Grande monographie avec plusieurs essais et plus de 300 illustrations couleur : une vue d'ensemble d'une oeuvre qui, entre valorisation esthétique d'objets du quotidien et dévaluation des emblèmes traditionnels de l'art, interroge en même temps les représentations des déterminismes de l'individu dans le monde socio-économique contemporain et les possibilités d'une émancipation, à laquelle l'art participe.

Franck Scurti - Home-Street-Museum

Ahmed Cherkaoui a développé un langage personnel inspiré du vocabulaire du signe berbère tatoué, gravé, tissé, reproduit à travers des oeuvres picturales et graphiques. Il a conduit ses expérimentations artistiques entre Paris et le Maroc autour du signe tracé et du geste peint. Ouvres majeures ou moins connues du public, issues de collection privées ou institutionnelles, marocaines ou internationales, l'oeuvre de Cherkaoui est restituée à travers un parcours chronologique mettant en lumière le développement de sa recherche picturale, dans cet ouvrage catalogue et livre synthèse où figurent des essais thématiques, des textes historiques majeurs, des témoignages inédits ainsi que de la documentation sur le cheminement de l'artiste. Ahmed Cherkaoui est considéré, aux côtés de Jilali Gharbaoui, comme le précurseur de la peinture moderne au Maroc, dont il incarne l'un des moments les plus importants de l'histoire. Né en octobre 1934 à Boujad (région de la Chaouia), c'est à Casablanca qu'Ahmed Cherkaoui poursuit ses études puis s'initie au métier de calligraphe auprès d'un maître renommé. En 1956, il intègre l'Ecole des Métiers d'Art de Paris, section arts graphiques, où il se consacre à l'étude des techniques de la lettre, de la décoration et de l'affiche. Ces années sont aussi celles d'une expérimentation secrète et solitaire de la peinture. En 1960, il intègre les Beaux-arts de Paris au sein de l'atelier d'Aujame et se fait rapidement une place au sein du groupe de l'Ecole. De passage par Varsovie en 1961 au sein de l'Académie des Beaux-arts, Cherkaoui se mesure aux recherches graphiques de l'avant-garde polonaise et réalise l'importance du signe dans sa création. En 1966-1967, son travail se caractérise par l'union entre ses deux sensibilités : le signe tracé et le signe formel. En 1967, Cherkaoui envisage son retour au Maroc. Il décède la même année en août, laissant derrière lui une production de près de 200 oeuvres.

Ahmed Cherkaoui - Entre modernité et enracinement

"J'ai choisi la peinture, elle m'était aussi nécessaire que la nourriture. Elle me paraissait comme une fenêtre à travers laquelle je m'envolerais vers un autre monde." Marc Chagall.

Richter monographie

Le 5e numéro de la grande revue annuelle d'histoire et de théorie de l'art publiée par le Mamco de Genève est entièrement consacré à Philippe Thomas (textes de Michel Gauthier, Jean-Philippe Antoine, Robert Storr, Christophe Kihm, Erik Verhagen, Claire Fontaine, Bernard Blistène, Daniel Soutif, Ghislain Mollet-Viéville...).

Retour d'y voir N° 5

En 2004, Saâdane Afif (né en 1970), alors que son art a moins d'une dizaine d'années d'existence, prend une étonnante décision : ses oeuvres - sculptures, peintures, installations - seront également des chansons, dont il passe commande à des paroliers et compositeurs. Les paroles de chanson se substituent ainsi, sur les murs des galeries et des musées, aux énoncés de l'art conceptuel. Ces oeuvres qui engendrent des pop songs, donnant lieu à la fête collective qu'est le concert, sont, véritables Vanités contemporaines, empreintes d'une profonde mélancolie. Saâdane Afif nous apparaît de la sorte sous un double visage : l'enfant de Saturne - têtes de mort, tic tac des horloges - et l'artiste qui multiplie les versions de ses oeuvres - poèmes, chansons, mais aussi remakes. Quel rapport y a-t-il entre ces deux dimensions ? Dans une société du spectacle et de la communication qui voue l'art à cette mort qu'est la réification, les chansons et remakes de Saâdane Afif, en évitant que l'oeuvre ne se laisse enfermer dans un seul objet, une seule forme, sous un seul concept, entendent peut-être se donner la chance de rester en vie. Contre la mélancolie, l'artiste joue le jeu infini de la traduction, de la transcription, des interprétations plurielles. Contre Saturne, l'artiste imagine une Babel heureuse.

