Edward Weston ; formes de la passion

On dit que Walker Evans (1903-1975) est à la photographie ce qu'Edward Hopper est à la peinture. Tous deux auraient porté un regard décisif sur la modernité américaine. Maître de l'enregistrement photographique, Evans n'a cessé de consigner les signes de son temps : le visage de la passante new-yorkaise comme le fermier d'Alabama, les baraques délabrées et les frontons néoclassiques, les usagers du métro, les affiches déchirées, les objets du quotidien. Ses recherches constantes entre le réalisme documentaire et l'innovation visuelle ont eu une portée inégalée sur le devenir de la photographie.Idéal pour comprendre Walker Evans, ce petit livre pédagogique explique en quinze textes concis et clairs la portée décisive de l'oeuvre.

Walker Evans en 15 questions

William Gedney (1932-1989) est sans doute le photographe le plus mystérieux de la génération américaine parvenue à maturité entre les années 1960 et 1980. Nul doute que son absence volontaire d'autopromotion et sa discrétion expliquent cette situation, mais également l'incompréhension tenace dont a fait preuve à son égard le directeur du département de la Photographie du MoMA, à cette époque le très influent John Szarkowski. Gedney n'eut droit, de son vivant, qu'à quelques rares expositions dans ce musée prestigieux, et jamais seul... Autodidacte, persuadé que la photographie constituait un moyen d'expression aussi efficace que la littérature (il accompagne d'ailleurs son oeuvre de multiples écrits, journaux, critiques, aphorismes, etc.), Gedney est un magnifique photographe de rue, aussi bien porté vers les sujets ruraux - son travail sur le Kentucky, à la fin des années 1950 est exemplaire - qu'urbains : New York, où il vit le plus souvent, lui offre un champ d'action unique, comme à beaucoup de photographes de sa génération. Tenté par la photographie de nuit (bien avant Robert Adams), attaché à la sensualité diffuse qu'il trouve dans ses sujets adolescents, Gedney se construit un style à mille lieux de tout effet spectaculaire - souvent marqué par son rapport intime au monde -, et que dirige de plus en plus son homosexualité cachée, qui ne se révèlera qu'à sa mort : il fut l'une des premières victimes du sida. Ses reportages sur les parades gays dans les années 1980 constituent, avec sa documentation sur les mouvements hippies de San Francisco à la fin des années 1960, la partie la plus riche de son oeuvre. Ses archives complètes ont été déposées à l'université de Duke (Caroline du Nord) par Lee et Maria Friedlander, ses plus proches amis. Ce catalogue, qui accompagne la toute première rétrospective jamais consacrée à William Gedney, révèle la beauté indéniable d'une oeuvre jusqu'ici très secrète.

William Gedney - Only the Lonely, 1955-1984

Antebellum South : de cette appellation qui désigne le sud-est - profond - des Etats-Unis, l'usage a retenu son sens désormais commun, pour ne pas dire réactionnaire : celui du refus de la modernité. Lorsque je m'y suis installé en 1972, et tout au long des années qui suivirent, durant lesquelles, seul ou à deux, je l'ai parcouru jusqu'à l'os, cette aspiration du Vieux Sud à gommer l'époque présente m'a fasciné. J'y ai planté avec jouissance et obstination tous mes fantasmes : sensuels, musicaux, littéraires, photographiques... Au-delà du gel des mots, souvent blessants, et de leur turpitude, suis-je devenu "sudiste" , autrement dit "passéiste" ? J'ai toujours couru aux basques du temps, saisissant chaque occasion bonne à le gommer, à faire oublier vers quel abîme il nous précipite. Antebellum, comme autant de domaines hantés...

Antebellum

Les décennies 1960 et 1980 furent, sans aucun doute, les plus excitantes de l'histoire de la photographie américaine. Les photographes de cette période s'y sont engagés, peut-être pour la
dernière fois, dans l'expérimentation de toutes les possibilités offertes par le travail de défrichement de leurs prédécesseurs, afin de donner à la photographie son statut d'art spécifique. Véritables héros d'une modernité tourmentée, impatiente de se redéfinir ou de se remettre en question, les photographes américains, en quelque vingt folles années, donnèrent à leur art les éclats les plus vifs.
Avec des photographies de :
Robert Adams - Diane Arbus - Lewis Baltz - Thomas Barrow - Harry Callahan - Paul Caponigro - Walter Chappell -William Christenberry - Larry Clark - Linda Connor - Judy Dater - Bruce Davidson
- Joe Deal - Don Donaghy - William Eggleston - Robert Frank - Lee Friedlander - William Gedney - Ralph Gibson - Nan Goldin - Emmet Gowin - Charles Harbutt - Robert Heinecken - Kenneth
Josephson - Les Krims - David Levinthal - Danny Lyon - Mike S. Mandel - Ralph Eugene Meatyard - Ray K. Metzker - Joel Meyerowitz - Duane Michals - Robert Misrach - Joan Myers - Bea Nettles -
Nicholas Nixon - Bill Owens - Tod Papageorge - John Pfahl - Stephen Shore - Aaron Siskind - Charles H.Traub - Arthur Tress - Jerry Uelsmann - Jack Welpott - Henry Wessel Jr - Minor White -
Garry Winogrand. Gilles Mora est spécialiste de la modernité photographique américaine, et l'auteur ou le coauteur de nombreuses monographies, dont Walker Evans, La soif du regard (1993), Edward Weston, Formes de la passion (1995), Charles Sheeler, Une modernité radicale (2002) ou encore Les Photographes de la FSA, Archives d'une Amérique en crise (2006) publiées dans la collection «L'oeuvre photographique» qu'il dirige au Seuil.

La photographie américaine ; 1958-1981

Ce livre est un livre de combat. Autant son auteur déteste les pleurnicheries politico-sentimentales, autant il sait que l'art est toujours engagé dans une lutte inexpiable contre l'esprit de lourdeur et de ressentiment. La photographie nous jette dans un choix brutal. Elle peut être, et au plus haut point, vulgaire, bavarde, soumise. Elle peut être tout le contraire et nous remettre en présence du silence de la terre et des visages. Elle est incapable de demi-mesures. Elle nous contraint à savoir ce que nous voulons.

L'ombre et le temps - Essais sur la photographie comme art

Toutes les matières 3e : 
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Identités de femmes - Florence Chevallier et Aurore Valade

Figure centrale de l'avant-garde photographique européenne, Andreas Müller-Pohle s'est concentré sur le rôle et les conditions de création et de réception de la perception photographique. Ses séries, initiées en 2005, autour de l'eau et de sa fonction écologique vitale, offrent une vision lyrique aussi bien que critique de cette problématique majeure. Müller-Pohle met au point un mode de prise de vue singulièrement original : il photographie mers et rivières "de l'intérieur", soit en captant la houle à ras de l'eau, soit en s'immergeant complètement. Il nous donne ainsi à voir berges, côtes, environnement dans leur état naturel, ou encore l'altération que nos sociétés industrielles leur font subir, au travers de couleurs liquides dans lesquelles le photographe se mêle, voire se confond tout au long d'un véritable "water movie". Ce point de vue extrêmement subjectif constitue, à l'opposé des photographes purement documentaires, factuels et objectifs, caractéristiques de l'"Ecole de Düsseldorf", une approche résolument poétique et novatrice, unique dans la photographie environnementale contemporaine. Elle permet une rêverie bachelardienne autour des milieux aquatiques, tout en conservant un regard profondément critique face à la détérioration écologique d'un élément soumis aux lois dévastatrices de l'industrialisation et de la consommation.

Edward Weston ; formes de la passion

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