Xavier Veilhan - Le Plein emploi, édition bilingue français-anglais

Michael Werner(né en 1939) est une des plus importantes figures du monde de l'art de ces cinquante dernières années. Installée à Berlin, puis à Cologne, sa galerie contribue, dès 1962, à faire connaître de nombreux artistes allemands (Georg Baselitz, Markus Lûpertz, Sigmar Polke, Jôrg Immendorif, A. R. Penck, Joseph Beuys, Eugen Schônebeck...) ou d'autres nationalités (Marcel Broodthaers, James Lee Byars, Peter Doig, Per Kirkeby, Eugène Leroy...), autant d'artistes aujourd'hui internationalement reconnus. Acette vision de la peinture contemporaine européenne s'ajoute également, avec l'ouverture d'une deuxième galerie à New York, la présentation de plusieurs maîtres de l'art moderne, comme Jean Fautrier, André Derain, Henri Michaux, Francis Picabia ou encore Gaston Chaissac. Constituée dès les années soixante, la collection personnelle de Michael Werner témoigne d'une approche différente de la lecture conventionnelle de l'art de ces cinquante dernières années que proposent généralement les institutions muséales. Rassemblant des oeuvres très diverses et en apparence éloignées, elle fait naître des significations nouvelles et donne à voir les relations subtiles et inédites que les oeuvres peuvent alors tisser entre elles. Ce catalogue présente pour la première fois l'intégralité de cette incomparable collection: plus de huit cents oeuvres d'une quarantaine d'artistes qui permettent de porter un regard rétrospectif et non conformiste sur la production picturale du XXe siècle en Europe.

La Collection Michael Werner

Cet ouvrage se compose de deux parties. Dans la première, Norman C. Abramovic se penche sur les premières découvertes de l'" art nègre ". Des voyageurs, des ethnologues et des collectionneurs ont recueilli en Afrique et en Océanie des sculptures et des masques choisis pour leurs qualités esthétiques. L'auteur fait le récit de cette quête, l'illustrant largement au moyen de documents de l'époque. Il évoque les peintres fixés à Paris tels que Maurice de Vlaminck, André Derain, Pablo Picasso ou Juan Gris, qui vont se passionner pour les solutions plastiques inventées par les sculpteurs africains. Dans la seconde partie, Fabrice Hergott fait revivre l'histoire du ballet "La Création du monde", fondé sur de pseudo-mythes africains inventés par Blaise Cendrars. Cette aventure réunit Rolf de Maré, directeur des ballets suédois installés au théâtre des Champs-Elysées, le compositeur Darius Milhaud, le chorégraphe et danseur Jean Börlin et, bien sûr, Fernand Léger, qui créa les décors et les costumes.

Fernand Leger Et L'Art Africain. Exposition La Creation Du Monde Dans Les Collections Barbier-Mueller, Exposition Presentee Au Musee D'Art Et D'Histoire De Geneve Du 25 Octobre 2000 Au 25 Fevrier 2001

Le Musée national d'art moderne - Peintures et sculptures

Guillaume Dégé, né en 1967, fait sans conteste partie de la constellation des artistes graphiques qui participent d'une tendance spécifique du dessin contemporain. Du domaine de l'illustration, il a conservé le principe d'économie de la page et du dessin. La clarté de la pensée et la propreté du geste ressortent immédiatement sur le papier. Il n'y a cependant plus de texte. "En tant qu'artiste, je ne sais pas raconter les histoires et je ne crois pas au storytelling. Je crois à la manière. " Aucune page à tourner non plus. Le dessin de Dégé peut enfin être seul, en majesté sur son support. Inventions fantasmées à partir d'images prélevées dans le réel, ses dessins forment des sortes d'extensions oniriques à des images issues de la culture populaire. L'artiste dispose d'une vaste bibliothèque d'images qui nourrit sa pratique du dessin et s'invite sur le papier par le biais du collage. La gravure ancienne s'unit au crayon de couleur pour former des cadavres exquis surréalisants : cheval au corps de fleur, religieux fécondés par l'aquarelle, oiseaux affublés de nez ou de sexe. Ses oeuvres sont des vandalismes proférés au nom de l'imaginaire par une couleur tendre, capables de changer les rochers en vagues ou en flammes. Illustrateur avant d'être artiste, Guillaume Dégé a été un collaborateur régulier du journal Le Monde dans les années 1990-2000. Enseignant à la HEAR de Strasbourg durant de nombreuses années, nommé en 2019 à l'Ecole des arts décoratifs de Paris, il est également le co-fondateur, avec Daniel Vincent, de la maison d'édition Les 4 mers. Alors que Guillaume Dégé a publié de nombreux albums et livres d'artistes - près de trente ! - au Seuil ou chez Gallimard entre autres, il n'a jamais bénéficié d'une monographie solide et sérieuse. Trilingue français, anglais et chinois, et accompagnée des contributions d'historiens de l'art reconnus, cette publication entend combler cette lacune et brosser un large panorama de la pratique artistique de Guillaume Dégé.

Guillaumé Dégé - Un grain de moutarde

Le volume se compose d'un ensemble représentatif des oeuvres picturales de Peng Wan Ts réalisées en une cinquantaine d'années de production artistique. Un grand nombre des tableaux reproduits dans l'ouvrage qui accompagne l'exposition consacrée à l'artiste par le musée d'Art moderne de la Ville de Paris sont inédits : le principal exemple est l'oeuvre intitulée Banquet qui sera offerte à l'institution muséale à cette occasion.

