Au XIIe siècle, en rupture avec l'art roman grâce à des techniques de construction inédites (la voûte d'ogives, l'arc-boutant...), une nouvelle architecture apparaît qui va dominer et influencer, pendant près de quatre siècles, toutes les autres expressions artistiques (sculpture, vitrail, enluminure, orfèvrerie), avant de susciter un renouveau de la peinture. Ce que les humanistes de la Renaissance ont nommé péjorativement l'art " gothique " va s'articuler en trois grandes périodes : le gothique primitif, le gothique classique et le gothique flamboyant. Partant d'Île-de-France, le style gothique va conquérir toute l'Europe. Ce livre donne des clés de compréhension aussi bien historiques que stylistiques permettant de suivre le développement et l'épanouissement de l'art gothique, tout en présentant et analysant un choix de chefs-d'oeuvre majeurs en France et en Europe.

L'art gothique

Une histoire du patrimone français à travers plus de 250 sites ou monuments selon une approche originale englobant aussi bien les calvaires bretons que les châteaux de la Loire.
Le sommaire est organisé selon un plan chronologique : préhistoire, Antiquité, haut Moyen Âge, âge roman, civilisation gothique, Renaissance, baroque et classicisme, monde moderne et contemporain.
Chaque partie est introduite par un texte synthétique accompagné d'une chronologie comparée situant les sites présentés dans leur contexte historique et social.
Entièrement conçu selon une approche visuelle, l'ouvrage invite à une visite virtuelle des chefs d'oeuvre de notre patrimoine par l'intermédiaire d'une iconographie d'une très grande richesse : près de 500 images toutes accompagnées de commentaires très détaillés.

Larousse des monuments de france

Vous pensiez connaître Antoni Gaudí et son oeuvre sous toutes ses facettes ? Partez à la découverte d'une figure majeure de l'Art nouveau et venez assister à un fascinant spectacle tout droit sorti de son esprit de génie visionnaire et libertaire. La Sagrada Familia, digne héritière des cathédrales médiévales, la Casa Baillé et sa façade spectaculaire, le parc Güell et ses vues panoramiques, El Capricho et ses traits d'une originalité absolue... Autant de chefs-d'oeuvre réalisés par un seul et même architecte hors du commun qui a marqué de son empreinte l'art moderniste catalan. Laissez-vous conter l'histoire de ses réalisations incroyables et venez à la rencontre de leur immense créateur, Antoni Gaudí, dont le style si particulier reposait sur trois piliers : imagination, tradition et innovation. De ses premiers succès avec la Cooperativa Obrera Mataronense ou la Casa Virens à la Sagrada Familia, le projet de sa vie, suivez-le sur ses principaux chantiers, tous révélateurs d'une veine inventive inépuisable, mais aussi témoins utopiques d'une quête mystique, voire métaphysique, inscrite sous le signe de l'inaccessible.

Antoni Gaudi

« Auprès de cette ville-là, toutes les villes deviennent petites : Paris semble grand comme la mer. » Vincent Van Gogh Des cafés aux plus grands monuments, des rues pavées aux jardins d'été, ils sont nombreux depuis le xvie siècle jusqu'aux peintres modernes et contemporains à avoir arpenté et représenté Paris. Signac donna ses plus belles couleurs au pont des Arts, Monet posa sa palette aux Tuileries et au parc Monceau, Vallotton immortalisa les jardins et les bois, la tour Eiffel et Notre-Dame se transformèrent au gré des courants et des mouvements...

Cet album révèle un Paris tantôt flamboyant et prestigieux, tantôt secret et poétique, dans une variation ininterrompue d'atmosphères et d'émotions. Un Paris qui a su attirer les plus grands peintres, et dont il a nourri l'imaginaire. Une promenade enchantée à travers une capitale qui ne cesse de se métamorphoser, à la découverte d'oeuvres magistrales et de coloristes absolument uniques.

