Vers une esthétique du vide au cinéma

Qu'est-ce que le cinéma invente à partir de la vie quotidienne ? Comment les formes cinématographiques représentent-elles la dimension la plus ordinaire et la plus insaisissable de notre existence ? Du point de vue de la création artistique, on mettra en lumière ce qui s'élabore à partir de la quotidienneté : l'énumération (les listes, les séries), le travail du rythme (à travers les cycles journaliers, les jeux de répétition), les flux (le passage des heures, le vide et le plein, la circulation urbaine), l'étude des gestes et du mouvement des corps. Cette réflexion nous permettra, en dernier lieu, d'interroger les enjeux esthétiques et politiques de la mise en scène d'actions journalières, afin de mieux saisir comment le cinéma nous engage à repenser la question du quotidien.

José Moure est professeur en études cinématographiques à l'Université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages sur le cinéma. Sarah Leperchey est maître de conférences à l'université Paris1 Panthéon-Sorbonne, où elle enseigne l'histoire et l'esthétique du cinéma. Elle a publié deux ouvrages ainsi que plusieurs articles dans des revues scientifiques (Alliage, Contre Bande). Ses recherches récentes portent sur le cinéma contemporain.

Filmer le quotidien

La musique au cinéma semble en pleine phase de mutation, et les questions qu'elle soulève passionnent autant les cinéphiles que les mélomanes : doit-on préférer les partitions originales ou les musiques préexistantes ? des chansons pour commenter l'action ou des scores pour se fondre dans les images ? comment a évolué la musique filmée, qu'en est-il de ses succès et de ses impasses, de ses conventions et de ses audaces ?Pour y répondre, cet ouvrage a convoqué des spécialistes internationaux. Chercheurs infatigables, mais aussi amateurs passionnés, ils ouvrent de nouvelles perspectives en interrogeant les ouvres elles-mêmes, anciennes ou récentes, pour qu'elles révèlent leurs secrets et leurs trésors. Du cinéma populaire américain et de l'industrie bollywoodienne, jusqu'aux exemples plus cinéphiliques de Leos Carax ou de Pedro Almodóvar, du rock à la musique dite minimaliste, en passant par les ouvres fondatrices de Nino Rota ou d'Elvis Presley, ce panorama se veut à la fois éclectique et subjectif, tout en faisant profondément avancer la réflexion sur le sujet. Ces recherches sont complétées par une fructueuse discussion où interviennent des professionnels français, sur l'évolution actuelle de la musique pour l'écran.

Musiques de film : nouveaux enjeux - Rencontre sensible entre deux arts

Il y a des scènes de films que nous connaissons par cour, et des musiques de cinéma que nous pouvons fredonner instantanément. Cette conjonction paraît évidente au spectateur. Mais ce que l'on ignore, et qui sera révélé dans cet ouvrage à travers une série d'entretiens passionnants avec des cinéastes et des compositeurs, ce sont les hasards miraculeux ou les conflits intenses, le travail acharné ou les élans d'inspiration qui ont présidé à d'inoubliables morceaux d'anthologie. L'idée de ce livre, c'est aussi de montrer que la même complicité peut s'instaurer entre les cinéastes et les compositeurs de tous les types de cinéma, des Aventures de Rabbi Jacob mises en musique par Vladimir Cosma aux ouvres exigeantes d'Atom Egoyan et Claire Denis en passant par les succès planétaires des musiques d'Ennio Morricone.

Cinéma et musique, accords parfaits - Dialogues avec des compositeurs et des cinéastes

Cyd Charisse et Fred Astaire marchent côte à côte dans un parc nocturne. Ils traversent sans s'arrêter une piste de danse où évoluent des couples, puis se retrouvent seuls dans un espace éclairé par la lune, tandis que la musique a changé de mélodie. Ils ne marchent déjà plus et ne dansent pas encore. Ce moment iconique de Tous en scène (The Band Wagon, 1953), mis en scène par Vincente Minnelli, produit par Arthur Freed pour la MGM, chorégraphié par Michael Kidd sur une musique d'Arthur Schwartz, est exemplaire d'un genre, le musical classique hollywoodien, qui célèbre l'art de la transition entre un réel quotidien et un imaginaire magique, fantasmé, spectaculaire. 

Comment ce genre cinématographique est-il né et a-t-il évolué ? quelle relation garde-t-il avec ses origines théâtrales ? à quel point a-t-il réussi à conjuguer la singularité d'une vision créatrice et la collaboration d'incomparables savoir-faire ? sous quelle forme se perpétue-t-il jusqu'à aujourd'hui ? Du Chanteur de jazz (1927) à La La Land (2016), en passant par le génie de Busby Berkeley, de Gene Kelly et de Bob Fosse, ou par les réflexions inédites de Ginger Rogers, cet ouvrage qui réunit les meilleurs spécialistes du musical tente de répondre à ces questions, en remontant aux sources de notre bonheur.

