Kehinde Wiley
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Je suis intéressé par l'évolution dans ma pensée. Je ne suis pas intéressé par l'évolution de ma peinture.
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Kehinde Wiley
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Le travail que je voulais créer n'a pas été fait alors. J'étais trop préoccupé par les collègues étudiants, les professeurs, le style institutionnel [à Yale].
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Joseph Gotto, ouais. Juste à tous les artistes les plus inspirants - non pas à cause d'une sorte de direction de contenu spécifique, mais plutôt du respect que j'avais pour son propre travail et la capacité pour lui de traduire ses idées en forme utile pour moi en tant qu'étudiant.
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L'Europe féodale est terminée, mais elle a trouvé son chemin dans la culture cinématographique. Il a trouvé son chemin dans la culture de la peinture postmoderne, et nous en parlons tous aujourd'hui. Il vit toujours. Je ne crois pas aux fantômes, mais ce sont des fantômes contemporains.
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Je pense qu'à son meilleur, la peinture peut être un acte de jonglage de la perception, une salle des miroirs. Et cela peut être un peu déroutant et dispersant. Mais en tant qu'artiste, en tant que l'homme derrière la corde de velours qui contrôle la fumée et les miroirs et la façon dont les choses se déplacent dans l'espace peint, ce que je veux faire est de faire de mon mieux pour être un bon témoin.
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Mes assistants font généralement toutes les fleurs et tous les travaux décoratifs. Je me concentre sur la figure.
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Vous savez, l'un de mes - l'un de mes meilleurs et, je pense, les moments les plus éclairants a été lorsque j'ai été contacté par Michael Jackson. Et il a demandé de peindre son portrait.
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Les attentes du spectateur sont ce que vous demandez. Et les attentes du spectateur sont multiples. Cependant, ils sont très fixes, étant donné qui je suis dans le monde. Les gens ont certaines attentes de moi en tant qu'artiste.
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C'est devenu une question de goût. J'ai un certain goût dans l'histoire de l'art. Et cela - j'avais une énorme bibliothèque de livres d'histoire de l'art dans mon studio. Et je ferais simplement que les modèles traversent ces livres avec moi, et nous avons commencé une conversation sur, comme, ce que la peinture signifie, pourquoi nous le faisons, pourquoi les gens se soucient pourquoi ou comment cela peut signifier ou avoir un sens aujourd'hui.
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J'ai eu des moments où j'ai rencontré des gens qui étaient complets, comme, des idiots, qui ne pouvaient pas comprendre la culture visuelle pour leur sauver la vie.
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J'adore la flexibilité de dire: "Aujourd'hui, nous faisons des peintures de 50 pieds, et nous allons devoir rejoindre les mains et comprendre comment cela va fonctionner." Mais à la fin, c'est une possibilité.
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Il y a quelque chose de vraiment cool à prendre de la pâte de couleur grasse et à la pousser avec ces bâtons poilues et à faire quelque chose qui vous ressemble. C'est la magie de la peinture.
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Pour moi, je voulais créer quelque chose qui est beaucoup plus motivé par un type d'égoïsme, un type de décadence.
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Je me suis appris à peindre les Afro-Américains, surtout les gens à peu près mon teint.
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Je pense que l'une des choses que j'ai prises de Mel [Bochner] était spécifiquement sa capacité à se regarder et à se regarder et à l'histoire de l'art et à la pratique de l'art, la capacité de se retirer cliniquement et froidement de L'image et pour le voir simplement comme un ensemble de règles, d'habitudes, de systèmes, de pièces mobiles.
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Je pense, quelque chose que vous pourriez être en mesure de trouver dans le travail que je crée aujourd'hui: la capacité de considérer une Amérique noire comme quelque chose qui non seulement peut être extrait d'une manière très cynique et froide, mais aussi embrassée d'une manière très personnelle et axée sur l'amour; mais aussi en quelque sorte critiqué.
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J'aimerais marcher cette fine ligne entre l'authentique artiste et le moi de l'artiste fabriqué. J'aimerais exister en dehors d'un ensemble d'attentes ou d'hypothèses sur la marque Kehinde Wiley. Et j'aimerais marcher vers quelque chose qui est un peu plus imprévisible, humain.
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C'était vraiment radicalement inconfortable. Et je n'étais vraiment pas sûr au début de libérer ce corps de travail. Mais plus j'y pensais, plus je pensais que cette position, cet endroit, est quelque chose qui est juste intéressant en soi, comme une expérience, comme un processus. Encore une fois, nous parlons de cette rubrique, de cet ensemble de règles, de cette grille que je jette au-dessus des différents endroits dans le monde. C'est ce qui est sorti d'Afrique.
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Quand je grandissais et j'allais à l'école d'art et que j'apprenais sur l'art afro-américain, une grande partie de l'art politique était très didactique et basée sur les années 60, et un collectif social.
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Vous constaterez que le casting de rue en Amérique est très différent du casting de rue dans différentes nations.
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Je pense qu'il est vraiment utile de créer des paramètres. Le terme que vous utilisez peut être transmis à quelque chose de plus comme une grille, une rubrique, un système que vous appliquez à tous les environnements et, ce faisant, vous créez une situation dans laquelle vous pouvez localiser la couleur locale, les différences locales dans de nouveaux environnements.
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J'étais entouré d'art en raison non seulement des opportunités éducatives que la prévoyance de ma mère m'a profitée.
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Je ne peins des modèles avec une peau noire et brune que depuis les dernières années. Donc, j'ai déjà eu cette expérience, c'est ainsi que je suis venu aux peintures que je fais maintenant.
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Une grande partie de l'histoire de la peinture est la propagande de l'auto-agrandissement.
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C'est quelque chose que, en tant qu'artistes, nous traitons constamment de lancer le passé, de tuer le père et de créer le nouveau. Ce désir de jeter les anciennes règles.
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Mes pairs à l'époque: vous savez, de jeunes enfants noirs des rues de Harlem, ayant ces conversations avec moi dans mon petit petit studio sale à Harlem.
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Les artistes sont ces personnes qui sont assises à l'intersection entre le connu et l'inconnu, le rationnel et l'irrationnel, acceptant certaines des histoires confuses que nous, en tant qu'artistes, traitons.
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Ma mère m'a envoyé à des cours d'art à l'âge de 11 ans. J'ai commencé à faire dire des enfants autour de moi: «Voulez-vous faire des dessins pour moi? Voulez-vous faire une peinture pour moi? Et il a vraiment cliqué.
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Une grande partie de mon travail est définie par la différence entre la figure au premier plan et l'arrière-plan. Très tôt dans ma carrière, je me suis demandé: "Quelle est cette différence?" J'ai commencé à regarder la façon dont une figure au premier plan fonctionne dans les peintures européennes du XVIIIe et du XIXe siècle et j'ai vu ce qui a à voir avec ce que la figure possède ou possède. Je voulais rompre avec ce sens dans lequel il y a la maison, la femme et le bétail, tous représentés dans une égale mesure derrière le gardien.
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Je pense qu'une fois que vous êtes en quelque sorte en quelque sorte en ligne avec qui et comment vous vous liez au monde, vous vous rapprocherez de cet index auquel je fais référence. Parce que ce que vous voulez, c'est cette carte qui se rapporte à ce livre. Ce que vous voulez, c'est cet humain qui se rapporte à ce monde, plutôt que d'avoir cette société d'art scolaire dispersant ce point de vue quelque part entre les deux. Il devient diffusé. Et ce niveau de clarté, je pense, a été gagné au Studio Museum de Harlem.