Saâdane Afif : Saturne et les remakes

Claude Closky, 8002-9891

Monographie de référence, amplement illustrée et documentée, des premiers dessins aux ultimes installations de l'artiste, avec des notices accompagnant chacune des quelque 200 pièces reproduites, un carnet de dessins, un entretien avec Hans Ulrich Obrist et des essais originaux de Michel Gauthier, Patrick Javault et Fabio Viscogliosi.

Hugues Reip

L'artiste Farid Belkahia (1934-2014), de retour d'Europe où il a fait ses études à Paris puis à Prague, prend la direction de l'Ecole des beaux-arts de Casablanca en 1962. Il entame à cette occasion une expérience artistique et un travail de réflexion fondamentaux sur les nouvelles voies d'accès à la modernité. S'entourant d'une équipe qui partage sa vision, Farid Belkahia fait appel en 1964 à deux artistes marocains, Mohamed Melehi et Mohamed Chabâa, et à deux historiens de l'art, l'Italienne Toni Maraini et le Néerlandais Bert Flint.
Ces figures historiques ont évolué dans les lieux de pratique artistique moderne d'après-guerre en Europe et en Amérique du Nord. Ensemble, ils vont initier à l'Ecole des beaux-arts de Casablanca une pédagogie novatrice fondée sur la réappropriation des arts traditionnels et leur régénération, pour faire émerger une création artistique moderne ancrée dans la culture locale, émancipée des pratiques artistiques académiques et ouverte sur le monde.
C'est à travers cette expérience pédagogique partagée qu'une communauté esthétique dite "Groupe de Casablanca" va élaborer La modernité artistique postcoloniale au Maroc. Cette publication collective est réalisée à l'initiative de la Fondation Farid Belkahia à l'occasion de la présentation de l'exposition "Farid Belkahia et l'Ecole des beaux-arts de Casablanca. 1962-1974" à son musée Mathaf à Marrakech (Maroc) en 2018.

Farid Belkahia et l'école de Casablanca

"Mes tableaux sont sans objet ; mais comme tout objet, ils sont l'objet d'eux-mêmes. Ils n'ont par conséquent ni contenu, ni signification, ni sens ; ils sont comme les choses, les arbres, les animaux, les hommes ou les jours qui, eux aussi n'ont ni raison d'être, ni fin, ni but. Voilà quel est l'enjeu." Gerhard Richter, 1984

Gerhard Richter

L'oeuvre fonctionne souvent comme le point focal de la scène où elle s'expose. Cependant, il existe des travaux qui remettent en cause cette focalité de l'oeuvre et le pouvoir qui s'y attache. L'ouvrage de Michel Gauthier étudie ceux d'Elisabeth Ballet, de Jessica Stockholder, de Claude Rutault, de Peter Downsbrough et de Cécile Bart.

L'Anarchème

Xavier Veilhan - Le Plein emploi, édition bilingue français-anglais

L'exposition SUD-EST organisée à la Fondation Vasarely d'Aix-en-Provence (qui est un peu la Chapelle Sixtine de l'optico-cinétisme) s'est proposée de donner à comprendre comment après-guerre, alors que l'expressionnisme abstrait et l'art informel étaient devenus dominants, s'est opérée la renaissance du projet moderniste des avant-gardes historiques qu'avait incarné l'esthétique constructiviste.
Grâce à un ensemble d'oeuvres d'une vingtaine de représentants majeurs de l'art optique et cinétique, l'ouvrage montre combien les modernités longtemps considérées « périphériques » furent en réalité centrales dans ce néo-constructivisme, et plus largement à quel point l'apport de l'Amérique du Sud et de l'Europe de l'Est fut décisif dans l'histoire de l'art de la seconde moitié du XXe siècle.

Sud-est le constructivisme en héritage

Système euphonique et rythmique du vers

Depuis 1969, Bertrand Lavier déstabilise les codes et les catégories, avec un esprit et une virtuosité qui n'appartiennent qu'à lui. Le Centre Pompidou présente, en une cinquantaine de pièces, un parcours qui met en évidence sa méthode, la greffe, et les principaux thèmes qui structurent son art. Peintures figuratives "sur le motif", prenant leur sujet pour support, superpositions d'objets régies par des rapports formels, ours en peluche ou skate-board soclés comme dans les musées d'art primitif, répliques en bronze nickelé de statuettes africaines ou peintures et sculptures d'après Malt Disney, voilà quelques-unes des propositions analysées dans cet ouvrage de référence qui permet de comprendre la place essentielle que tient Lavier dans l'art d'aujourd'hui.

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