A la croisée de l'intelligence artificielle, de la robotique et de la génétique, les processus générés par Bernard Pourrière restent largement ouverts, au sens où l'auditeur/spectateur se trouve nécessairement confronté à une part d'inattendu, d'inentendu. Alors que de nombreuses oeuvres basées sur les nouvelles technologies ont tendance à se refermer sur des objets clos, il en va tout autrement dans ses installations interactives et performances sonores, qui intègrent de plein droit les notions de jeu et de flexibilité.

Bernard Pourrière

Depuis les années 1950, le concept d’« œuvre ouverte » a constitué un axe majeur des recherches entreprises dans les différentes disciplines artistiques. Les artistes créateurs ont utilisé quantité de termes que cette notion générale permet de regrouper : aléatoire, variabilité, mobilité, etc. Mais quelles que soient les désignations utilisée,  il s’agissait pour chacun d’eux, à travers des remises en causes radicales, de questionner le statut du créateur telle que l’avait défini – et sacralisé – le XIXe siècle, celui de l’œuvre comme organisation close, reposant sur des règles préétablies, fruit  de l’imagination d’un individu unique, et enfin celui, souvent passif, du public, du récepteur, voire du consommateur de l’oeuvre. Pour ce faire, les artistes ont parfois détourné des genres anciens, parfois inventé de toutes pièces de nouveaux genres : musique aléatoire, tableau-objet, installation, happening, architecture mobile, etc.

L'oeuvre ouverte, d'un art à l'autre

S'il est un mot qui semble approprié à la période des années 1960, c'est bien celui de contestation. Ainsi les divers bouleversements qui se sont opérés dans le domaine de la musique, et qui reflètent assez fidèlement les grands mouvements sociaux, sont-ils passés en revue dans cet ouvrage, à partir des expérimentations concrètes des groupes et des compositeurs les plus représentatifs de l'époque. Stimulés notamment par les membres de l'Ecole de New York (Cage, Feldman, Wolff, Brown), un certain nombre de musiciens européens, tels C. Cardew et F. Rzewski, commencent à récuser les avant-gardes établies et les institutions musicales. Gagnés par l'esprit de liberté qui s'est emparé de l'ensemble de la société, ils vont reconsidérer la notion d'oeuvre et les rapports entre compositeurs, interprètes et auditeurs, mettant par exemple leur engagement au service des pratiques de l'improvisation et de la création collective. C'est alors que naissent, tant aux Etats-Unis qu'en Europe, des groupes comme ONCE, New Music Ensemble, Musica Elettronica Viva, le Scratch Orchestra, le GERM, le New Phonic Art. Bien que très actifs, ces ensembles avaient été rarement évoqués dans des ouvrages en langue française. Une telle investigation est d'autant plus nécessaire aujourd'hui que, depuis plus d'une quarantaine d'années, le paysage musical se partage entre une confiance d'une naïveté souvent désarmante dans les progrès de la technologie et la restauration d'un certain nombre de valeurs remises en question par les courants les plus novateurs du XXe siècle.

Musique et contestation - La création musicale contemporaine dans les années 1960

Peu de régions ont eu, comme la Bretagne, leur nom associé à l'histoire de l'Art de ces deux derniers siècles. Avec une géographie péninsulaire morcelée par un réseau de rivières des plus dense, avec ses coutumes et sa culture longtemps à l'abri derrière ses frontières océaniques, la Bretagne aurait pu rester à l'écart des grands courants de la création artistique récente. Ce fut pourtant l'inverse qui se produisit, faisant d'elle une terre d'élection de la création contemporaine. On pouvait craindre que Pont-Aven et " l'Après-Pont-Aven " aient comme effet d'occulter la créativité à venir. Bien au contraire, les dernières décennies ont confirmé l'extraordinaire vitalité de la création en Bretagne. La présence des artistes, la densité de leur implantation, en est le signe. La permanence et la force de leur activité ont fait naître et vivre un environnement d'ateliers, d'écoles d'artistes, de galeries, de centres d'art, de musées et de manifestations dans le paysage breton, illustrant la profonde diversité à l'oeuvre sur tout le territoire. Car, loin de se contenter de cultiver et d'entretenir ce que l'histoire de l'art récente avait légué, la Bretagne s'est ouverte aux courants de la création contemporaine. Jean-Yves Bosseur nous propose ici une rencontre avec tous ces artistes qui font l'actualité de la création dans les arts plastiques en Bretagne. Un portrait d'une Bretagne artistique enracinée dans ce Finis Terrae de l'Europe, la tête et les sens bien ouverts aux vents de la création de notre époque.

La Bretagne et les arts plastiques contemporains - Les lieux d'exposition et de diffusion

Le Temps De Le Prendre. Journal Musical (1967/ ....)

Revolutions musicales

Par-delà toute prise de position idéologique ou politicienne, la réflexion sur l'écologie est devenue de plus en plus présente dans notre société contemporaine, et les musiciens n'ont pas tardé à se sentir fortement concernés, ce qui a suscité, de leur part, des réponses de multiples natures. Certains compositeurs ont cherché à investir des lieux plus ouverts que la traditionnelle salle de concert, tandis que d'autres ont eu recours aux moyens technologiques et médiatiques les plus récents pour capter et diffuser les sons qui nous entourent afin de les reprendre à leur compte ou de dialoguer avec eux, voire les révéler tels quels. La musique ayant de plus en plus tendance à envahir notre quotidien, d'autres encore ont entrepris de créer de nouveaux types d'environnement et de signalétique sonores. Et ces tentatives s'accompagnent fréquemment de confrontations avec différentes disciplines artistiques. L'initiateur d'une telle démarche n'était-il pas Erik Satie avec sa "musique d'ameublement" ? Mais qu'aurait-il pensé du matraquage de la Muzak quelques décennies plus tard ?