Dans les tableaux de Peng Wan Ts transparaît clairement la recherche poursuivie par l'artiste d'un équilibre entre les modes de pensée et d'expression de l'Orient et de l'Occident, ce qui fait de lui une figure de référence pour l'art contemporain chinois. Son approche reflète son intérêt indéniable pour la personne humaine, aspect indissolublement lié à sa découverte de l'art occidental, de Michel-Ange en particulier. Esthétique et plasticité sont les deux thèmes clés de sa poétique, sans oublier l'élément tragique qui lui permet de réfléchir à l'homme, à son histoire individuelle et collective, et à son intériorité.

Peng Wan TS : regards

Pierre Moignard est né en 1961 à Tébessa, en Algérie. Des collages peints sans ciseaux, voilà comment les tableaux de Pierre Moignard pourraient être décrits. Allant au-delà de l'hommage et de la citation, il réalise des emprunts aux tableaux de grands noms de l'histoire de l'art, tels que Manet, Goya, De Kooning ou encore Picasso. Il dit bénéficier du travail des autres, et ses toiles réinventent ainsi l'intrication entre la chose faite (peinte) et la chose empruntée (déjà peinte). C'est cet ajustement contre nature qui s'invente en peinture et la renouvelle. Il pousse cette pratique encore plus loin avec ses films Who Chooseth Me, Notes for the Merchant of Vegas (2009) et Holyland Experience (2013), réalisés aux Etats-Unis. Pierre Moignard a été exposé récemment à la galerie anne barrault (Paris, 2018), au Centre culturel Cesson-Sévigné et au MAMCO (Genève, 2010). Il a également participé à la Nouvelle présentation des collections permanentes du Musée d'art moderne de la ville de Paris en 2017.

Pierre Moignard

Michel Würthle a fondé en 1972 le restaurant EXIL à Berlin/ Kreuzberg avec ses amis Ingrid et Oswald Wiener. Par je ne sais quelle aptitude, peut-être tout simplement parce que son patron fréquentait les artistes et les respectait, l'EXIL est rapidement devenu le lieu le plus important de la scène berlinoise. En 1978, il vend l'EXIL pour acheter avec Reinald Nohal le PARIS BAR, plus central, qui devient immédiatement le lieu mythique qu'il est toujours.
La personnalité de Michel Wu¨rthle agit comme un aimant. Les meilleurs artistes, comme avant, continuent d'échanger boissons et repas contre des oeuvres qui viennent orner la salle du sol au plafond. On vient aussi pour voir cette nouvelle caverne d'Ali Baba, admirer ce café qui reprend le principe de la Colombe d'Or de Saint-Paul de Vence ou de la Kronenhalle de Zuurich avec la dérision et l'autodérision du vaste mouvement punk qui a submergé la planète mais qui ne se retirera jamais complètement du PARIS BAR.
Cette persévérance est une énigme. On la doit à la personnalité de Michel Wu¨rthle. C'est qu'il n'est pas seulement un professionnel jusqu'au bout des ongles, il est aussi, caché sous une pudeur et un sourire sincèrement gêné, un artiste.

Michel Würthle : le cinéma de la vie

L'incroyable révélation d'un obscur " peintre naïf ", découvert récemment et exposé dans les plus grands musées d'Europe (Louvre, Bilbao, Musée d'art moderne de la Ville de Paris).  
  L'Alsacien Joseph Steib a peint clandestinement pendant la guerre " Le Salon des rêves ", une série de 50 tableaux hallucinés contre le nazisme, au ton souvent blasphématoire.  
  Entre art populaire, expressionisme et surréalisme, une oeuvre fascinante, riche de symboles.  
 
Joseph Steib (1898-1966), modeste employé de la ville de Mulhouse, peintre amateur et totalement inconnu, a croisé la grande Histoire en 1940 après la féroce annexion de sa région au Reich nazi, révélant soudain une facette exceptionnelle de sa personnalité et de son talent. Il se métamorphosa et, dans le secret de son appartement, entreprit une oeuvre aussi violente qu'inspirée : " Le Salon des rêves ". Son opposition au nazisme, à la figure du Führer, le conduisit à une peinture radicale, hallucinée, conjuratoire : 57 tableaux réalisés entre 1940 et 1945. Une rapide exposition locale après la Libération, passée inaperçue, puis l'oubli total, la dispersion des tableaux après sa mort, jusqu'à sa découverte par un collectionneur, François Pétry, auteur du livre.
 A travers la restitution du quotidien de la guerre, avec ses brimades et ses violences, et des mises en scène hallucinées et parfois cauchemardesques, Steib a décidé de faire front à Hitler. Plus que ne l'a fait aucun autre peintre de son temps, il attaque Hitler par la peinture. Chacun des tableaux est un attentat, un sacrilège extrême contre le Führer, l'Antéchrist, que Steib fait pendre, juger et descendre en enfer... 
 Le côté fortement transgressif de Steib s'inscrit dans la continuité formelle de la peinture de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance mais, par son esprit de révolte, il est en résonance avec la 
Widerstandsmalerei (peinture de résistance) des peintres allemands, vivant en Allemagne ou exilés (Dix, Grosz, Heartfield). Comme eux, et parfois davantage, Joseph Steib " cogne fort " avec ses icônes devenues emblématiques du XXe siècle.

Xavier Veilhan - Le Plein emploi, édition bilingue français-anglais

Plus de livres de Fabrice Hergott

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques