Marco Tirelli

L'univers de Kimsooja, artiste née Taegu en Corée en 1957, 
connue pour ses performances filmées et projections multi-
écrans, est caractérisé par une modestie de moyen, un 
effacement de l'artiste, au profit d'une évidence et d'une 
simplicité s'incarnant formellement dans des flux et des lignes. 
Dans toutes ses vidéos, Kimsooja est filmée de dos. Parfois 
elle disparaît même complètement, laissant aux éléments 
naturels le soin d'évoquer l'immobile et le mouvant (Farth, 
Air, Wuer, Fire). Sur les écrans de ses vidéos, l'artiste est le 
point de fixation du regard au milieu d'une vie qui s'écoule 
tout autour. Les gens la dépassent, l'ignorent, la croisent, 
poursuivent, pendant qu'elle reste et demeure. Elle incarne à la 
fois un total détachement vis-à-vis du monde concret qui 
l'entoure et une espèce de force têtue la poussant à s'accrocher, 
à faire partie de ce monde, quoi qu'il en soit. La Femme 
aiguille des vidéos de A Needle Wornan est aussi celle qui 
rassemble les morceaux épars d'une réalité pour retisser les 
liens entre eux. Elle, toujours identique, intègre les mondes 
concrets de Cuba, du Népal, de Rio de Janeiro, du Tchad, du 
Yemen et de Jérusalem. Elle devient la ligne les reliant, à la 
recherche du plus petit dénominateur commun : l'Humanité. 
La poésie et la méditation demeurent les instruments qui 
permettent à Kimsooja d'évoquer sans cynisme ni colère le 
monde telle qu'elle l'éprouve, à la fois totalement étranger et 
violent d'un côté, profondément humain de l'autre.

Kimsooja

Adrian Schiess

Paris, le 28 mai 1967. Le dessein de Jean-Jacques Lebel me semble un des plus stimulants qu'un cinéaste puisse aujourd'hui se proposer. On sait quelle est, dans la plupart des expressions contemporaines, l'importance de "l'oeuvre ouverte" : envisager, de front, sans détours ni faux-fuyants, les questions que pose cette "ouverture" à l'univers esthétique, clos semblait-il inéluctablement, du cinéma - un tel projet est de ceux qui doivent devenir réalité : l'expérience, picturale et scénique, aussi bien que le fervent de Jean-Jacques Lebel sont à mon avis les meilleurs garants de la rectitude et de la loyauté avec lesquelles les périls, inhérents à toute aventure véritable, seront affrontés. Jacques Rivette.

Jean-Jacques Lebel - Peintures / Collages / Assemblages, 1955/2012

" Après plusieurs heures passées dans l'atelier, l'apothéose esthétique qui m'entoure délivre encore un singulier message. Rendue par incubation comme il se doit, la prise d'oracle a lieu sans pythie, sans exhalaisons prophétiques : le passage me dit-elle est son sésame et le désir de fixité une forme dérivée de répulsion à l'égard du devenir. Une évidence rendue sensible chaque fois que Christian Lhopital décide de prendre l'image de vitesse pour, à l'intérieur d'elle-même, en excéder le représenté. Pareillement quand d'un point à l'autre de son dessin, l'instant chronologique n'est déjà plus le même, et que sa charge cinétique évoluant de ce qui n'est plus vers ce qui n'est pas encore, s'avance du révolu à l'imminent, y retourne parfois ou entre - mêle les deux termes dans un mouvement à vous scier les rotules, écartant le fixe et l'immuable au passage. Ainsi Christian Lhopital nous délivre-t-il, en plus d'une aide cardinale pour la philosophie et la vue, une fantastique danse du temps tracé, rien moins qu'un acte puissant de libération sur l'invisible. " Malek Abbou.