Paris des peintres

Claude Monet posa sa palette à Belle-Ile, Pierre-Auguste Renoir fut séduit par Douarnenez, Camille Corot tomba amoureux de Batz-sur-Mer, Paul Gauguin fit des paysages bretons sa muse, Paul Sérusier donna ses plus belles couleurs au Pouldu... C'est ainsi que la Bretagne, ses légendes, ses traditions, ses paysages d'embruns somptueux aux couleurs sereines, mélancoliques ou éclatantes, ses villes et villages à l'atmosphère si particulière, ont charmé quelques-uns des plus grands peintres du XIXe et XXe siècles. Des impressionnistes aux fondateurs de l'art moderne et aux pionniers de l'art contemporain, cet album richement illustré propose une traversée dans la palette et l'imaginaire des artistes qui ont immortalisé une des plus belles régions de France ! Une promenade enchantée à travers une Bretagne sauvage et légendaire, à la découverte d'oeuvres magistrales et de coloristes absolument uniques, à travers lesquels s'invente la modernité picturale.

Les Peintres de la Bretagne

L'art de Marc Chagall transforme le monde visible, les émotions humaines et le royaume du rêve et du souvenir en une inoubliable poésie en images. Né dans la ville biélorusse de Vitebsk, Chagall agrandi dans cette communauté juive profondément enracinée dans la tradition. Il puisera dans la mémoire de son enfance l'essentiel de son inspiration. Lorsqu'en 1911
il s'installe à Paris - lieu de sa "seconde naissance"- ses compagnons de la bohème lui confèrent le titre de poète pour souligner l'originalité d'un art qui allie à la féerie surnaturelle, la tendresse mélancolique.

Chagall 1887-1985

Du Moyen Âge à la période contemporaine, cet ouvrage nous convie à découvrir le dialogue fécond que les arts entretiennent entre eux pour notre plus grand plaisir.
Analysant interactions, jeux d'influence, analogies..., il retrace la chronique des correspondances, préméditées ou fortuites, à travers siècles et pays, théories et idées, oeuvres et symboles.
L'architecture est l'expression visible d'une époque, la seule qui s'impose au regard des contemporains et reste universellement connue. C'est donc sur un édifice emblématique qu'ouvre chaque chapitre, avec une mise en situation historique, prologue à une quête prometteuse et transdisciplinaire.
À partir de cet exemple architectural sont en effet présentées, commentées et illustrées des oeuvres appartenant aux autres champs de la création, qui se croisent ou se répondent : peinture et sculpture, bien sûr, mais aussi littérature ou musique, et même photographie ou cinéma.
Ainsi, dans l'Europe du xvie siècle, le château de Chambord, le Sépulcre de Richier, le Jardin des Délices de Bosch, les chansons de Janequin ou les Essais de Montaigne rendent-ils un compte aussi fidèle que précis des formidables mutations religieuses, politiques et philosophiques du temps.
À l'issue de ce passionnant parcours entre tous les arts d'une époque, le lecteur pourra regarder, écouter, lire autrement ces oeuvres qui l'émeuvent, le transportent, le surprennent, comprenant l'inspiration qui les relie ou les distingue.

Le dialogue des arts

Au gré d'un grand voyage virtuel à travers quelque zoo tableaux répartis dans près de 70 musées différents, le lecteur du présent ouvrage est convié à la découverte d'une sorte de " musée des musées ", d'une collection sélective regroupant les fleurons des grandes institutions culturelles de province. Probablement cette découverte sera-t-elle, pour l'essentiel, placée sous le signe d'une surprise heureuse et renouvelée, tant la richesse de ces fonds provinciaux n'a d'égale que leur variété. Combien de chefs-d'oeuvre universellement connus dans ces musées de province, combien de trésors provinciaux attribués en toute bonne foi aux collections de la capitale ? Par ailleurs, rien n'est-il moins turbulent que l'activité de ces musées dont les fonds ne cessent de croître en quantité et en qualité, moins du fait d'une politique d'achat volontariste que du fait des innombrables donations et legs qui viennent régulièrement accroître leurs fonds ? Au-delà d'un simple parcours à travers l'histoire de la peinture occidentale, ce livre explore également l'histoire et l'évolution de la notion de chef-d'oeuvre depuis le Moyen Age jusqu'à la fin du XIXe siècle.