Musique et environnement

Votre Faust est une "fantaisie variable genre opéra". Cette dénomination, choisie par ses deux auteurs, Michel Butor et Henri Pousseur, témoigne de sa singularité. Lors de chaque représentation, le public est invité à modifier l'intrigue et la musique en votant et en criant. La collaboration étroite entre Michel Butor et Henri Pousseur, leur vision commune de l'oeuvre ouverte et engagée font de Votre Faust une pièce tant attrayante que déstabilisante. Marion Coste a été dramaturge pour la mise en scène française d'Aliénor Dauchez. Elle a fait le choix d'expliquer cette oeuvre complexe de l'intérieur, à partir des difficultés, des surprises et des joies rencontrées par les comédiens et les musiciens, sans pour autant renoncer à une approche technique du texte et de la partition. La première partie du livre permet d'explorer cette pièce, d'en fouiller l'immense intertexte littéraire et musical, et d'appréhender le fonctionnement participatif de l'écriture. L'accent est mis sur l'expérience sociale que constitue Votre Faust, sur scène et dans la salle. La seconde partie contient l'intégralité des entretiens réalisés avec une partie des musiciens, des comédiens, des techniciens et du public.

Votre Faust, la création en partage - Etude de la mise en scène d'Aliénor Dauchez : Votre Faust d'Henri Pousseur et Michel Butor

John Cage

Du son au signe, Histoire de la notation musicale

"Acousmatique", "cluster", "hétérophonie", "musique concrète", "paysage sonore", "stochastique"... Voici un répertoire alphabétique des termes clés se rapportant à la théorie et à la pratique de la musique des XXe et XXIe siècles. Un commentaire clair et rigoureux cerne les notions évoquées et fournit à l'appui près de deux cents définitions parmi les plus pertinentes données par des compositeurs et des musicologues contemporains. Des renvois d'une rubrique à l'autre et un index final facilitent le parcours des nouvelles conceptions introduites par les créateurs. Pratique et richement informé, ce Vocabulaire constitue ainsi un instrument de travail commode, en même temps qu'un panorama vivant des tendances de la musique d'aujourd'hui.

Vocabulaire de la musique contemporaine

A travers cet ouvrage, se raconte l'histoire du long fleuve " non tranquille " qu'est la notation musicale et se discutent les enjeux de sa stabilisation, de sa remise en cause et de la naissance de nouveaux principes de transcription. Les auteurs ont interrogé les sources pour comprendre comment la " notation moderne " a dû se construire parallèlement à la survivance de l'écriture proportionnelle de la Renaissance, des tablatures et d'autres conventions archaïsantes ; comment, au-delà de la nécessité d'un " universalisme " rassurant qui émerge vers 1750 et perdure sur une large partie du XIX siècle, elle est restée attentive à une identité nationale culturelle ; comment, pour répondre aux exigences des nouvelles formes d'expression du XXe siècle, se sont développés d'autres procédés de notation faisant appel au graphisme et au verbe, parfois dans une optique raisonnable et constructive, parfois dans un esprit, contestataire peu propice à la pérennisation. L'individualisme des courants, leurs contradictions internes, la subtilité des conventions supposées connues et dénaturées n'ont pas notre démarche. Mais la simplicité ne sied pas à l'histoire de la notation musicale, qui n'est rien moins que le miraculeux résultat d'une codification à vocation " universelle " des formes d'expression les plus diverses de la; pensée musicale, en somme une sotte d'utopie dont la survie dépend d'une sagesse consensuelle.

Histoire de la notation - De l'époque baroque à nos jours

L'œuvre de John Cage restera sans doute longtemps un défi lancé au monde musical et à ses conventions. Sa démarche a été trop souvent caricaturée, réduite à une simple provocation. En réalité, elle manifeste l'émergence d'un authentique esprit musical, inséparable d'une philosophie de la vie où s'interpénètrent l'art et le quotidien. Inventeur du "piano préparé", Cage est aussi l'initiateur de courants artistiques majeurs de l'après-guerre et de formes d'expression comme le "happening", la "performance", les installations multimédias, etc.
Nous ne connaissons en définitive qu'assez peu de chose de cette œuvre polymorphe orientée tantôt vers la musique, tantôt vers la poésie ou les arts graphiques. Son extrême diversité implique un véritable dépassement des catégories artistiques. Cage n'était pas l'homme de la prise de pouvoir sur les gens ou les sons. Sans en avoir l'air, sans vouloir rien imposer, il nous a appris à écouter, à être disponible à ce qui nous entoure, par-delà nos goûts et nos a priori culturels.
À une époque où l'on n'en finit pas de perpétrer le vieux mythe néo-romantique de l'Artiste et la sacralisation de l'Œuvre d'art, le vrai scandale Cage réside peut-être bien là.

A de multiples niveaux, la musique entretient des relations d'échange avec le phénomène visuel (notation, espace scénique, lutherie, supports de diffusion comme le disque, la vidéo...), questionnant des frontières entre art de l'espace, du temps et du mouvement. Entretiens avec John Cage, Iannis Xenakis, Max Neuhaus, Takis, Wolf Vostell, Milan Knizak, Nam June Paik, Stan Douglas...

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