L 'Homme De Dos

Les voies de la creation theatrale 13 brook

Le costume de théâtre dans la mise en scène contemporaine - Avec diapositives

Ici la solution est fausse et la victoire trompeuse. Les maîtres perdent sans trahir et Lopakhine gagne en décapitant ce qu'il aime le plus au monde, la cerisaie. Au cœur de l'affrontement entre le symbolique et l'économique, la parabole du verger insauvable s'érige en énigme du siècle. Qui l'emportera ? A quel prix ? Et la victoire, quelles défaites présage-t-elle ? Ces interrogations reviennent dans le livre de Georges Banu qui se place entre le texte et la scène, entre le centre tchékhovien et ces satellites que sont les grandes représentations qui ont marqué les trente dernières années. Il s'appuie sur la connaissance directe des spectacles de Brook et Strehler, de Stein et Langhoff, de Lassalle et Serban, d'Efros et Zadek. Son "cahier de spectateur" témoigne de l'intimité d'un compagnonnage à même d'allier aux découvertes de ces Cerisaie exemplaires les aveux autobiographiques et les réflexions sur le théâtre inspirées par le destin du verger. Le théâtre, lui aussi, n'est-il pas menacé par les mêmes coups de butoir de la logique marchande et de la vitesse des loisirs ? Notre théâtre, La Cerisaie - cette assimilation traverse le livre de Georges Banu.
Le Temps du théâtre explore les lieux de résistance où le théâtre forge ses raisons d'espérer. Une série d'essais où la pensée s'implique dans les destins de la scène contemporaine.

Notre théâtre, "La Cerisaie" - Cahier de spectateur

Dès la fin du festival d'Avignon 2005, il nous est apparu que cette édition n'avait pas fini de faire parler. La rentrée et la saison qui s'est engagée ne nous ont pas donné tort. Le paysage théâtral dans sa globalité ne sort pas indemne de ce qui s'est passé, dit, pensé durant cette édition. Derrière les attaques souvent trop affectives de ce qui s'est trouvé (un peu vite) désigné comme une "querelle des anciens et des modernes", une opposition frontale entre textes et images, nous sentons poindre les signes d'une véritable transformation du spectacle vivant, et, partant, des différentes disciplines qu'il côtoie et intègre. On a beaucoup entendu que l'évolution des arts vivants manquait de lisibilité — d'où notre souci de répondre à la confusion guerrière instaurée par des réflexions polémiques pour éclairer et accompagner l'avènement des formes nouvelles. Ce livre, conçu dans l'urgence, réunit des signatures les plus diverses des intervenants dans le champ culturel à côté des prises de parole du public. Face aux crispations exacerbées qui animent l'époque, cette assemblée polyphonique s'interroge sur le pouvoir déflagrateur du festival 2005 et dresse le rempart d'une affirmation critique.

Le cas Avignon 2005 - Regards critiques

Au théâtre, la mémoire est paradoxale. D'un côté, en tant qu'art, au moins en occident, il n'a qu'une mémoire partielle, trouée, fragmentaire, et de l'autre, il tient de la chose remémorée qui, aujourd'hui encore plus que d'habitude, cherche à se montrer dans l'actualité d'un corps, d'un spectacle. Malgré cette passion récente, le théâtre depuis toujours s'immerge dans ce qui remonte d'autrefois et l'acteur accomplit en lui-même les épousailles de l'ancien temps avec celui de maintenant. Il sert de support et de médiateur, de pont et de souricière - il est au carrefour des durées, car au théâtre le passé s'incarne, devient présent.

Les mémoires du théâtre

Georges Banu, comme le personnage de Nina Berberova, se place dans la posture de l'accompagnateur qui parle à partir de l'intimité avec des artistes par lesquels il fut séduit. Grâce à des " exercices " qui allient rapidité du trait et pouvoir évocateur, il réunit ici Antoine Vitez, figure tutélaire qui manque tellement aujourd'hui, Jerzy Grotowski et Klaus Michael Grüber, Ariane Mnouchkine et Eugenio Barba, Andrei Serban et Yoshi Oida ainsi que des spectacles hors pair qui se confrontent à l'expression moderne du tragique. Ensemble dû aux affinités que tout accompagnateur assume : on n'accompagne que ce qui vous accompagne.
Du présent vers le passé dont l'ombre portée persiste encore - c'est le chemin de ce livre où se retrouvent des précurseurs contrastés tels Beckett, Brecht, Meyerhold, Tchekhov d'un côté, Charles Garnier, les Nadar, Sarah Bernhardt de l'autre. Ils sont les protagonistes du combat entre moins et plus de théâtre qui, sans vainqueur ni vaincu, traversa le siècle.
Captivé par " l'entre-deux " du théâtre, Georges Banu suit les voyages secrets qui vont de la parole aux chants, du texte au plateau, du maître à l'élève, de la scène au roman. Il révèle le plaisir que pareils " transports " procurent et se rattache ainsi à cette critique affirmative exercée par Bernard Dort qui marqua sa génération.
Exercices d'accompagnement - un livre qui cherche à dire non pas pourquoi fuir le théâtre mais pourquoi le fréquenter encore.

