Quarante-sept œuvres et documents reproduits en grand format et en couleurs invitent à un parcours passionnant dans l'univers de Pollock. Un texte clair et précis situe son œuvre dans le XXe siècle, montre ses principales découvertes et raconte l'histoire de sa vie.

Pollock - 1912-1956

Depuis toujours, les artistes ont convergé vers les foyers de civilisation que sont certaines villes et ont voulu les représenter, ce qui n'exclut nullement de leur part l'expression d'inquiétudes sur ce que pourrait devenir la cité victime d'un développement anarchique ou d'utopies urbanistiques. Réelle ou imaginaire, déserte ou habitée, la ville est présente dans toute l'histoire de l'art, depuis les fresques de Pompéi jusqu'à nos jours. Après avoir publié L'art dans la ville, Jean-Luc Chalumeau s'attache ici à cette présence constante de la ville dans l'art, montrant notamment que les artistes ont souvent été sensibles à la "désespérante fragilité de la ville" (Charles Baudelaire). Entre les cas extrêmes de Goya, déployant avec complaisance le panorama prestigieux de Madrid, et de Jacques Monory, s'attardant sur la ville d'Hiroshima brutalement anéantie, une immense gamme de possibilités d'interprétations a été utilisée par les artistes, dont ce livre cherche à présenter un ensemble d'exemples significatifs.

La Ville Dans L'Art

Les 200 plus beaux dessins du monde

Le thème de l'art dans la ville est abordé ici sous un angle nouveau. Jusqu'alors perçu comme la question de la seule sculpture dans les lieux publics, ou bien compris comme " l'inscription de l'art dans le site ", ce qui n'évoque encore que des travaux de sculpteurs ou d'environnementalistes, le thème de l'art dans la ville s'élargit dans ce livre d'histoire à l'échelle du siècle et pour le monde entier, à celui des gestes artistiques qui ont apporté de la beauté aux villes. Ces gestes sont principalement dus à des architectes et à de plasticiens d'abord soucieux de se mettre au service de l'homme dans la cité.
A travers soixante exemples significatifs, c'est un parcours dans la ville au XXe siècle qui est proposé selon deux grands axes : l'art au service du corps dans la cité (en tant qu'il façonne le contexte de l'habitat, de la production, de la négociation et des échanges) et l'art au service de l'esprit (connaître, témoigner, communier et croire).
L'ouvrage suggère ainsi les prémisses de l'art dans la ville du XXIe siècle.

L'art dans la ville

Cinquante-cinq chefs-d'œuvre reproduits en grand format et en couleurs invitent à un parcours passionnant dans l'univers de Manet. Un texte clair et précis situe son oeuvre dans le XIXe siècle, montre ses principales découvertes et raconte l'histoire de sa vie.

Manet 1832-1883

Pierre-Marie Lejeune, né en 1954 est sculpteur. Il précise " sculpteur-dessinateur " .Cette double identité revendiquée n'est pas indifférente en un temps où les frontières entre les différentes modes d'expression plastique tendent à disparaître. Mais tout d'abord, qu'est-ce que la sculpture ? Est-ce du modelage, de l'assemblage,de la taille, de la collecte, du concept ? La "sculpture sociale " rêvée par Joseph Beuys - qui a fasciné Pierre Marie Lejeune - a t'elle le moindre point commun avec un emballage de Christo, un environnement en céramique de Jean-Pierre Raynaud, une "nana" de Niki de Saint Phalle ( artiste ayant eu un rôle important, dans l'itinéraire personnel de Pierre Marie Lejeune), ou encore un bloc d'acier Corten de Richard Serra ? Cette monographie fait découvrir un artiste "sculpteur - dessinateur", qui a pris le parti de se former par lui-même en autodidacte, et dont l'originalité et la rupture avec les liens de la sculpture conventionnelle lui permet d'échapper à toute classification .

Pierre-marie lejeune

En partant d'une définition : " Est beau, en définitive, ce qui est digne d'attention ", le livre indique, en peu de mots et en s'appuyant sur les jugements des plus grands historiens de l'art, en quoi chacune des 200 œuvres choisies est plus particulièrement digne d'attention. Etant bien entendu que la beauté d'une œuvre " s'éprouve et ne se prouve pas ", le livre offre au lecteur l'expérience d'un parcours au sein des plus grands musées du monde, parcours au sein duquel se mêlent les plaisirs esthétiques complémentaires de la tradition et de la rupture, depuis le début du XVe siècle (moment de l'histoire où se détache le tableau en tant qu'objet de contemplation jusqu'à nos jours.

Les 200 plus beaux tableaux du monde

Infinis espaces, entre gris, ocres et noirs... Harmonie et déséquilibre... Ce sont les territoires d'art d'Albert Bitran (né en 1931).
Venu d'Istanbul à Paris, à l'âge de 17 ans, pour suivre des études d'architecture qu'il abandonne rapidement pour se consacrer à la peinture, Albert Bitran reste marqué par sa ville et par la Turquie de l'époque. « Ce n'était pas le bleu actuel, fabriqué pour les touristes, mais des gris, des tons sombres, couleurs de poussières, des ocres jaunes, qu'on voit beaucoup dans mes tableaux. Le noir fait partie de ma culture ottomane d'origine. » Peintre précoce, sa première exposition est organisée en 1951. Il côtoie alors l'avant-garde et participe à de nombreuses manifestations consacrées à l'abstraction géométrique. « Mais je trouvais tout cela trop sec, je voulais plus de vérité ».
Il se tourne alors vers une abstraction d'une autre nature, faite à la fois de fi gures abstraites et de détails : des lettres, des petits dessins, des mouvements tirés de l'art fi guratif, des lignes directrices noires, droites ou courbes, dans lesquelles se croisent et se mélangent des formes variées. Parfois, une tache de couleur vive vient rehausser l'ensemble, lui donner un relief qui assure des perspectives très séduisantes, tranchant avec l'horizon brumeux et incertain.
Bitran appartient à cette catégorie d'artistes qui ont voulu profi ter de la grande manufacture d'idées de l'abstraction en France, en Italie ou aux États-Unis, comme Atlan, Fautrier ou Henri Michaux.

Albert Bitran ; de la peinture géométrique à la géométrie de la peinture

Vladimir Velickovic (1935-2019), Serbe naturalisé Français, s'affirme lors de la Biennale de Venise en 1972 comme l'un des plus importants artistes européens. Il offre une alternative au pop art et à l'hyperréalisme qui triomphaient alors. Le Fonds Hélène & Edouard Leclerc pour la Culture organise une rétrospective inédite embrassant la totalité de son oeuvre de peintre et de dessinateur. Velickovic a travaillé pendant deux ans, jusqu'à sa disparition soudaine, en étroite collaboration avec Jean-Luc Chalumeau, commissaire de l'exposition, à cette présentation titrée Legrand style et le tragique. S'y dévoile une peinture de la mort, de l'instant d'avant la mort ou de la souffrance intolérable, qui parvient à son bouleversant témoignage sur la condition humaine grâce à se merise de ce que l'on appelle le "grand style". Peintre sans concession, il n'a atteint ce dernier qu'en méprisant toujours "la beauté petite et brève", selon le mot de Nietzsche. Les contributions originales des auteurs réunis dans ce livre —Amélie Adamo, Jean-Luc Nancy, Michel Onfray, Gérard Titus-Carmel — ainsi que les textes présentés en anthologie, et les nombreuses et étonnantes images d'archives rassemblées ici, contribuent à renouveler le regard porté sur un artiste exceptionnel.

Pollock - 1912-1956

Résumé

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Critiques

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