Le musical hollywoodien ; histoire, esthétique, création

L'art est animé par une constante recréation. Au coeur de la métamorphose des oeuvres, de la majorité des pratiques d'artistes, elle est aussi l'outil du regardeur. Ce volume prend ce thème à double entrée avec l'état d'esprit d'une esthétique au sens élargi. Car l'esthétique s'ouvre désormais sur un vaste champ culturel, incluant toutes sortes de pratiques jadis cloisonnées. Elle met le concept en tension avec les oeuvres dans une perspective à la fois cognitive et ludique. Elle considère autant la création que la réception, autant le discours des regardeurs plus ou moins spécialisés que celui des praticiens. Dans cette optique, il appert que le créé artistique est toujours en quelque proportion du recréé, tandis que, à l'inverse, ce qui est livré au récepteur appelle de plus en plus sa collaboration. Témoin de cet entrecroisement, de ce partage de créativité, le présent recueil propose aussi une réflexion sur l'écran, lieu par excellence où sont recréés les mondes. L'ouvrage est publié sous la direction de Dominique Chateau, professeur émérite à l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et de José Moure, professeur à l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Il comporte des contributions de Vangelis Athanassopoulos, Dominique Berthet, Filoména Borecka, Dominique Chateau, Richard Conte, Evangelia Dimopoulou, Christophe Genin, François Jost, Kenji Kitayama, Jean-Marc Lachaud, Jacinto Lageira, Agnès Lontrade, José Moure, Salvador Rubio Marco, Pere Salabertet François Soulages.

Esthétique de la récréation

Première star internationale de l'histoire du cinéma, Charlie Chaplin n'a cessé de fasciner, et ce dès l'apparition du personnage de Charlot sur les écrans en 1914. Très vite, les artistes, écrivains et intellectuels d'avant-garde (de Louis Aragon à Walter Benjamin, de Robert Desnos à Alexandre Rodtchenko, de Fernand Léger à Yvan Goll, d'Henri Michaux à Pablo Picasso, de Philippe Soupault à Sergueï M. Eisenstein...) ont reconnu le cinéaste comme l'un des leurs et fait du personnage qu'il a créé à la fois un frère, un modèle et un sujet iconographique et littéraire. Ce sont ces affinités électives entre la modernité de Charlot/ Chaplin (l'un et l'autre se confondent) et celle des avant-gardes artistiques que ce livre invite à explorer en questionnant le dialogue qui s'est noué entre le petit vagabond et la pointe la plus avancée de l'art de son temps, entre des films qui ont fait rire le monde entier et les oeuvres plastiques et poétiques qu'ils ont inspirées ou leur font écho, entre une forme en mouvement, muette, blanche et noire, imprimée dans les sels d'argent de la pellicule et le mythe auquel elle a donné naissance.

Modernités de Charlie Chaplin - Un cinéaste dans l’oeil des avant-gardes

Il y a d'une part les documentaristes à qui l'on pose la question : « Quand est-ce que vous ferez un vrai film ? » Et il y a d'autre part des cinéastes de fiction à qui l'on demande : « Vous n'avez jamais eu envie de filmer la réalité ? » Le débat est aussi vieux que le cinéma lui-même. Peut-on filmer le réel ? Peut-on d'ailleurs filmer autre chose que le réel ? Dans cet ouvrage, ont été interrogés huit cinéastes qui ont l'expérience conjuguée de la fiction et du documentaire. Chacun d'entre eux se penche avec acuité sur le passage de l'un à l'autre, chaque créateur ayant son rapport particulier au réel et à l'imaginaire.

Documentaire et fiction, allers-retours

Le film d'Hirokazu Kore-eda, Une affaire de famille, Palme d'or au Festival de Cannes en 2018, comporte de nombreuses scènes du quotidien, ce qui l'inscrit dans une tradition du cinéma japonais qui, illustrée par de prestigieux cinéastes, tel Yasujirô Ozu, perdure dans le cinéma contemporain. Il s'agit non seulement de montrer le quotidien, mais d'en afficher la japonité. On s'interroge ici sur cette constante cinématographique, sur les particularités culturelles qui la définissent et les modes de son apparition dans divers films majeurs. Adoptant une optique plus large, cette exploration s'étend de la représentation filmique du quotidien à de possibles résonances avec d'autres cinémas, en particulier les cinémas français et antillais-péyi. Implicites ou explicites, historiques, plastiques ou conceptuelles, ces analogies ouvrent la perspective d'une fructueuse comparaison interculturelle.

Vers une esthétique du vide au cinéma

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