Exercices d'accompagnement, d'Antoine Vitez à Sarah Bernhardt

A l'origine, une intuition : " l'enfant qui meurt " comme motif récurrent dans le théâtre du monde, d'Occident en Orient. Par-delà tout ce qu'un tel décès procure comme désarroi et deuils personnels, le motif cristallise un rapport au monde, révèle des stratégies de pouvoir, concentre les peurs d'une époque. Des Grecs aux Romains, de Shakespeare à Racine, " l'enfant qui meurt " renvoie à des comportements mythiques ou à des stratégies politiques. Au terme du XIXe siècle le motif gagne en fréquence et se retrouve constamment chez Tchekhov ou Ibsen, Maeterlinck ou Hauptmann. Les raisons de ces décès divergent mais elles semblent toujours échapper à la volonté des humains : maladies, accidents, noyades, chutes... La mort de l'enfant frappe les personnages comme un résidu du destin tragique, aveugle et immaîtrisable, symptôme d'une crainte d'avenir, d'une menace de stérilité et d'une impossibilité de régénération. A la fin du XXe siècle, le motif fait retour mais chez Edward Bond, Sarah Kane, Franz Xaver Kroetz, Joël Pommerat, Laurent Gaudé, Wajdi Mouawad, Hanok Lévine, ce n'est plus le destin qui frappe, mais bien souvent la mère elle-même qui tue, agression délibérée contre le principe de vie. Le cinéma et les arts plastiques ne restent pas à l'écart et le motif s'y retrouve avec une égale intensité, toujours en raison du désarroi qui se généralise : égarement sans secours, douleur sans réponse, vie sans perspective, no future. " L'enfant qui meurt ", excès qui défie la représentation.

L'Enfant qui meurt - Motif avec variations

Voici un Tchekhov personnel signé par Georges Banu qui, depuis longtemps, fréquente ses textes et suit leurs mises en scène. Ce livre dessine le territoire de la fameuse tétralogie qui débute avec La mouette, se poursuit avec Les trois sours et Oncle Vania et s'achève avec La cerisaie, tétralogie dont l'auteur est l'un des exégètes les plus réputés. Cet essai met en évidence les grands motifs qui traversent l'ouvre. Il dégage aussi les résonances avec aujourd'hui, nées du regard de proximité posé sur l'homme et de la perspective lucide proposée sur l'histoire. Il existe un " monde " tchékhovien et ce livre en épouse le paysage visible, de même qu'il saisit les courants souterrains qui le traversent. Héritier du XIXe siècle et à l'orée du XXe siècle, ce théâtre se situe au carrefour de l'Ancien et du Nouveau : Tchekhov frappe à la porte et Beckett entre.

Le Théâtre de Anton Tchekhov

Le rideau ou La fêlure du monde

En juillet 1994, le Festival d'Avignon rendit hommage à l'oeuvre d'Antoine Vitez. Une demi-journée d'étude (l'après-midi du 18 juillet) fut consacrée à sa pratique traductive. Il s'agissait à la fois d'évoquer l'importance que Vitez accordait à la traduction, son goût et sa passion des langues, son intérêt spécifique pour les domaines russe, hellénique et allemand. La qualité des communications présentées ce jour-là - interventions, témoignages, analyses - fit alors l'objet d'une publication. Vingt ans plus tard, la pensée du grand metteur en scène continue de résonner : dans cette édition revue et augmentée, la traduction de théâtre s'interroge, se scrute, s'analyse, et son enjeu, saisir le geste qui institue l'oeuvre et commande la parole théâtrale, s'impose. Comme disait alors Antoine Vitez : "Traduire, c'est mettre en scène".

Antoine Vitez, le devoir de traduire

Tout homme de théâtre se confronte au défi de l'inaccompli, condition pour intégrer une équipe et parvenir au spectacle, somme des inaccomplissements individuels. Georges Banu examine ici ce paradoxe fondateur et témoigne également de ses propres inaccomplissements comme acteur, écrivain, professeur. Assumer l'inaccompli - accord préalable de quiconque se voue au théâtre.

Le théâtre ou le défi de l'inaccompli

Opéra, théâtre, une mémoire imaginaire

Avec Brecht... un livre de rencontres sur l'homme de théâtre qui marque cette seconde moitié du siècle. En témoignent ici des personnalités décisives de la scène occidentale, de générations différentes et entretenant avec Brecht des rapports qui ne sont en rien uniformes : Judith Malina (créatrice avec Julian Beck du Living Theatre), Peter Stein (fondateur de la Schaubühne de Berlin et metteur en scène allemand), André Steiger (qui fut parmi les premiers à monter Brecht en français), Matthias Langhoff (metteur en scène allemand qui a fait ses débuts au Berliner Ensemble), Michel Deutsch (écrivain et metteur en scène français, particulièrement intéressé par le théâtre du jeune Brecht) et Stéphane Braunschweig (metteur en scène français ; les premiers textes de Brecht ont été des étapes importantes de son parcours). Ni zélateurs, ni agresseurs, ces artistes interrogent lucidement la place que Brecht a occupée dans leur travail et nous révèlent sa présence dans les entreprises théâtrales les plus radicales, mais aussi les plus contrastées.

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