Christian Lhopital - Splendeur et désolation

L'exposition de Bertrand Lavier propose une installation 
inédite. Composition en quatre couleurs, détail. 225 m2 de 
moquette. Un dessin et quatre couleurs, jaune, bleu, noir, 
orange. Un motif familier. Difficile à identifier lorsqu'on 
déambule autour de la pièce. La moquette est posée à 40 cm 
du sol, sur un socle, et notre vision en est parcellaire, 
affleurante. Bertrand Lavier poursuit son travail de 
"déviation". Recadrer un motif, transformer sa matière, en 
modifier les couleurs : le terrain de basket devient un tableau 
abstrait monumental, ou bien une sculpture plate, un objet non 
identifié dans tous les cas, qui s'élève ainsi à la catégorie de 
l'oeuvre d'art. Son oeuvre se consacre chaque fois à introduire 
un dysfonctionnement dans notre perception de la réalité : des 
objets ready-made sont recouverts de peinture ou empilés, sont 
retournés, à l'envers. Le regardeur doute de ce qui lui est offert 
à contempler. Quel mécanisme du regard doit-il déclencher : 
contemplation esthétique ? Regard auto-réflexif sur les 
caractéristiques de l'oeuvre d'art ? Pensée critique sur l'art 
contemporain, sur l'art conceptuel, sur les ready-made ? 
Regard amusé sur le jeu des catégories et sur l'impact de 
l'image, de l'objet de consommation, sur le loisir et la culture ? 
Peu importe finalement, l'oeuvre de Bertrand Lavier déclenche 
une multitude de pistes, toutes à explorer, elle constitue un 
stimulus à la pensée et au regard.

Bertrand Lavier

Fiat Flux - La nébuleuse Fluxus (1962-1978)

La Fondation VOLUME ! sort des frontières italiennes pour la première fois et est accueillie au Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne avec l'exposition "Passages" qui raconte l'activité réalisée à partir de 1997 dans un ancien atelier vitrier au centre de Rome, au coeur du quartier Trastevere, devenu un espace dédié à l'art. "Passages" se presente comme un parcours dans l'histoire de VOLUME ! qui se déroule dans les vastes salles du musée, en mettant en évidence son aspect de lieu en continuelle transformation qui a vu la contribution des plus importants noms de l'art contemporain, qui ont eu la possibilité de travailler en complète autonomie, de modifier l'espace sans interférences et d'offrir leurs ouvres au public. Un modus operandi qui s'applique aux contextes les plus divers, en liant art et architecture. Parmi les artistes qui ont collaboré avec la Fondation : Kounellis, Gianni Dessì, Gilberto Zorio, Nunzio, Bizhan Bassiri,Francois Morellet, Pizzi Cannella, Mimmo Paladino, Gregorio Botta, Arcangelo, Giuseppe Gallo, HH Lim, Bruno Ceccobelli, Marco Gastini, Michele Zaza, Elvio Chiricozzi, Giuseppe Maraniello, Pedro Cabrita Reis, Christian Boltanski, Fabio Mauri, Costa Vece, Flavio Favelli, Jimmie Durham, Jaume Plensa, Olaf Nicolai, Rui Chafes, Michele De Lucchi, Valery Koshlyakov, Santiago Sierra et Regina Josè Galindo. Un livre est publié à l'occasion de cette exposition pour raconter la vie de VOLUME ! de 1997 à aujourd'hui, un livre d'images qui en raconte l'histoire, recueillant les témoignages de quelques-uns de ses protagonistes les plus illustres, traçant le parcours d'une aventure privée qui a su acquérir une dimension publique.

Volume! - 1997... Today

L'œuvre de Pascal Pinaud se construit par strates superposées de séries produites de façon simultanée. Un système à la fois ludique et déroutant, rigoureux et laborieux est ainsi enrichi au fil du temps, avec des techniques et des matériaux très variés. Les repères et les conventions établies au sein des sphères de l'art et de l'artisanat sont brouillés, dans une liberté de références dépourvue de toute hiérarchie. L'incertitude qui est donnée à voir fonctionne comme une nouvelle ouverture, à la fois absolument critique (la remise en question perpétuelle) et absolument libre (la prise en compte de tout ou n'importe quoi, sans a priori). The work of Pascal Pinaud builds itsetf up with stacked up loyers of simultaneously produced series. The system, both playful and disconcerting, rigorous and laborious, grows therefore in time, intensifying the variety of the techniques and materials used. The reference marks and the conventions established
for art and handicraffs are mixed up, and the referential system finds itsetf freed from all hierarchy. The uncertainty which is then offered to the viewer functions as a new break, towards a sphere of both absolute criticism (everything has to be questionedl, and absolute freedom (everything has to be observed and thought of, without any a priori).

Marco Tirelli

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