un langage), polémiste, parfois cruel, il a laissé des témoignages irremplaçables sur sa vision de l'art dans Prospectus aux amateurs de tout genre (1946), Biographie au pas de Course ; il a consacré aussi de nombreux textes à l'Art brut. Sont reproduits ici : Positions anticulturelles (1951-1963) ; Place à l'incivisme (février 1961) ; Entretien radiophonique avec Georges Ribemont-Dessaigne (mars 1958).

Jean dubuffet

Xavier Veilhan - Le Plein emploi, édition bilingue français-anglais

Guillaume Dégé, né en 1967, fait sans conteste partie de la constellation des artistes graphiques qui participent d'une tendance spécifique du dessin contemporain. Du domaine de l'illustration, il a conservé le principe d'économie de la page et du dessin. La clarté de la pensée et la propreté du geste ressortent immédiatement sur le papier. Il n'y a cependant plus de texte. "En tant qu'artiste, je ne sais pas raconter les histoires et je ne crois pas au storytelling. Je crois à la manière. " Aucune page à tourner non plus. Le dessin de Dégé peut enfin être seul, en majesté sur son support. Inventions fantasmées à partir d'images prélevées dans le réel, ses dessins forment des sortes d'extensions oniriques à des images issues de la culture populaire. L'artiste dispose d'une vaste bibliothèque d'images qui nourrit sa pratique du dessin et s'invite sur le papier par le biais du collage. La gravure ancienne s'unit au crayon de couleur pour former des cadavres exquis surréalisants : cheval au corps de fleur, religieux fécondés par l'aquarelle, oiseaux affublés de nez ou de sexe. Ses oeuvres sont des vandalismes proférés au nom de l'imaginaire par une couleur tendre, capables de changer les rochers en vagues ou en flammes. Illustrateur avant d'être artiste, Guillaume Dégé a été un collaborateur régulier du journal Le Monde dans les années 1990-2000. Enseignant à la HEAR de Strasbourg durant de nombreuses années, nommé en 2019 à l'Ecole des arts décoratifs de Paris, il est également le co-fondateur, avec Daniel Vincent, de la maison d'édition Les 4 mers. Alors que Guillaume Dégé a publié de nombreux albums et livres d'artistes - près de trente ! - au Seuil ou chez Gallimard entre autres, il n'a jamais bénéficié d'une monographie solide et sérieuse. Trilingue français, anglais et chinois, et accompagnée des contributions d'historiens de l'art reconnus, cette publication entend combler cette lacune et brosser un large panorama de la pratique artistique de Guillaume Dégé.

Le Musée national d'art moderne - Peintures et sculptures

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