Chefs d'oeuvre des musées en province

Depuis Claudio Montever-di (1567-1643) et son Orfeo, l'opéra est naturellement associé à la langue italienne, qui s'est rapidement taillée une part prédominante dans toute l'Europe pour ce répertoire. Avec Vincenzo Bellini (1801-1835) et Gaetano Donizetti (1797-1848), la ligne vocale prend toute sa puissance et permet l'avènement du Bel Canto, ce "beau chant" magnifié par un répertoire préfigurant le romantisme. Avec Gioachino Rossini (1792-1868), s'y ajoutent une performance vocale encore plus agile et l'ouverture vers un répertoire plus bouffe, qui réjouira le public. Sous Giuseppe Verdi (1813-1901), l'opéra italien prend une nouvelle ampleur pour migrer vers un genre de plus en plus proche de son temps dans le choix des argumentaires, annonçant le dernier grand mouvement italien marquant : le vérisme avec ses quatre représentants emblématiques que sont Pietro Mascagni (1863-1945), Ruggero Leoncavallo (1857-1919), Umberto Giordano (1967-1948) et Francesco Cilea (1866-1950)...

Opéra italien

Dans les allées des musées d'Orsay ou du Louvre, qui ne s'est jamais déjà arrêté devant un des sublimes tableaux de Manet ? Peintre du monde en mouvement - et de la vie parisienne en particulier, Edgar Degas ne laissait rien au hasard de l'improvisation. Son art, accordant la part belle au réalisme, lui fit faire cause commune avec les Impressionnistes. Redécouvrez les plus belles oeuvres de ce peintre impressionniste : ses huiles, ses pastels, ses sculptures, et bien sûr ses danseuses.

Edouard Manet

Après l'an Mil, l'Europe entre dans un cycle de transformations dont l'art roman est le reflet dans le domaine artistique. Ce mouvement va durer 15o ans et connaître un rayonnement considérable, avec le développement des ordres monastiques. Un style nouveau apparaît, simple et somptueux, nourri par la foi chrétienne, qui va produire d'innombrables chefs-d'oeuvre en France, puis s'étendre à toute l'Europe. Cet essor et ces transformations vont toucher tout autant l'architecture religieuse et civile que la sculpture, la peinture, le vitrail, l'orfèvrerie, la musique, la littérature... tous ces arts réunis au sein de l'église, image mystique de l'univers. Ce livre propose une synthèse de la période romane, replace dans leur contexte historique ses enjeux artistiques, politiques et religieux ainsi que ses principales tendances et évolutions. Il donne les clés de compréhension qui permettent d'identifier les caractéristiques de ce style, à travers la présentation et l'analyse de réalisations majeures.

L'art roman

Musique et arts visuels

À l’occasion de la rétrospective Edgar Degas (1834-1917) au Musée d’Orsay du 13 mars au 1er juillet 2012, découvrez la vie et les œuvres capitales de cet artiste qui n’aura de cesse, tout au long de sa carrière, de « piéger le mouvement ».Si Degas fait officiellement partie des impressionnistes, contrairement à eux il ne veut pas peindre en plein air.L'ensemble de son œuvre se caractérise par une approche objective des sujets traités (la danse, le monde du travail, la toilette des femmes…), l'extrême souci du réalisme, du dessin exact et la recherche et l'étude du mouvement.À la manière de la photographie naissante qu'il pratiqua avec succès, il tente de fixer le mouvement au travers de poses naturelles et spontanées, saisies dans l’intimité.Alors qu’il devient aveugle, et tout en continuant à travailler sur la thématique des danseuses, il se met à la sculpture avec ce même souci de fixer l’instantané. De L’Orchestre de l’Opéra à l’Absinthe, de l’Examen de danse au Défilé, d’Après le bain à la Femme s’essuyant, les reproductions de ses plus grands chefs-d’œuvre montrent comment Degas a su repousser les champs habituels de la représentation.

Découvrir Degas

De la Chine ancienne à nos jours, de l'Europe au continent américain, de l'art du céramiste à la danse ou de la peinture à la musique, le jeu des correspondances entre les disciplines artistiques s'est perpétué à l'infini, s'inscrivant dans un temps chargé de symboles, à travers des rythmes simples ou complexes. Ce sont ces croisements, ces interpénétrations, ces rencontres parfois insolites que le présent volume contribue à cerner, sur la base de divers travaux comparatistes et de plusieurs sources encore inédites.

En échos aux nombreuses recherches de l'équipe Musique et arts plastiques, créée par Michèle Barbe en 1989 à l'Observatoire musical français de Paris-Sorbonne, dépassant la simple intuition ou l'illusion des analogies, ancrées toutefois avec réalisme dans les différents contextes historiques, ces pages, ouvertes à l'approche vertigineuse des mécanismes de la création, se veulent un hommage interdisciplinaire et toujours prospectif à trente-cinq ans de présence dans cette université.

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